Stillleben großer Meister. Modernes ukrainisches Stillleben Berühmte Stillleben der Welt
Weiter geht es mit der letzten Phase dieser Reihe von Beiträgen zum Stillleben-Genre. Es wird dem Werk russischer Künstler gewidmet sein.
Beginnen wir mit Fjodor Petrowitsch Tolstoi (1783-1873). Stillleben-Grafiken F.P. Tolstoi, ein berühmter russischer Bildhauer, Medailleur, Zeichner und Maler, ist wahrscheinlich der herausragendste und wertvollste Teil seines kreativen Erbes, obwohl der Künstler selbst sagte, dass er diese Werke "in seiner Freizeit aus ernsthaften Beschäftigungen" geschaffen hat.
Die Haupteigenschaft von Tolstois Stillleben ist ihr illusorischer Charakter. Der Künstler hat die Natur sorgfältig kopiert. Er versuchte, nach seinen eigenen Worten, "die kopierte Blume, wie sie ist, mit allen kleinsten Details, die zu dieser Blume gehören, mit strenger Klarheit von der Natur auf das Papier zu übertragen." Um den Betrachter in die Irre zu führen, verwendete Tolstoi illusionistische Techniken wie das Bild von Tautropfen oder durchscheinendem Papier, um die Zeichnung zu verdecken und die Augen zu täuschen.
Auch Ilya Efimofich Repin (1844-1930) wandte sich immer wieder einem Stilllebenmotiv wie Blumen zu. Zu diesen Werken gehört das Gemälde Herbstblumenstrauß (1892, Tretjakow-Galerie, Moskau), in dem die Künstlerin mit gleicher Aufmerksamkeit eine Herbstlandschaft darstellt, eine junge Frau vor dem Hintergrund goldener Bäume und einen bescheidenen Strauß gelber und weißer Blumen in ihren Händen .
I. Repin. Herbststrauß. Porträt von Vera Repina. 1892, Tretjakow-Galerie
Die Geschichte des Gemäldes "Äpfel und Blätter" ist etwas ungewöhnlich. Das Stillleben aus Früchten und Blättern wurde für Repins Schüler V.A. Serow. Das Thema Komposition gefiel dem Lehrer so gut, dass er beschloss, selbst ein solches Stillleben zu malen. Blumen und Früchte zogen viele Künstler an, die von anderen Dingen gerade diese bevorzugten, die die Welt der Natur am poetischsten und schönsten darstellen. Selbst in. Kramskoy, der dieses Genre ablehnt, würdigte auch das Stillleben und schuf ein spektakuläres Gemälde „Blumenstrauß. Phloxen “(1884, Tretjakow-Galerie, Moskau).
Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) ist den meisten von uns als Künstler bekannt, der in seinem Werk auf Landschafts-, Porträt- und Historienmalerei geachtet hat. Es ist jedoch anzumerken, dass das Thema in seinem Werk immer eine wichtige Rolle gespielt hat und oft die gleiche Stellung wie andere Elemente der Komposition einnahm. Etwas weiter oben habe ich schon sein Studentenwerk "Äpfel auf Blättern", 1879, unter der Leitung von Repin erwähnt. Wenn wir dieses Werk mit einem Werk vergleichen, das Repin zum gleichen Thema geschrieben hat, können wir sehen, dass Serovs Stillleben skizzenhafter ist als die Leinwand seines Lehrers. Der angehende Künstler hat einen niedrigen Blickwinkel verwendet, daher werden die erste und zweite Aufnahme kombiniert und der Hintergrund reduziert.
Allen seit ihrer Kindheit bekannt, geht das Gemälde "Mädchen mit Pfirsichen" über das Porträtgenre hinaus und heißt nicht zufällig "Mädchen mit Pfirsichen" und nicht "Porträt von Vera Mamontova". Wir sehen, dass hier die Merkmale von Porträt, Interieur und Stillleben vereint sind. Die Künstlerin achtet gleichermaßen auf das Bild eines Mädchens in einer rosa Bluse und einigen wenigen, aber geschickt gruppierten Objekten. Auf einer weißen Tischdecke liegen blassgelbe Pfirsiche, Ahornblätter und ein glänzendes Messer. Auch andere Dinge im Hintergrund sind liebevoll bemalt: Stühle, ein großer Porzellanteller an der Wand, eine Figur eines Spielzeugsoldaten, ein Kerzenständer auf der Fensterbank. Sonnenlicht, das aus dem Fenster strömt und auf Objekte mit hellen Glanzlichtern fällt, verleiht dem Bild einen poetischen Charme.
Michail Alexandrowitsch Vrubel (1856-1910) schrieb: „Und wieder ist er überwältigt, nein, nicht überwältigt, aber ich höre diese intime nationale Note, die ich so gerne auf der Leinwand und im Ornament einfangen möchte. Dies ist die Musik eines ganzen Menschen, nicht zerstückelt durch die Ablenkungen eines geordneten, differenzierten und bleichen Westens“.
An der Akademie der Künste war Vrubels Lieblingslehrer Pavel Chistyakov, der dem jungen Maler beibrachte, "mit einer Form zu zeichnen" und argumentierte, dass volumetrische Formen im Raum nicht durch Schattierungen und Konturen geschaffen werden sollten, sondern mit Linien gebaut werden sollten. Dank ihm lernte Vrubel, nicht nur die Natur zu zeigen, sondern auch ein aufrichtiges, fast liebevolles Gespräch mit ihr zu führen. In diesem Sinne entstand das wunderschöne Stillleben des Meisters „Hagebutte“ (1884).
Vor dem Hintergrund exquisiter Drapierungen mit floralen Motiven platzierte der Künstler eine elegante, abgerundete Vase, die mit orientalischen Mustern bemalt ist. Die zarte weiße Hagebuttenblüte, die mit blaugrünem Stoff beschattet ist, hebt sich deutlich ab und die Blätter der Pflanze verschmelzen fast mit dem matt schimmernden schwarzen Hals der Vase. Diese Komposition strotzt nur so vor unaussprechlichem Charme und Frische, der der Betrachter einfach nicht widerstehen kann.
In der Zeit seiner Krankheit begann Vrubel mehr nach der Natur zu malen, und seine Zeichnungen zeichnen sich nicht nur durch die Prägung der Form, sondern auch durch eine ganz besondere Spiritualität aus. Es scheint, dass jede Handbewegung des Künstlers sein Leiden und seine Leidenschaft verrät.
Besonders hervorzuheben ist in diesem Zusammenhang die Zeichnung „Stillleben. Kerzenständer, Dekanter, Glas “. Es ist ein vernichtender Triumph grimmiger Objektivität. Jedes Motiv eines Stilllebens birgt eine verborgene Sprengkraft. Das Material, aus dem die Dinge bestehen, sei es die Bronze eines Kerzenständers, das Glas eines Dekanters oder der dumpfe Schein einer Kerze, erzittert merklich vor der kolossalen inneren Spannung. Das Pulsieren wird vom Künstler mit kurzen, sich kreuzenden Strichen vermittelt, was die Textur explosiv und intensiv macht. So erhalten Objekte eine unglaubliche Schärfe, die das wahre Wesen der Dinge ist.
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G. N. Teplov und T. Ulyanov. Am häufigsten stellten sie eine Bretterwand dar, auf die Äste und Adern eines Baumes gezeichnet wurden. An den Wänden werden verschiedene Gegenstände aufgehängt oder hinter genagelten Bändern gestopft: Scheren, Kämme, Briefe, Bücher, Musikbücher. In schmalen Regalen werden Uhren, Tintenfässer, Flaschen, Kerzenleuchter, Geschirr und andere Kleinigkeiten platziert. Es scheint, dass eine solche Menge von Elementen völlig zufällig ist, aber in Wirklichkeit ist dies bei weitem nicht der Fall. Wenn man sich solche Stillleben ansieht, kann man die Interessen von Künstlern erahnen, die Musik spielten, lasen und kunstbegeistert waren. Meister porträtierten liebevoll und gewissenhaft Dinge, die ihnen lieb waren. Diese Bilder berühren mit ihrer Aufrichtigkeit und Spontaneität die Wahrnehmung der Natur.
Auch Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) widmete sich in seinem Werk dem Genre des Stilllebens. Auf seinen fröhlichen Leinwänden sieht man leuchtende Satinstoffe, kupferglänzende Samowar, Fayencen und Porzellan schimmern, rote Wassermelonenscheiben, Weintrauben, Äpfel, köstliche Muffins. Eines seiner bemerkenswerten Gemälde ist "Die Frau des Kaufmanns beim Tee", 1918. Es ist unmöglich, die lebendige Pracht der auf der Leinwand gezeigten Objekte nicht zu bewundern. Ein funkelnder Samowar, leuchtend rotes Fruchtfleisch aus Wassermelonen, glänzende Äpfel und transparente Weintrauben, eine Glasvase mit Marmelade, eine vergoldete Zuckerdose und eine Tasse vor der Kaufmannsfrau - all das verleiht dem Bild eine festliche Stimmung.
Im Stilleben wurde dem sogenannten "Trompe l'oeil" große Aufmerksamkeit geschenkt. Viele „Trick“-Stillleben, obwohl ihre Hauptaufgabe darin bestand, den Betrachter in die Irre zu führen, haben zweifellos einen künstlerischen Wert, der sich insbesondere in Museen bemerkbar macht, wo solche Kompositionen an den Wänden natürlich das Publikum nicht täuschen können. Aber es gibt auch Ausnahmen. Zum Beispiel „Still Life with Books“ von P.G. Bogomolov, eingefügt in ein illusorisches "Bücherregal", und die Besucher erkennen nicht sofort, dass dies nur ein Bild ist.
Sehr gutes „Stillleben mit Papagei“ (1737) von G.N. Teplowa. Mit Hilfe von klaren, knackigen Linien, die zu weichen, glatten Konturen, hellen, transparenten Schatten, subtilen Farbnuancen übergehen, zeigt die Künstlerin eine Vielzahl von Objekten, die an einer Bretterwand aufgehängt sind. Das Holz ist meisterhaft verarbeitet, bläuliche, rosa, gelbliche Nuancen tragen dazu bei, den frischen Duft von frisch gehobeltem Holz fast real zu spüren.
G. N. Teplow. "Stilleben mit Papagei", 1737, Staatliches Keramikmuseum, Gut Kuskowo
Russische Stillleben - "trompe l'oeil" des 18. Jahrhunderts zeugen davon, dass Künstler noch nicht gekonnt genug sind, um Raum und Volumen zu vermitteln. Für sie ist es wichtiger, die Textur von Objekten zu zeigen, als ob sie aus der Realität auf die Leinwand übertragen würden. Im Gegensatz zu holländischen Stillleben, in denen die von der Lichtumgebung absorbierten Dinge in Einheit mit ihr dargestellt werden, leben in den Gemälden russischer Meister sehr sorgfältig gemalte Objekte, sogar kleinlich, wie von selbst, unabhängig vom umgebenden Raum.
Zu Beginn des 19. Jahrhunderts wurde die Schule von A.G. Venetsianov, der sich der strikten Abgrenzung der Gattungen widersetzte und seinen Schülern ein ganzheitliches Naturverständnis vermitteln wollte.
A. G. Venetsianov. Die Tenne, 1821-23
Die venezianische Schule eröffnete ein neues Genre für die russische Kunst - das Interieur. Die Künstler zeigten verschiedene Räumlichkeiten des Adelshauses: Wohnzimmer, Schlafzimmer, Büros, Küchen, Klassenzimmer, Sozialräume usw. In diesen Werken wurde der Darstellung verschiedener Gegenstände ein wichtiger Platz eingeräumt, obwohl das Stillleben selbst für die Vertreter des Venetsianov-Kreises fast nicht von Interesse war (jedenfalls haben nur sehr wenige Stillleben von Schülern des berühmten Malers überlebt). Trotzdem forderte Venetsianov seine Schüler auf, nicht nur die Gesichter und Figuren der Menschen, sondern auch die Dinge um sie herum sorgfältig zu studieren.
Das Sujet in Venetsianovs Gemälde ist kein Beiwerk, es ist untrennbar mit den restlichen Details des Gemäldes verbunden und oft der Schlüssel zum Verständnis des Bildes. Eine ähnliche Funktion erfüllen beispielsweise Sicheln im Gemälde "Die Schnitter" (zweite Hälfte der 1820er Jahre, Russisches Museum, St. Petersburg). Die Dinge in der venezianischen Kunst scheinen in das gemächliche und ruhige Leben der Charaktere hineingezogen zu werden.
Obwohl Venetsianov aller Wahrscheinlichkeit nach keine Stillleben schrieb, nahm er diese Gattung in sein Lehrsystem auf. Der Künstler schrieb: „ Unbelebte Dinge unterliegen nicht den verschiedenen Veränderungen, die für belebte Gegenstände charakteristisch sind, sie stehen, halten sich ruhig, bewegungslos vor einem unerfahrenen Künstler und geben ihm Zeit, genauer und vernünftiger zu forschen, in die Beziehung eines Teils zum anderen zu blicken , sowohl in Linien als auch in Licht und Schatten durch die Farbe selbst, die vom Platz der Gegenstände abhängen”.
Natürlich spielte das Stillleben eine große Rolle im pädagogischen System der Akademie der Künste des 18. sich der Natur zuwenden, der in seinem ersten Studienjahr Stillleben einführte, bestehend aus Gipsfiguren, Geschirr, Kerzenständern, bunten Bändern, Früchten und Blumen. Venetsianov wählte Themen für pädagogische Stillleben so aus, dass sie für Anfänger interessant sind, verständlich in der Form, schön in der Farbe.
In den Gemälden von Venetsianovs talentierten Schülern werden die Dinge wahrheitsgetreu und frisch vermittelt. Dies sind die Stillleben von K. Zelentsov, P.E. Kornilow. Im Werk der Venezianer gibt es auch Werke, die im Wesentlichen keine Stillleben sind, aber dennoch die Bedeutung der Dinge in ihnen enorm ist. Sie können zum Beispiel die Leinwände "Cabinet in the Islets" und "Reflection in the Mirror" von G.V. Elstern in der Sammlung des Russischen Museums in St. Petersburg aufbewahrt.
G. V. Elster. "Kabinett auf Inseln". Fragment, 1844, Russisches Museum, St. Petersburg
Stillleben wirken in diesen Werken nicht eigenständig, sondern als Teile des Interieurs, die vom Meister einzigartig arrangiert werden, entsprechend der allgemeinen kompositorischen und emotionalen Struktur des Bildes. Das Hauptverbindungselement ist hier Licht, das sanft von einem Objekt zum anderen übergeht. Beim Betrachten der Leinwände versteht man, wie interessant die umgebende Welt für den Künstler ist, der jedes Objekt, jedes kleinste Ding liebevoll darstellt.
Das im „Cabinet in the Islets“ präsentierte Stillleben erscheint, obwohl es einen kleinen Platz in der Gesamtkomposition einnimmt, von ungewöhnlicher Bedeutung, hervorgehoben durch die Tatsache, dass der Autor es mit einer hohen Rückseite vom Rest des Raumes abgrenzt das Sofa, und schneide es links und rechts mit einem Rahmen ab. Es scheint, dass Soroka von den auf dem Tisch liegenden Gegenständen so hingerissen war, dass er fast die restlichen Details des Bildes vergaß. Der Meister hat alles sorgfältig aufgeschrieben: eine Feder, einen Bleistift, einen Zirkel, einen Winkelmesser, ein Taschenmesser, einen Abakus, ein Blatt Papier, eine Kerze in einem Leuchter. Der Blick von oben erlaubt Ihnen, alle Dinge zu sehen, keines behindert das andere. Attribute wie ein Totenschädel, eine Uhr und Symbole der "irdischen Eitelkeit" (Statuette, Papiere, Abakus) erlauben einigen Forschern, das Stillleben als Vanitas-Typ zu klassifizieren, obwohl ein solcher Zufall rein zufällig ist, höchstwahrscheinlich der Leibeigene benutzte, was auf dem Tisch seines Herrn lag.
Der berühmte Künstler I.F. Khrutsky, der viele schöne Gemälde im Geiste des niederländischen Stilllebens des 17. Jahrhunderts malte. Zu seinen besten Werken zählen Blumen und Früchte (1836, Tretjakow-Galerie, Moskau), Porträt einer Frau mit Blumen und Früchten (1838, Kunstmuseum von Belarus, Minsk), Stillleben (1839, Museum der Akademie der Künste, St. Petersburg).
In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts war das „botanische Stillleben“, das aus Westeuropa zu uns kam, in Russland sehr beliebt. Zu dieser Zeit wurden in Frankreich Werke von Botanikern mit hervorragenden Illustrationen veröffentlicht. Der Künstler P.Zh. Redoute, der als „der berühmteste Blumenmaler seiner Zeit“ galt. „Botanisches Zeichnen“ war nicht nur für die Wissenschaft, sondern auch für Kunst und Kultur ein bedeutendes Phänomen. Solche Zeichnungen wurden als Geschenk überreicht, schmückten Alben und stellten sie damit auf eine Stufe mit anderen Werken der Malerei und Grafik.
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde P.A. Fedotow. Obwohl er eigentlich keine Stillleben malte, erfreut sich die von ihm geschaffene Dingwelt an ihrer Schönheit und Wahrhaftigkeit.
Die Objekte in Fedotovs Werken sind untrennbar mit dem Leben der Menschen verbunden, sie nehmen die direkteste Rolle in den dramatischen Ereignissen ein, die der Künstler darstellt.
Betrachtet man das Gemälde "Fresh Cavalier" ("Morgen nach dem Fest", 1846), staunt man über die Fülle an sorgfältig gemalten Gegenständen des Meisters. Ein echtes Stillleben, das in seiner Lakonizität überrascht, zeigt das berühmte Gemälde von Fedotov "Die Balz des Majors" (1848). Glas wird greifbar vermittelt: Weingläser auf hohen Beinen, eine Flasche, eine Karaffe. Das dünnste und transparenteste scheint ein sanftes Kristallklingeln auszustrahlen.
Fedotov P. A. Matchmaking des Majors. 1848-1849. Staatliche Tretjakow-Galerie
Fedotov trennt Objekte nicht vom Innenraum, sodass die Dinge nicht nur zuverlässig, sondern auch bildhaft subtil gezeigt werden. Jedes gewöhnliche oder nicht allzu attraktive Objekt, das seinen Platz im allgemeinen Raum einnimmt, erscheint erstaunlich und schön.
Obwohl Fedotov keine Stillleben malte, zeigte er ein unbestrittenes Interesse an diesem Genre. Sein Instinkt sagte ihm, wie er dieses oder jenes Objekt anordnen sollte, von welchem Standpunkt aus er es präsentieren sollte, was nicht nur logisch, sondern auch expressiv als nächstes aussehen würde.
Die Welt der Dinge, die dazu beiträgt, das menschliche Leben in all seinen Erscheinungsformen zu zeigen, verleiht Fedotovs Werken eine besondere Musikalität. Dies sind die Gemälde "Anker, noch Anker" (1851-1852), "Die Witwe" (1852) und viele andere.
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts interessierte das Genre des Stilllebens die Künstler praktisch nicht mehr, obwohl viele Genremaler gerne Elemente des Stilllebens in ihre Kompositionen einbauten. Dinge in den Gemälden von V.G. Perov („Teetrinken in Mytischtschi“, 1862, Tretjakow-Galerie, Moskau), L.I. Solomatkina („Polizisten-Polizisten“, 1846, Staatliches Historisches Museum, Moskau).
Stillleben werden in Genreszenen von A.L. Yushanov („Seeing the Chief“, 1864), M.K. Klodt („Kranker Musiker“, 1855), V.I. Jacobi ("Pedlar", 1858), A.I. Korzukhina („Vor der Beichte“, 1877; „Im Klosterhotel“, 1882), K.E. Makowski („Alekseich“, 1882). Alle diese Leinwände werden heute in der Sammlung der Tretjakow-Galerie aufbewahrt.
K. E. Makowski. "Alekseich", 1882, Tretjakow-Galerie, Moskau
In den 1870er und 1880er Jahren blieb das Alltagsleben das führende Genre der russischen Malerei, aber auch Landschafts- und Porträtmalerei spielten eine wichtige Rolle. Die Wanderers spielten eine große Rolle bei der Weiterentwicklung der russischen Kunst und strebten danach, die Wahrheit des Lebens in ihren Werken zu zeigen. Künstler begannen, großen Wert auf die Arbeit aus der Natur zu legen und wandten sich daher zunehmend der Landschaft und dem Stillleben zu, obwohl viele von ihnen letzteres als Zeitverschwendung, als sinnlose Leidenschaft für eine Form ohne inneren Inhalt betrachteten. Also, I. N. Kramskoy erwähnte den berühmten französischen Maler, der Stillleben nicht vernachlässigte, in einem Brief an V.M. Vasnetsov: "Ein talentierter Mensch wird keine Zeit mit dem Image von beispielsweise Becken, Fisch usw. verschwenden. Es ist gut für Leute, die bereits alles haben, aber wir haben viel zu tun."
Trotzdem bewunderten viele russische Künstler, die keine Stillleben malten, sie und betrachteten die Leinwände westlicher Meister. Zum Beispiel V. D. Polenow, der in Frankreich war, schrieb an I.N. Kramskoy: „Sie werden sehen, wie hier alles wie am Schnürchen läuft, jeder arbeitet auf seine Weise, in die unterschiedlichsten Richtungen, nach seinem Geschmack, und das alles wird geschätzt und bezahlt. Für uns zählt vor allem, was getan wurde, aber hier - wie es gemacht wurde. Zum Beispiel zahlen sie zwanzigtausend Franken für ein Kupferbecken mit zwei Fischen, und außerdem betrachten sie diesen Kupferhandwerker als den ersten Maler, und das vielleicht nicht ohne Grund “.
Besucht auf einer Ausstellung in Paris im Jahr 1883, V.I. Surikov bewunderte Landschaften, Stillleben und Gemälde mit Blumen. Er schrieb: „Giberts Fische sind gut. Der Fischschleim wird meisterhaft und lebendig wiedergegeben und mischt sich Ton mit Ton “. In seinem Brief an P.M. Tretjakow und diese Worte: „Und der Fisch von Gilbert - was für ein Wunder. Nun, Sie können es vollständig in die Hand nehmen, es ist vor der Täuschung geschrieben.
Sowohl Polenov als auch Surikov hätten wunderbare Meister des Stilllebens werden können, wie die meisterhaft bemalten Objekte in ihren Kompositionen belegen (Polenovs Kranke, Surikows Menschikow in Berezovo).
V.D. Polenow. "Krank", 1886, Tretjakow-Galerie
Die meisten Stillleben berühmter russischer Künstler in den 1870er bis 1880er Jahren sind Werke mit skizzenhaftem Charakter, die den Wunsch der Autoren zeigen, die Besonderheiten der Dinge zu vermitteln. Einige dieser Werke zeigen ungewöhnliche, seltene Objekte (zB eine Skizze mit einem Stillleben zu IE Repins Gemälde "Die Kosaken schreiben einen Brief an den türkischen Sultan", 1891). Solche Werke hatten keine eigenständige Bedeutung.
Interessante Stillleben von A.D. Litovchenko, aufgeführt als vorbereitende Skizzen für das große Gemälde "Iwan der Schreckliche zeigt Botschafter Gorsey seine Schätze" (1875, Russisches Museum, St. Petersburg). Der Künstler zeigte luxuriöse Brokatstoffe, mit Edelsteinen besetzte Waffen, Gold- und Silbergegenstände, die in den königlichen Schatzkammern aufbewahrt wurden.
Seltener waren damals Skizzenstillleben, die gängige Haushaltsgegenstände darstellten. Solche Arbeiten wurden mit dem Ziel geschaffen, die Struktur der Dinge zu studieren, und waren auch das Ergebnis von Übungen in der Maltechnik.
Stillleben spielten nicht nur in der Genre-, sondern auch in der Porträtmalerei eine wichtige Rolle. Zum Beispiel in dem Gemälde von I.N. Als Accessoires dienen Kramskoy "Nekrasov in der Zeit von" Last Songs " (1877-1878, Tretjakow-Galerie, Moskau) Objekte. S. N. Goldstein, der Kramskoys Werk studiert hat, schreibt: „Auf der Suche nach einer allgemeinen Komposition des Werkes bemüht er sich darum, dass das von ihm nachgebildete Interieur trotz seines eigenen Alltagscharakters vor allem das Bewusstsein für die spirituelle Erscheinung des Dichters fördert, die unvergängliche Bedeutung seiner Poesie. In der Tat die einzelnen Accessoires dieses Interieurs - die Bände von Sovremennik, die zufällig neben dem Bett des Patienten auf den Tisch gelegt wurden, ein Blatt Papier und ein Bleistift in seinen geschwächten Händen, eine Büste von Belinsky, ein an der Wand hängendes Porträt von Dobrolyubov - erworben in dieser Arbeit die Bedeutung keineswegs äußerer Zeichen der Situation, sondern Relikte, die eng mit dem Bild einer Person verbunden sind.“
Unter den wenigen Stillleben der Wanderer nehmen "Blumensträuße" den Hauptplatz ein. Interessant ist "Bouquet" von V.D. Polenov (1880, Museum-Anwesen Abramtsevo), in der Ausführung ein wenig an I.E. Repin. Unaufdringlich im Motiv (kleine Wildblumen in einer schlichten Glasvase) erfreut er sich dennoch an seiner freien Malerei. In der zweiten Hälfte der 1880er Jahre werden ähnliche Blumensträuße in den Gemälden von I.I. Levitan.
Auf andere Weise hat I. N. Kramskoi. Viele Forscher glauben, dass die beiden Gemälde „Blumenstrauß“ sind. Phloxes “(1884, Tretjakow-Galerie, Moskau) und„Rosen“(1884, Sammlung von RK Viktorova, Moskau) - wurden vom Meister während der Arbeit an der Leinwand„Untröstliche Trauer“ geschaffen.
Kramskoy zeigte auf der XII. Wanderausstellung zwei „Blumensträuße“. Spektakuläre, leuchtende Kompositionen mit Gartenblumen vor dunklem Hintergrund fanden bereits vor Ausstellungseröffnung Käufer. Die Eigentümer dieser Werke waren Baron G.O. Günzburg und die Kaiserin.
Auf der IX. Wanderausstellung von 1881-1882 erregte ein Gemälde von K.E. Makovsky, genannt im Katalog "Nature morte" (jetzt in der Tretjakow-Galerie unter dem Namen "Im Atelier des Künstlers"). Die große Leinwand zeigt einen riesigen Hund, der auf einem Teppich liegt, und ein Kind, das von einem Sessel nach Obst auf dem Tisch greift. Aber diese Figuren sind nur die Details, die der Künstler braucht, um das Stillleben zum Leben zu erwecken - viel Luxus im Atelier des Künstlers. In den Traditionen der flämischen Kunst gemalt, berührt Makovskys Malerei immer noch die Seele des Betrachters. Der Künstler, der davon mitgerissen wurde, die Schönheit teurer Dinge zu vermitteln, versäumte es, ihre Individualität zu zeigen und schuf ein Werk, dessen Hauptziel es ist, Reichtum und Luxus zu demonstrieren.
Alle Objekte im Bild scheinen gesammelt, um den Betrachter mit ihrer Pracht zu verblüffen. Auf dem Tisch steht eine Reihe von Früchten, traditionell für ein Stillleben - große Äpfel, Birnen und Trauben auf einem großen, schönen Teller. Es gibt auch einen großen silbernen Becher, der mit einem Ornament verziert ist. In der Nähe befindet sich ein blau-weißes Fayencegefäß, in dessen Nähe sich eine reich verzierte antike Waffe befindet. Pinsel, die in einem breiten Krug auf dem Boden platziert sind, erinnern daran, dass dies eine Künstlerwerkstatt ist. Der vergoldete Stuhl hat ein Schwert in einer luxuriösen Scheide. Der Boden ist mit einem Teppich mit hellen Ornamenten bedeckt. Teure Stoffe sind auch Schmuck - Brokat mit dickem Fell und Samt, aus dem der Vorhang genäht wird. Die Farbe der Leinwand wird in satten Schattierungen gehalten, wobei Scharlach, Blau und Gold vorherrschen.
Aus all dem wird deutlich, dass Stillleben in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in der russischen Malerei keine bedeutende Rolle spielten. Es wurde nur als Skizze für ein Gemälde oder eine pädagogische Studie verteilt. Viele Künstler, die im Rahmen des akademischen Programms Stillleben aufführten, kehrten nicht in eigenständiger Arbeit zu diesem Genre zurück. Stillleben wurden hauptsächlich von Laien gemalt, die Aquarelle mit Blumen, Beeren, Früchten und Pilzen schufen. Große Meister hielten das Stillleben für nicht beachtenswert und verwendeten Objekte nur, um die Situation überzeugend darzustellen und das Bild zu schmücken.
Die ersten Ansätze eines neuen Stilllebens finden sich in der Malerei von Künstlern, die an der Wende des XIX-XX Jahrhunderts tätig waren: I.I. Levitan, d.h. Grabar, V. E. Borisova-Musatova, M.F. Larionova, K. A. Korowin. Zu dieser Zeit tauchten Stillleben in der russischen Kunst als eigenständiges Genre auf.
Aber es war ein sehr eigentümliches Stillleben, das von impressionistisch arbeitenden Künstlern verstanden wurde, nicht als gewöhnliche geschlossene Motivkomposition. Die Meister stellten die Details eines Stilllebens in eine Landschaft oder ein Interieur dar, und es ging ihnen nicht so sehr um das Leben der Dinge, sondern um den Raum selbst, einen leichten Dunst, der die Umrisse von Gegenständen auflöst. Von großem Interesse sind auch die grafischen Stillleben von M.A. Vrubel, die sich durch ihre einzigartige Originalität auszeichnen.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts haben Künstler wie A.Ya. Golovin, S. Yu. Sudeikin, A. F. Gausch, B. I. Anisfeld, I. S. Schüler. N. N. Sapunov, der eine Reihe von Tafelbildern mit Blumensträußen schuf.
In den 1900er Jahren wandten sich viele Künstler verschiedener Richtungen dem Stillleben zu. Unter ihnen waren die sogenannten. Moskauer Sezannisten, Symbolisten (PV Kuznetsov, KS Petrov-Vodkin) usw. Thematische Kompositionen nahmen einen wichtigen Platz im Werk so berühmter Meister wie M.F. Larionov, N. S. Goncharova, A. V. Lentulov, R. R. Falk, P. P. Konchalovsky, A. V. Schewtschenko, D. P. Shterenberg, der das Stillleben zu einem vollwertigen Stil unter anderen Genres der russischen Malerei des 20. Jahrhunderts machte.
Eine Auflistung russischer Künstler, die Stillleben-Elemente in ihrer Arbeit verwendeten, würde viel Platz beanspruchen. Daher beschränken wir uns auf das hier vorgestellte Material. Interessierte können sich über die Links im ersten Teil dieser Beitragsreihe zum Genre Stillleben informieren.
Vorherige Beiträge: Teil 1 -
Teil 2 -
Teil 3 -
Teil 4 -
Teil 5 -
Über einige der ikonischen Künstler, die Gemälde im Genre des Stilllebens geschaffen haben.
Einführung
Der Begriff "Stillleben" wird verwendet, um Gemälde zu definieren, die unbelebte Gegenstände darstellen (aus dem Lateinischen für "tote Natur"). Darüber hinaus können Gegenstände sowohl natürlichen Ursprungs (Früchte, Blumen, tote Tiere und Insekten, Schädel usw.) als auch von Menschenhand geschaffene (verschiedene Utensilien, Uhren, Bücher und Papierrollen, Schmuck usw.) sein. Oft ist in einem Stillleben ein versteckter Subtext enthalten, der durch ein symbolisches Bild vermittelt wird. Allegorische Werke gehören zum Vanitas-Subgenre.
Das Stilleben als Genre wurde im 17. Jahrhundert in Holland am stärksten entwickelt, um gegen die offizielle Kirche und die Auferlegung religiöser Kunst zu protestieren. In der weiteren Geschichte der Malerei hatten die Werke der damaligen Niederländer (Utrech, Leiden, Delft und andere) einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Kunst: Komposition, Perspektive, die Verwendung von Symbolik als Element der Erzählung. Trotz seiner Bedeutung und des öffentlichen Interesses nimmt das Stillleben nach Meinung der Kunsthochschulen den letzten Platz in der allgemeinen Gattungshierarchie ein.
Rachel Ruysch
Ruysch ist einer der bekanntesten niederländischen Realisten und Stilllebenmaler. Die Kompositionen dieses Künstlers enthalten viel Symbolik, verschiedene moralische und religiöse Botschaften. Ihr charakteristischer Stil ist eine Kombination aus dunklem Hintergrund, sorgfältiger Ausarbeitung von Details, zarter Farbgebung und dem Bild zusätzlicher Elemente, die das Interesse wecken (Insekten, Vögel, Reptilien, Kristallvasen).
Harmen van Steenwijk
Die Werke dieses niederländischen Realisten zeigen perfekt Vanitas-Stillleben, die das Treiben des irdischen Lebens veranschaulichen. Eines der bekanntesten Gemälde ist die "Allegorie der Eitelkeit des menschlichen Lebens", die einen menschlichen Schädel im Sonnenlicht zeigt. Verschiedene Elemente der Komposition beziehen sich auf die Vorstellungen von der Unvermeidlichkeit des physischen Todes. Die Detailtreue und das Maß an Realismus von Steenwijks Gemälden werden durch die Verwendung von dünnen Pinseln und Farbauftragstechniken erreicht.
Paul Cézanne
Bekannt für seine Landschaften, Porträts und Genrewerke, trug Cezanne auch zur Entwicklung des Stilllebens bei. Nachdem das Interesse am Impressionismus verschwunden war, begann der Künstler, Früchte und Naturobjekte zu erforschen und mit volumetrischen Figuren zu experimentieren. Diese Studien haben dazu beigetragen, den Stilleben nicht nur durch klassische Techniken, sondern auch durch den meisterhaften Einsatz von Farbe Perspektive und Dimension zu verleihen. Alle von Cézanne in Betracht gezogenen Richtungen wurden von Georges Braque und Picasso bei der Entwicklung des analytischen Kubismus weiter untersucht. Mit dem Ziel, etwas "Dauerhaftes" zu schaffen, bemalte die Künstlerin lieber dieselben Objekte, und der unglaublich lange Prozess der Erstellung eines Stilllebens führte dazu, dass Obst und Gemüse lange vor Fertigstellung des Gemäldes zu verrotten und zu zerfallen begannen .
Saum
Der niederländische Realist Hem, ein Schüler von David Bailly, ist bekannt für prachtvolle Stillleben mit vielen Details, aufgeladen mit Kompositionen, einer Fülle von Insekten und anderen dekorativen und symbolischen Elementen. Oft verwendete der Künstler in seinen Werken religiöse Motive, wie Jan Bruegel und Federico Borromeo.
Jean Baptiste Chardin
Seinen Fleiß und seinen Ordnungsdurst hat der Zimmermannssohn Jean Chardin dank seines Vaters erworben. Die Gemälde des Meisters sind oft ruhig und nüchtern, weil er eine Harmonie von Ton, Farbe und Form anstrebte, die vor allem durch die Arbeit mit Licht und Kontrasten erreicht wurde. Der Wunsch nach Sauberkeit und Ordnung kommt auch im Fehlen von Allegorien in den Kompositionen zum Ausdruck.
Frans Snyders
Der Barockkünstler von Stillleben und Tierszenen war ein unglaublich produktiver Künstler, und seine Fähigkeit, die Textur von Leder, Pelz, Glas, Metall und anderen Materialien darzustellen, war unübertroffen. Snyders war auch ein hervorragender Tiermaler, der in seinen Stillleben oft tote Tiere darstellte. Später wurde er offizieller Maler von Erzherzog Albert von Österreich, wodurch noch mehr Meisterwerke entstanden.
Francisco de Zurbaran
Zurbaran, ein renommierter Autor religiöser Gemälde, ist einer der größten Stillleben-Schöpfer. In streng spanischer Tradition gemalt, sind seine Werke von zeitloser Qualität und tadelloser Schlichtheit. Sie stellen normalerweise eine kleine Anzahl von Objekten vor einem abgedunkelten Hintergrund dar.
Conor Walton
Von den modernen Autoren verdient Conor Walton Aufmerksamkeit. Der Beitrag des irischen Künstlers zur Entwicklung des Stilllebens ist in den Werken Hidden: Oranges and Lemons (2008), Still Life with Large Orchids (2004) deutlich zu erkennen. Die Arbeit des Meisters ist präzise und unter ausschließlicher Verwendung von Licht ausgeführt, wodurch die Textur verschiedener Oberflächen vermittelt wird.
Die besten Stillleben
aktualisiert: 14. November 2017 vom Autor: GlebHeute war ich im National Ukrainischen Museum für Moderne Kunst ausgestellt.
Ich mochte viel. Ich teile.
Victor Tolochko
1922-2006, Jalta
"Frühlingsstillleben", 1985
Öl auf Leinwand.
Victor Tolochko
"Stilleben mit einer weißen Teekanne", 1993
Öl auf Leinwand
/Geboren in Melitopol, Teilnehmer des Zweiten Weltkriegs, studierte in Charkow. Er leitete das Kunstmuseum in Jalta, das zu dieser Zeit die Säle des Woronzow-Palastes besetzte. Dann zog er nach Donezk. In seinen abnehmenden Jahren kehrte er auf die Krim zurück. Er malte Stillleben, Landschaften, Porträts. Volkskünstler der Ukraine/.
Ibrahim Litinsky
1908-1958, Kiew
"Stilleben mit Peons am Klavier", 1958
Öl auf Leinwand
/Litinsky Ibragim Moiseevich (1908 - 1958) - ukrainischer Künstler, Porträtist, Meister der politischen und Filmplakate. Er absolvierte die Kiewer Kunst- und Industrieschule, dann studierte er am Kiewer Kunstinstitut an den Theater- und Filmfakultäten (1927 - 1928). Er malte Porträts herausragender Persönlichkeiten - Stalin, Panas Saksagansky, Ivan Patorzhinsky, Natalia Uzhviy, Gnat Yura. Die Werke des Künstlers befinden sich in verschiedenen Privatsammlungen/(mit)
Nina Dragomirova
1926
"Stillmort mit Gemüse", 1971
/ Ukrainischer Künstler, Maler. Absolvent der Crimean Art School, benannt nach I. N. Samokisha (1952). Mitglied des Nationalen Künstlerverbandes seit 1970. Meister der Landschafts- und Stilleben. Werke befinden sich in zahlreichen Privatsammlungen in der Ukraine (C) /
Sergey Shapovalov
1943, Kirowograd
"Stillleben". 1998
Öl auf Leinwand
/ Absolvent des Staatlichen Kunstinstituts Kiew. Mitglied des Künstlerverbandes der Ukraine. Verdienter Künstler der Ukraine (2008). Ein bedeutender Teil der Werke des Künstlers ist in Wanderausstellungen des Kulturministeriums und in Museen der Ukraine zu sehen. Viele Werke des Künstlers befinden sich in Privatsammlungen. Er nahm an ausländischen kommerziellen Ausstellungen teil ("New York. Inter-Expo 2002" (USA), "Russian House" in Berlin (Deutschland). 2004 fand die persönliche Ausstellung des Künstlers in Guadalajara (Spanien) (c) /.
Fedor Zakharov
1919-1994, Jalta
"Flieder", 1982
Öl auf Leinwand
/ Hervorragender Maler, Meister der Landschaft und des Stilllebens. Im Dorf geboren. Aleksandrovskoe aus der Region Smolensk. 1935 - 1941 studierte er an der nach ihm benannten Kunst- und Gewerbeschule. M. Kalinin in Moskau, 1943 - 1950 - am Moskauer Kunstinstitut. V. Surikov bei A. Lentulov, I. Chekmasov und G. Ryazhsky. 1950 zog er nach Simferopol, wo er an der Kunstschule lehrte. N. Samokisha. 1953 ließ er sich in Jalta nieder. Verdienter Künstler der Ukrainischen SSR seit 1970, Volkskünstler der Ukrainischen SSR seit 1978.
Preisträger des Staatspreises der Ukrainischen SSR im. T. Schewtschenko (1987). Gedenkausstellungen des Künstlers fanden in der Staatlichen Tretjakow-Galerie (2003), in Simferopol (2004) und Kiew (2005) statt. Die Werke werden in der Staatlichen Tretjakow-Galerie, dem Nationalen Kunstmuseum der Ukraine und der Feodosia-Kunstgalerie aufbewahrt. I. Kunstmuseen Aivazovsky, Simferopol, Sewastopol usw. (c) /
Sergey Dupliy
1958, Kiew
"Phloxen", 2003
Öl auf Leinwand
/ Geboren 1958 im Dorf Sidorovka, Gebiet Tscherkassy.
Die Arbeit von I. Grabar, N. Glushchenko und F. Zakharov hatte großen Einfluss auf seine künstlerische Ausbildung.
Mitglied des Nationalen Künstlerverbandes der Ukraine seit 2000. Lebt und arbeitet in Rzhishchev (C) /
Valentina Tsvetkova
1917-2007, Jalta
"Herbstblumen", 1958
Öl auf Leinwand
/ Ukrainischer und russischer Maler, Meister der Landschaft und des Stilllebens. Sie wurde in Astrachan, Russland, geboren. 1935 machte sie ihren Abschluss an der Astrachan Art School. Sie wurde mit Orden und Medaillen ausgezeichnet. Volkskünstler der Ukraine seit 1985. Lebte und arbeitete in Jalta (C) /
Stepan Titko
1941-2008, Lemberg
"Stillleben", 1968
Öl auf Leinwand
/ Geboren im Dorf Stilskoe, Region Lwiw.
1949 wurde die Familie des Künstlers unterdrückt und in das Gebiet Chabarowsk verbannt. 1959 schloss Stepan Titko das Gymnasium ab und trat in die grafische Abteilung des Staatlichen Polygrafischen Instituts von Chabarowsk ein, und 1961 - am Kunstinstitut von Chabarowsk. Ab 1964 lebte er in Komsomolsk am Amur und arbeitete als Grafikdesigner am Institut für Kosmonautik. 1966 kehrte der Künstler mit seiner Familie in die Ukraine zurück, ließ sich in der Stadt Novy Rozdil in der Region Lemberg nieder und arbeitete als Zeichenlehrer an einer Schule. Von 1969 bis 1971 Titko S.I. ist auf einer kreativen Geschäftsreise auf die japanische Insel Sakyu.
1974 nahm er an der „Bulldozer-Ausstellung“ teil. Ihm wurde Formalismus und eine prowestliche Haltung zur Kunst vorgeworfen.
Die Werke von S. I. Titko in Museums- und Privatsammlungen in der Ukraine, Polen, Deutschland, Frankreich, USA und anderen Ländern aufbewahrt (c) /
Konstantin Filatov
1926-2006, Odessa
"Stilleben mit Tasse", 1970
Öl auf Karton
Konstantin Filatov
1926-2006, Odessa
Auberginen und Paprika, 1965
Öl auf Leinwand auf Karton
/ Verdienter Künstler der Ukraine. Wurde in Kiew geboren.
1955 absolvierte er die Odessa Art School, benannt nach M.B. Grekov. Seit 1957 - Teilnehmer der republikanischen, unionsweiten und ausländischen Kunstausstellungen. Mitglied des Künstlerverbandes der Ukrainischen SSR seit 1960.
Er arbeitete auf dem Gebiet der Staffeleimalerei. Autor zahlreicher Genrebilder, Landschaften, Porträts und Stillleben.
Von 1970 bis 1974 war er Lehrer an der Odessa Art School.
1972 wurde er Preisträger des Staatspreises der Ukrainischen SSR, benannt nach I. T. Shevchenko für die Gemälde "Roter Platz" und "V. I. Lenin". 1974 wurde ihm der Titel „Verdienter Künstler der Ukrainischen SSR“ verliehen.
Die Werke von K. V. Filatov sind in Museen und Privatsammlungen in der Ukraine und im Ausland vertreten. (mit)/
Pavel Miroshnichenko (Ich mag diese Arbeit sehr!)
1920-2005, Sewastopol
"Stilleben", 1992
Öl auf Leinwand
/ Verdienter Künstler der Ukraine. Landschaftsmaler, Meister des Stilllebens. Geboren in Belovodsk, Gebiet Luhansk.
Mitglied des Großen Vaterländischen Krieges. Mit Orden und Medaillen verziert.
Von 1946 bis 1951 studierte er an der Krim-Kunstschule, benannt nach V.I. N.S. Samokisha. Seit 1951 lebte und arbeitete der Künstler in Sewastopol.
Seit 1965 P. P. Miroshnichenko - Mitglied der Union der Künstler der Ukraine.
Werke sind im Sewastopol Art Museum. MP Kroshitsky und andere Museums- und Privatsammlungen in der Ukraine, Russland, Frankreich, Deutschland, Japan, USA, Polen und Tschechien. Für das Museum of Russian Art in Japan wurden fünf Seestücke angekauft. (C) /
Gayane Atoyan
1959, Kiew
"Kornblumen", 2001
Öl auf Leinwand
/ 1983 absolvierte sie das Kiewer Staatliche Kunstinstitut. Seine Mutter, eine Künstlerin, betrachtet er als seine wichtigste Lehrerin. Tatiana Yablonskaya... Seit 1982 nimmt er an Kunstausstellungen teil.
1986 wurde sie in den Künstlerverband der Ukraine aufgenommen.
Die Werke von Gayane Atoyan befinden sich in Kunstmuseen in Kiew, Saporoschje, Chmelnizki, in privaten Sammlungen in der Ukraine und im Ausland. (C) /
Evgeny Egorov
1917-2005, Charkow
"Rosen", 1995
Pastell auf Papier
/ Er arbeitete von 1949 bis 2000 am Kharkov Art and Industry Institute (jetzt KSADI). (von 1972 bis 1985 - Rektor) /.
Sergey Shurov
1883-1961, Kiew
"Stilleben", 1950er Jahre
Aquarell auf Papier
Igor Kotkov
1961, Kiew
"Stilleben mit roten Blumen" 1990
Öl auf Leinwand
/ Absolvent der Kiewer Republikanischen Kunstschule, damals - der Kunstakademie in Kiew. Er arbeitete als Produktionsdesigner im Filmstudio UkrAnimafilm und schuf Cartoons für Erwachsene. Nach und nach entwickelte der Künstler seinen eigenen Schreibstil, seine eigene kreative Handschrift. Heute ist das Malen seine Lieblingsbeschäftigung und sein Lebenswerk. In seinem kreativen Arsenal befinden sich mehrere Dutzend Werke in Privatsammlungen in der Ukraine, Russland, Deutschland, Großbritannien, USA, Kanada, zwei Einzelausstellungen in Kiew und die Teilnahme an vielen anderen Ausstellungen.
Vladimir Mikita (Klasse!)
1931, Unterkarpaten
"Huzulen-Stillleben", 2002
Mischtechnik auf Leinwand
/ Volkskünstler der Ukraine.
Geboren im Dorf Rakoshino, Bezirk Mukatschewo, Region Transkarpatien. Nationalität - Rusyn.
1947, nach der 9. Klasse, bestand er die Prüfung an der Uzhgorod School of Applied Arts und wurde in das 3. Jahr aufgenommen.
Von 1951 bis 1954 war er in den Reihen der sowjetischen Armee auf der Insel Sachalin. Nach der Armee wurde er in die Kunstproduktionswerkstätten des Kunstfonds Transkarpatien rekrutiert, wo er bis zu seiner Pensionierung 2001 arbeitete.
1962 wurde er in den Künstlerverband der Ukraine aufgenommen. Im Jahr 2005 - Preisträger des Nationalpreises der Ukraine, benannt nach I. Taras Schewtschenko.
Er wurde mit dem Orden von Jaroslaw dem Weisen, V. und IV. Grad ausgezeichnet. Seit 2010 - Ehrenbürger von Uzhgorod.
Die Werke des Künstlers befinden sich im Fonds der Kulturministerien der Ukraine und Russlands, in verschiedenen Kunstmuseen, darunter auch im Ausland: Litauen, Slowakei, Deutschland, Ungarn, Serbien, Venezuela und in Privatsammlungen auf der ganzen Welt. (C) /
Anastasia Kalyuzhnaya(gefällt mir auch sehr gut)
1984, Kertsch
"Stillleben" 2006
Öl auf Leinwand
/ Anastasia Kalyuzhnaya absolvierte die Nationale Akademie der Schönen Künste der Ukraine, die Roman Serdyuk Art School. Die reiche Erfahrung der Schule der ukrainischen Malerei diente als Grundlage für die Entwicklung des Künstlers. Jetzt arbeitet sie in Kertsch in einer realistischen Malerei. (C) /
Michail Roskin
1923-1998, Uzhgorod
"Kristallvase mit Blumen", 1990
Pastell auf Papier
/ Geboren in Nikopol, Gebiet Dnepropetrowsk. Erhielt künstlerische und berufliche Ausbildung im nach ihm benannten Atelier der Militärkünstler. M. B. Grekova. Mitglied des Nationalen Künstlerverbandes der Ukraine seit 1978 (c) /
Elena Yablonskaya
1918-2009, Kiew
"Duftender Tabak am Fenster", 1945
Öl auf Karton
/ Schwester der Künstlerin Tatyana Yablonskaya. Die Frau eines herausragenden ukrainischen Künstlers E.V. Volobuev.
1941 absolvierte sie das Kiewer Staatliche Kunstinstitut. 1945 wurde ihr die Medaille „Für tapfere Arbeit im Großen Vaterländischen Krieg 1941-1945“ verliehen.
Mitglied des Künstlerverbandes der UdSSR seit 1944.
Meister der Staffeleimalerei und Buchgrafik. Zwanzig Jahre lang illustrierte Elena Nilovna Bücher. Mehrere Generationen von Kindern sind in ihren Werken aufgewachsen. Gleichzeitig übte die Künstlerin auch eine pädagogische Tätigkeit aus - sie unterrichtete Grafiker und Bildhauer.
1977 wurde ihm der Titel "Geehrter Künstler der Ukraine" verliehen.
Die Werke von E. N. Yablonskaya sind im Nationalen Kunstmuseum der Ukraine, in Museen, Galerien und Privatsammlungen in der Ukraine, Deutschland, England, den USA und in anderen Ländern vertreten.
Oksana Pilipchuk
1977, Kiew
"Stillleben", 2001
Öl auf Leinwand
/ Pilipchuk Oksana Dmitrievna - Künstler-Maler, Mitglied des Nationalen Künstlerverbandes der Ukraine, Dozent an der Kiewer Nationalen Universität für Bauwesen und Architektur (Fakultät für Zeichnung und Malerei).
Werke werden in vielen ukrainischen Museen sowie in Privatsammlungen in der Ukraine, Weißrussland, Russland, Holland, USA, Japan, Slowakei, Tschechien, Polen, Deutschland, Israel, Frankreich aufbewahrt. /
Evgeny Smirnov
1959, Sewastopol
"Stilleben mit grünen Birnen", 2000
Öl auf Leinwand
/ Geboren in Rybinsk, Region Jaroslawl, Russland. 1975 bis 1979 studierte an der Malfakultät der nach ihm benannten Saratov Art School. Bogoljubow. Nach Abschluss seines Studiums zog Evgeny Smirnov nach Sewastopol.
1993 trat er dem Nationalen Künstlerverband der Ukraine bei. Seit 2005 - Verdienter Künstler der Ukraine.
Die Werke des Künstlers befinden sich im Kunstmuseum von Sewastopol. M.P. Kroshitsky und in anderen Museums- und Privatsammlungen in der Ukraine, Russland, Deutschland und anderen Ländern. /
Vera Chursina
1949, Charkow
"Abendstillleben", 2005
Öl auf Leinwand
/ Grafiker, Maler.
Sie wurde im Dorf geboren. Borisovka, Gebiet Belgorod, Russland.
1972 absolvierte sie das Staatliche Pädagogische Institut Orjol - Abteilung für Kunst und Grafik.
1980 verteidigte sie ihr Diplom am Kharkov Art and Industry Institute, spezialisiert auf Staffeleigrafik. Verdienter Künstler der Ukraine, Mitglied des Charkower Zweiges des Nationalen Künstlerverbandes der Ukraine, Dozent an der Staatlichen Akademie für Design und Kunst in Charkow, Professor der Fakultät für Malerei.
Nimmt an internationalen, gesamtukrainischen und regionalen Ausstellungen teil.
Seit 1992 - Mitglied der HO des Nationalen Künstlerverbandes der Ukraine (C) /
Vladimir Kuznetsov
1924-1998, Charkow
"Stilleben", 1992
Öl, Pappe
/ Absolvent des Kharkov Institute of Arts (1954), lehrte dort. Ständiger Teilnehmer an städtischen, regionalen und zonalen Ausstellungen seit 1954. Die Werke des Künstlers befinden sich in vielen regionalen Museen, in privaten Sammlungen in Russland und im Ausland. /
Alexander Gromovoy
1958
"Stillleben", 2011
Öl auf Leinwand
/ Geboren im Dorf Krasnopolye, Gebiet Nikolaev.
1987 absolvierte er die Staatliche Universität Uzhgorod, 1993 die grafische Abteilung des nach K. D. Ushinsky benannten Pädagogischen Instituts von Odessa. Mitglied des Nationalen Künstlerverbandes der Ukraine seit 1995. /
Azat Safin
1961, Charkow
"Stillleben" 2003
Öl auf Leinwand
Anna Feinermann
1922-1991, Kiew
"Stilleben mit Vogelbeere", 1966
Öl auf Karton
/ Geboren im Dorf Uspenskaya, Bezirk Beloglinsky, Region Krasnodar, Russland. 1941 absolvierte sie das nach ihr benannte Kunstgymnasium. T. G. Schewtschenko. Nach ihrem Abschluss an der Fakultät für Journalistik der Ural-Universität im Jahr 1945 trat sie in das Kiewer Kunstinstitut ein, das sie 1951 abschloss.
Während ihres Studiums am Institut arbeitete sie als literarische Mitarbeiterin und Korrektorin im Verlag "Sowjetukraine".
Die Frau des berühmten ukrainischen Künstlers Rapoport Boris Naumovich.
Mitglied des Künstlerverbandes der Ukrainischen SSR seit 1955. Die Werke werden in Museen, Galerien und Privatsammlungen in der Ukraine und im Ausland aufbewahrt. /
Adalbert Marton
1913-2005, Uschgorod
Stillleben, 1969
Papier, Passel
/ Ukrainisch-ungarischer Maler. Meister der transkarpatischen Landschaft und Stillleben.
Geboren in Clairton, USA. 1936 absolvierte er die Kunstgewerbeschule in Gablonzi, Tschechoslowakei.
Ab 1937 lebte und arbeitete er in Uzhgorod. Seit 1957 nimmt er an regionalen, republikanischen, gewerkschaftlichen und internationalen Ausstellungen teil. Die Werke des Künstlers befinden sich in Museen, Galerien und Privatsammlungen in der Ukraine, Russland, Ungarn, USA, Kanada und Japan. 1972 zog der Künstler nach Ungarn, wo er 2005 starb. (C) /
Alexander Scheremet
1950, Kiew
"Stillleben", 2001
Öl auf Leinwand
Konstantin-Vadim Ignatov
1934, Kiew
"Teezeremonie" 1972
Tempera auf Leinwand
/ Geboren in Charkow (Ukraine). Er studierte an der Kunstschule der Stadt Kiew, studierte auch am Staatlichen Kunstinstitut Kiew.
Zu Sowjetzeiten genoss er den Ruf eines herausragenden Illustrators und arbeitete rund 30 Jahre für den Veselka-Verlag, wo er über 100 Bücher illustrierte. Mitglied des Nationalen Künstlerverbandes der Ukraine. /
Lesya Prymych
1968
"Heiliger Abend", 2013
Öl auf Leinwand
/ Geboren in Uzhgorod, Region Transkarpatien.
Absolvent des Staatlichen Instituts für angewandte und dekorative Kunst in Lviv (1992). Maler. Mitglied der National Union of Artists (2006) ./
Andrey Zvezdov
1963-1996, Kiew
Stillleben mit Herbstlaub "1991
Öl, Pappe
Karl Zvirinsky
1923-1997
"Stillleben", 1965
Zoya Orlova
1981, Kiew
Stillleben", 2004
Mischtechnik auf Karton
Oleg Omelchenko
1980
"Stilleben mit Uhr", 2010
Öl auf Leinwand
Nikolay Kristopchuk
1934, Lemberg
"Kosovo-Stillleben", 1983
Öl auf Leinwand
Boris Kolesnik
1927-1992, Charkow
"Stillleben", 1970
Öl auf Karton
/ Im Dorf geboren. Vilshany der Region Charkiw.
1943-1949. studierte 1949-1955 an der Staatlichen Kunstschule Charkow. - am Staatlichen Kunstinstitut Charkow.
1965 trat er dem Künstlerverband der Ukrainischen SSR bei.
Der Autor von Genre-lyrischen Gemälden, die das Leben und die Traditionen des ukrainischen Volkes enthüllen.
Die Werke von B.A. Kolesnik werden im Museum für Russische Kunst in Kiew, in Kunstmuseen in Charkow und anderen Städten der Ukraine und der ehemaligen UdSSR aufbewahrt. /
Konstantin Lomykin
1924-1993, Odessa
"Birnen", 1980
Pappe, Pastell
/ Maler, Grafiker. Volkskünstler der Ukraine.
Wurde in der Stadt Glukhov in der Region Sumy geboren. 1951 absolvierte er die Odessa Art School. Mitglied der Odessa-Organisation des Künstlerverbandes der Ukrainischen SSR seit 1953.
Der Autor von thematischen Gemälden, Werken des täglichen Lebens, Landschaften und Stillleben.
Verdienter Künstler der Ukrainischen SSR.
Die Werke des Künstlers befinden sich in Kunstmuseen in der Ukraine sowie in Privatsammlungen in der Ukraine, Russland, Japan, Frankreich, Griechenland, Deutschland, Italien, Portugal und anderen Ländern. /
Alexander Chmelnizki
1924-1998, Charkow
"Stilleben mit rotem Hut"
Öl auf Leinwand
/ Wurde in Charkow geboren.
Während des Großen Vaterländischen Krieges nahm er an den Feindseligkeiten teil.
Von 1947 bis 1953 studierte er am Staatlichen Kunstinstitut Kharkov, dann lehrte er am Staatlichen Kunstinstitut Kharkov (Kharkov Art and Industry Institute), mit1978 - Professor
1956 wurde er in die Charkower Organisation des Künstlerverbandes der Ukraine aufgenommen, war Vorsitzender der Malereiabteilung.
1974 beteiligte er sich an der Erstellung des Dioramas "Forcing the Dnjepr" in Koautorschaft mit A. Konstantinopolsky, V. Mokrozhitsky, V. Parchevsky für das Museum des Großen Vaterländischen Krieges in Kiew.
Volkskünstler der Ukraine. Seit 1997 war er korrespondierendes Mitglied der Akademie der Künste der Ukraine.
Die Werke des Künstlers befinden sich in Museen, Galerien, Privatsammlungen in der Ukraine und im Ausland. /
Vladimir Boguslawski
1954, Lemberg
"Bronzekanne", 2005
Öl auf Leinwand
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Vielen Dank für Ihre Aufmerksamkeit!
