Самодеятельный художник примитивист. Это гениально. Немногие среди других

Стиль примитивизм в живописи нашел широкое применение. Прежде всего представителями этого направления стали художники-самоучки, которые не имели достаточных профессиональных навыков, но стремились показать себя и свое видение мира. Как и любое другое нововведение, примитивизм вызвал большой Художники, добивавшиеся славы долгие годы после обучения, были недовольны новым направлением живописи, которое не отнимало у творцов половину жизни на шлифование художественных навыков. Однако большинству искусствоведов простые шедевры понравились, и примитивизм все-таки занял свое место в огромном многообразии стилей.

Особенности примитивизма

Примитивизм в живописи характеризуется упрощением образов: художники искажают окружающий мир, отчего картины больше похожи на обычные детские рисунки. Однако изменения сделаны намеренно: сквозь иллюзию простоты и беспечности просматривается глубокий смысл произведения. Как и во всех остальных художественных стилях, в примитивизме важны детали - они несут основную смысловую нагрузку.

Ар-брют

Ар-брют - важная отрасль примитивизма. Синонимом определения является термин "искусство аутсайдеров." Произведения данной отрасли представляют собой мир душевнобольных или фриков, которые когда-то отошли от общества и погрузились в особенную реальность. Важной чертой ар-брюта считается полное отсутствие четких границ между фантазиями художника и реальной жизнью. Обилие мелких деталей наталкивает на мысль о бездумности жизни и напрасной спешке современного мира - это один из самых распространенных авторских посылов ар-брюта.

Мнение о том, что за наивностью образов не скрывается никакая идея, ошибочно. Примитивизм в насыщают не антуражем, но внутренним состоянием души. Его можно заметить только после внимательного рассмотрения и разбора изображенных деталей - беглый просмотр здесь неуместен.

Как научиться правильно определять примитивизм в живописи

Примитивизм не существует без наивности и спонтанного вдохновения автора. Человек, который впервые встречается с подобными сюжетами, испытывает чувство, схожее с ностальгией. Детское видение мира заключается в ломаности пропорций, ярких и насыщенных цветах, глубоком моральном подтексте. Человек в примитивизме больше похож на куклу, чем на реального персонажа - это добавляет ему загадочности.

Умение обращать внимание на детали и правильно их интерпретировать - настоящий талант. При определении художественного стиля он не будет лишним. Научиться понимать художника можно самостоятельно. Для этого стоит запомнить несколько важных критериев, замечая которые отличить произведения примитивизма от сюрреализма будет легко.

Во-первых, чистые цвета. Изобилие тонов и полутонов, светотень, глубина пространства - это не примитивизм. В наив-арте используются чистые краски пастельных или, напротив, чересчур ярких оттенков. Во-вторых, ломаные пропорции. Если картина напоминает стилизованные иллюстрации к фантастической книге, значит, это примитивизм. В-третьих, смешение реальности с фантазийными представлениями - примитивизм в живописи соединяет спокойный пейзаж и слишком броские цвета, человека и невероятных существ.

Яркие представители стиля примитивизм

Не только абстракционистами и сюрреалистами полна современная живопись. Примитивизм открыл дорогу многим талантливым творцам, работы которых ранее не признавались. Среди них Бабушка Мозес, Анри Руссо, Нико Пиросмани, Мария Примаченко, Алена Азерная и многие другие. Картины самых известных художников-примитивистов хранятся в Музее наивного искусства в Ницце.

Мир детства

Примитивизм в живописи занимает особое место. В первую очередь это объясняется уникальной способностью художников погружать человека в мир беззаботности, наивности и душевной чистоты. Несмотря на отсутствие у многих примитивистов художественного образования, картины наполнены тем, чего так не хватает большинству других направлений: настроением. Любители искусства понимают и ценят это, именно поэтому работы в жанре примитивизма пользуются такой популярностью.

Примитивизм — стиль живописи, зародившийся в XIX веке, вмещавший в себя обдуманное упрощение картины, делая её формы примитивными, как творчество первобытного времени.

примитивизм: примитивизм живопись примитивизм в искусстве примитивизм картины анархо примитивизм стиль примитивизм русский примитивизм примитивизм художники черты первобытного примитивизма примитивизм википедия в картинах примитивизм в россии картины картины в стиле примитивизм примитивизм в литературе и на картинах примитивизм в философии и отражение в картинах

Живопись, как дело индивидуальное, осуществляемое целиком самим автором, раньше всех воспользовалась этим состоянием, порывая с рутиной, решительнее и дальше других, уходя от принятых эстетических стереотипов.

Направление этого движения - переход от натурализма к условности, от изысканности к опрощению, от модернистской изощренности к примитивизму - было тем же, что и в европейском искусстве. Анализ показывает, что первоистоки этой тенденции обнаруживаются за пределами российской художественной традиции.

Однако в повороте к примитивизму уже изначально более или менее различаются две противоположные тенденции. Первая имплицитно несет идею опрощения (в руссоистском смысле) и соответствует понятию «примитив». Вторая, неотличимая на раннем этапе, также выражает себя в обобщенных, условных формах, однако целью ее является лаконичная форма как таковая, универсализация формы, ее упрощение. В первом значении примитивизм нашего авангарда имеет основания в русской ментальности, в специфике ее крестьянского уклада, в мифологизации собственного народа, в толстовских проповедях опрощения.

Несходство как с немецким, так и с французским вариантами очевидно. Там это начинается с обращения к океанийскому и африканскому «примитивному» искусству. Здесь - с обращения к различным формам русской традиционной художественной культуры: к городскому фольклору, обрядам, национальной одежде, архитектуре, лубку, народной игрушке и т.п. Эти элементы по-разному используются такими художниками, как Билибин, Нестеров, Григорьев, Кустодиев, Малявин, Архипов, Петров-Водкин, Кузнецов, Ларионов, Гончарова, Удальцова и др. Образы крестьян у Гончаровой и Малевича имеют общую исходную точку. В работах К. Малевича, представленных на выставке «Бубнового валета» в 1910, ощутимо влияние того своеобразного примитивизма фовистской окраски, который характерен для творчества Н. Гончаровой 1900-х. Некоторые работы (например, Идущий, 1910) позволяют говорить о влиянии Гончаровой на Малевича в этот ранний период. Однако дальнейшая судьба направлений, в русле которых развивается творчество этих художников, позволяет видеть, что сходство их ранних работ обманчиво. Это эмбриональное сходство лишь отчасти сохраняется в развитых формах.

примитивизм:
примитивизм живопись
примитивизм в искусстве
примитивизм картины
анархо примитивизм
стиль примитивизм
русский примитивизм
примитивизм художники
черты первобытного примитивизма
примитивизм википедия в картинах
примитивизм в россии картины
картины в стиле примитивизм
примитивизм в литературе и на картинах
примитивизм в философии и отражение в картинах

C термином «примитивизм» в живописи не все так просто. Во-первых, искусствоведы не всегда сходятся во мнениях, говоря о расшифровке его значения. Помимо этого, все отягощается наличием синонимов, которыми его могут обозначать. Или не синонимов вовсе - смотря какой из точек зрения придерживаться.

Нико Пиросмани (Пиросманашвили). Лев и солнце

Разберемся по понятиям

В конце 19 - начале 20 веков некоторые прогрессивные европейские художники начинают сходить с ума по выразительности и лаконичности артефактов первобытных культур. Незамысловатая и грубая наивность африканских ритуальных масок и фигурок из дерева кажется им простым и очевидным ответом на поиски способов преодоления заскорузлости и застоя в академической живописи. К тому моменту импрессионизм уже утратил былую свежесть и скандальность, поэтому не мог претендовать на роль сотрясателя устоев.

К произведениям первобытных культур - предкам современных примитивистских шедевров - относятся как доисторическая наскальная живопись или каменные истуканы, так и культурные традиции современных племенных народов, заселяющих Африку, Океанию и им подобных. Африканские маски, похожие на эти, стали решающим фактором в возникновении многих авангардных течений в начале 19-го века.

Источник фото: newpackfon.ru

В одной из систем координат считается, что именно творчество профессиональных художников, обладающих академическим художественным образованием и всеми необходимыми навыками, но сознательно идущих на упрощение стилистических и технических приемов для подражания первобытному искусству, относится к примитивизму. Наследие же художников-самоучек, пишущих картины неумело, по-детски, в этом случае относят к наив-арту.

В другой искусствоведческой вселенной примитивизм и наивное искусство - полные синонимы и взаимозаменяемые понятия. С этой точки зрения термин «наивное искусство» - в своем роде эвфемизм, понадобившийся для большей благозвучности, в отличие от понятия «примитивизм», который во многих языках имеет несколько уничижительную коннотацию.

Мы примем за аксиому вторую версию и будем иметь в виду, что примитивизм, равно как и наивное искусство - стили, к которым относятся работы непрофессиональных художников, величина таланта которых перекрывает отсутствие некоторых скиллов вроде умения правильно выстроить перспективу или передать светотень.

Для наследия искушенных мастеров, со знанием дела подходящих к стилизации того или иного вида примитивного искусства (древней иконописи, этнических мотивов или лубка, например), мы применим термин «неопримитивизм». Именно так поступали в начале прошлого века члены русских художественных объединений «Бубновый валет» и «Ослиный хвост».

Казимир Северинович Малевич. Дети
1908, 30.2×23.8 см

Наталья Сергеевна Гончарова. Беление льна. Из «Крестьянской серии»

Такие авангардисты как Казимир Малевич, Михаил Ларионов и Наталья Гончарова черпали вдохновение в народном творчестве, которое также относят к примитивному искусству. А термин неопримитивизм вообще впервые был употреблен в памфлете Александра Шевченко, выпущенном художником в 1913 году: «Нео-примитивизм. Его теория. Его возможности. Его достижения».

Если в Западной Европе художники лишь частично использовали приемы наив-арта в своих работах, разрабатывая на их основе такие направления как фовизм, кубизм или экспрессионизм, то в России неопримитивизм стал значительным течением, из которого в конечном счете вырос и оформился супрематизм. Поэтому иногда западные искусствоведы применяют термин неопримитивизм именно в отношении российских приверженцев идеалов наивного искусства, усердно пропагандировавших и применявших их на практике.

Михаил Федорович Ларионов. Венера и Михаил
1912, 85.5×68 см

По замечанию Александр Бенуа, «Особенность неопримитивизма заключалась в том, что его представители стремились не к стилизации, не к подражанию народному мастеру, а к выражению существенных сторон народной эстетики. Здесь наиболее показательным примером оказывается творчество Ларионова, который - в соответствии с народной эстетикой - уравнивает важное и неважное, высокое и низменное, доходя в этом до крайности - культивируя принципы заборного рисунка и „казарменной живописи“» .

Назад к истокам

Путь через тернии к звездам примитивистам расчистили такие признанные творцы как Гоген, Пикассо и Матисс. После того, как в стремлении получить исцеление от тяжелого недуга, к которому Гоген причислял блага цивилизации, художник отправился на Таити и там всячески сливался с природой, попутно обогащая свой стиль яркими красками экзотического острова и наивными образами местной культуры, вслед за ним потянулись и другие.

Поль Гоген. Таитянские пасторали
1898, 87.5×113.7 см

Немецкие экспрессионисты Эмиль Нольде и Макс Пехштейн тоже пытали счастья на просторах Океании, а вот их соратники Эрнст Людвиг Кирхнер и Эрих Хеккель реконструировали первобытные декорации прямо у себя в мастерских. Французским художникам за вдохновением не приходилось ездить далеко, необязательно было даже покидать пределы Парижа. Из колоний Франции на Западе Африки торговцы привозили в столицу всевозможные этнические поделки, которые потом расселялись и по музеям, и мелким лавочкам.

Уилл Гомперц в книге «Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси» рассказывает, как художник Морис де Вламинк нечаянно становится катализатором вспышки интереса к примитивному искусству и как следствие - возникновения такого направления как фовизм. В 1905 году он увидел в одном из парижских кафе три резные африканские маски. Под влиянием экспрессии «инстинктивного искусства», как он его называл, Вламинк выкупил маски у владельца заведения и поспешил показать добычу своим друзьям-художникам.

Анри Матисс. Женщина в шляпе
1905, 24×31 см

Морис де Вламинк. Ресторан

Андре Дерен. Порт Кольюр
1905, 72×91 см

Анри Матисс и Андре Дерен разделяли увлечение Вламинка экпрессивной палитрой Ван Гога и экзотическими исканиями Гогена. Его расчет оправдался: приятели расценили приобретенные артефакты как проявление свободы мышления, не засоренного материалистскими идеалами цивилизации, но сохранившего детскую непосредственность и наивность. Итогом встречи трех художников стал вывод, что цвет и эмоции на холсте имеют доминирующее значение, в отличие от реалистичности и достоверности изображения.

В результате на свет появились картины, где они попытались максимально воплотить в жизнь свои новые художественные принципы. Расцвеченные безумными для того времени сочетаниями чистых, несмешанных цветов, нанесенных резкими раздельными мазками, полотна были настолько вызывающими, что организаторы Салона 1905 года поначалу отказывались принимать работы для показа. Лишь благодаря личному авторитету Матисса все-таки удалось продавить участие экспериментов троицы в Салоне.

Потом будут бурные и полные возмущения отзывы искусствоведов, один из которых, как это часто бывает (см. импрессионизм) подарит название новому авангардному течению - фовизму: маститый критик Луи Восель скажет, что брызжущие цветом картины нарисовали дикие звери - «les fauves» по-французски. Но это уже немного другая история.

Как Пикассо отрыл Руссо

Живопись молодого многообещающего испанца также проделала выдающийся кульбит под непосредственным влиянием примитивного искусства и его исповедников. Когда Пикассо увидел последний писк авторства Матисса - кричащие, ни на что не похожие холсты, свободные от каких бы то ни было академических предрассудков, он потерял покой и сон. Недолго думая, Пикассо отправляется в этнографический музей, где хранилось обширное собрание африканских масок. Там он в некотором роде прошел через обряд инициации. Кто знает, может быть, в этих ритуальных предметах действительно заключалась магическая сила?

«Я был совсем один , - вспоминал художник. - Хотелось бежать оттуда. Но я остался. Просто не мог уйти. Я понял нечто очень важное; что-то происходило со мной. Я смотрел на эти фетиши, и мне вдруг стало ясно, что я тоже против всех. Я тоже ощущаю, что вокруг неведомое и враждебное. Когда я стоял один в том ужасном музее в окружении масок, индейских кукол, пыльных манекенов, мне, должно быть, и явились «Авиньонские девицы»; не то чтобы их подсказали увиденные формы: та картина стала моим первым опытом экзорцизма - да, именно так! "

Пабло Пикассо. Авиньонские девицы, 1907

Таким образом, несколько племенных артефактов заставили Пикассо написать картину, ставшую прародительницей кубизма, и, как его следствие, футуризма и еще доброй дюжины разных -измов. Но на этом их магическое вмешательство в тогдашнюю художественную жизнь французской столицы не ограничилась. Поддавшись очарованию первобытного искусства, Пикассо не смог пропустить феномен восходящей звезды наив-арта, и весомо приложил руку к тому, чтобы Париж всерьез отнесся к непрофессиональным творениям скромного работника таможни Анри Руссо.

Не имея художественного образования, Таможенник (как его прозвала парижская богема), тем не менее, имел серьезные амбиции в отношении живописи. Детская непосредственность сыграла на руку Руссо - иначе он вряд ли бы осмелился представить свои неловкие эксперименты на суд взыскательной публики Салона независимых 1986 года, где могли принимать участие все желающие художники.

Чуда не произошло, критики всячески изощрялись в насмешках над начинающим творцом сорока лет от роду, не имеющим понятия о линейной перспективе или принципах композиционного построения. Из стройного хора издевательств выбивался голос мэтра Камиля Писсаро, который отметил богатство тонов картины Руссо.

Анри Руссо. Карнавальный вечер
1886

Провал на Салоне независимых не смог сломить целеустремленного Таможенника. Напротив, он оставляет свою работу, чтобы все время посвятить карьере художника. Безгранично верил в него и главный его поклонник - Пикассо. Однажды он встретил в захолустной лавке картину Руссо, которая продавалась там по стоимости использованного холста - даже старьевщик не смел просить за нее большую цену. Испанец тут же купил ее и впоследствии хранил до конца своих дней, отвечая, что она его «захватила как наваждение … это один из наиболее правдивых психологических портретов во французской живописи» .

Анри Руссо. Портрет Ядвиги

Более того, он закатил званый ужин в честь странноватого портрета, куда позвал весь парижский бомонд и самого виновника торжества - первую суперзвезду наивного искусства. Картину Таможенника Пикассо повесил на самом видном месте в собственной мастерской, а ее автора усадил на кресло, больше смахивающее на трон. Это был настоящий триумф художника-любителя, хотя часть публики наверняка воспринимала происходящее как особо изощренную насмешку или розыгрыш.

Но только не Пикассо. Ему приписывают высказывание, что четыре года он учился писать, как Рафаэль, но целая жизнь ушла у него на то, чтобы научиться рисовать, как ребенок. Поэтому он восхищался даром Руссо, который позволил тому благополучно пропустить эти стадии и сразу приступить к созданию примитивистских шедевров.

Анри Руссо. Тигр в тропическую бурю

Из чего же сделаны картины примитивистов?

Какие признаки определяют, что перед вами - произведение наивного искусства, а не, скажем, работа экспрессиониста, абстракциониста или представителя какого-нибудь другого авангардного течения? К слову, прославившийся на поприще абстрактного экспрессионизма Марк Ротко искал вдохновение и секрет живописного мастерства в детском рисунке и даже посвятил этому целую книгу - еще до того, как начал самоотверженно возделывать живопись цветового поля.

Нико Пиросмани (Пиросманашвили). Медведица со своими медвежатами
1917, 140×100 см

Образцам примитивизма действительно свойственны характерные ошибки, которые допускают при рисовании дети. Но не обязательно наличие на одной картине всех нижеперечисленных. Кое-что художникам-самоучкам все же было под силу.

1. Отсутствие линейной перспективы: предметы на переднем плане равновелики объектам на заднем плане, из-за чего становится непонятным их соотношение в пространстве, а изображение теряет объем.

2. Детали фона прорабатываются с такой же тщательностью, как и предметы вблизи. Последствия такие же, как в предыдущем пункте.

Бабушка (Анна Мэри) Мозес. Застолье

3. Цвета не теряют яркости и насыщенности пропорционально удалению объектов от переднего края полотна. Изображение становится плоским и напоминает открытку.

4. Отсутствуют признаки каких бы то ни было источников освещения: даже при наличии на картине солнца все поверхности равномерно освещены, люди и предметы не отбрасывают теней, да и световых бликов тоже не сыщешь.

Камиль Бомбуа. Удивлённые купальщицы
1930, 65×81.5 см

5. Нарушение анатомии: пропорции человеческого тела, ошибки в изображении животных. А как же Пикассо, Сальвадор Дали, Фрэнсис Бэкон, и многие другие, по работам которых не скажешь, что они сколько-нибудь знакомы со строением человеческого тела? Они тоже примитивисты? - Нет. Глядя на картину представителя наив-арта, вы увидите, что человек старался, как мог, и именно благодаря этим усилиям их наивные попытки дотянуться до «больших» художников выглядят такими трогательными и обладают неотразимым обаянием. А вышеперечисленные деятели таких целей не преследовали, и в их списке точно не было пункта «всем понравиться».

6. Подобно детям, примитивисты не делают различий между реальностью и фантазией. На их картинах могут благополучно сосуществовать люди и единороги, причем в рамках не сюрреалистичной фантазии, а в качестве обыденности. Львы на таких полотнах не являются угрозой для человека, а олень может походить на сказочное существо.

Иван Генералич. Единорог

7. И, наконец, принципиальное различие, дающее ответ на закономерно возникающий вопрос, чем же все-таки отличаются беспредметные полотна модернистов в стиле «мой-5-летний-кто-угодно-может-лучше» от творений примитивистов. Непрофессиональные художники изображают предметы той степени реалистичности, которая им доступна в силу ограниченных знаний, навыков и умений. А представители авангардного искусства изо всех сил стараются забыть, чему их обучали в художественных школах или притворяются, что вовсе их не посещали. Но стройность и продуманность композиции, зашкаливающий символизм или предательски просвечивающий сквозь притворно-наивное и нарочито неумелое изображение культурный бэкграунд все равно выдаст профессионала. Да-да, можете разлогиниться, мы все равно вас узнали, товарищ Шагал и господин Клее.

Марк Захарович Шагал. Старик в очках
1950-е

Пауль Клее. Кукольный театр
1923

Примитивизм: шпаргалка. Художники, работавшие в стиле примитивизма

Анри Руссо, Нико Пиросманишвили, Иван Генералич, Бабушка Мозес, Мария Примаченко, Камиль Бомбуа, Никифор Крыницкий, Екатерина Билокур, Полина Райко, Серафина Луи, Олесь Семерня.

Знаковые картины примитивистов

Нико Пиросмани (Пиросманашвили). Актриса Маргарита
1909, 94×117 см

История картины Пиросмани стала легендой. Именно ее увековечил в стихах Андрей Вознесенский, которые положил на музыку Раймонд Паулс, создав песню «Миллион алых роз». Речь в ней идет о попытках бедного художника завоевать сердце неприступной французской актрисы Маргариты де Севр, выступавшей в Тифлисе в 1905 году, где и потерял от нее голову Пиросмани. По некоторым версиям, среди «моря цветов», которые прислал к гостинице своей зазнобы отчаянный Нико, были не только розы, и не только алые, но также маки, пионы, лилии, сирень, акация и другие цветочные дары земли грузинской. Все, что заслужил художник за свой поступок - лишь один поцелуй Маргариты. Но много лет спустя, растерявшая и толпы поклонников, и былую привлекательность актриса ежедневно приходила в Лувр, где в 1969 году экспонировалась картина Пиросмани, и часами вглядывалась в свой портрет. Так искусство пережило недолговечную любовь и скоропреходящую красоту.

Мария Авксентьевна Примаченко. Рыбный царь поймал удода и рад
XX век

Безграничная фантазия, смелые цветовые решения, обезоруживающий народный колорит - лишь немногие составляющие секрета непритязательного на первый взгляд искусства художницы из украинской глубинки. Лишь однажды увидев картины Марии Примаченко, вряд ли удастся перепутать их с произведениям другого автора, настолько они оригинальны и самобытны. Их по достоинству оценили и за пределами отечества: работы Марии имели громкий успех на выставках в Париже, Варшаве, Праге и других европейских городах.

Анри Руссо. Сон
1910, 298×204 см

«Сон» считается одной из лучших картин Руссо. Автор давал такой комментарий своей поздней (а, возможно, и последней) работе: «Ядвиге снится волшебный сон. Она спокойно уснула под звуки флейты неизвестного соблазнителя. Когда месяц отбрасывает свет на цветы и зеленые деревья, звери, и даже хищники, замирают, прислушиваясь к чудесным звукам музыки» . Полотно впечатляет технической сложностью, а богатство палитры, которую отмечал Писсарро еще на первой картине Руссо, здесь достигает апогея: шутка ли, больше двух десятков оттенков одного только зеленого! Гипнотизирующему воздействию «Сна» были не в силах противостоять даже самые язвительные критики, а соотечественник и современник Руссо, литератор Андре Бретон заявил, что картина «впитала в себя всю поэзию и все тайны нашего времени» .

Вы эксперт, если:

Не постесняетесь произнести слово «примитивизм», говоря о средневековых шедеврах Рогира ван дер Вейдена или Дуччо ди Буонинсеньи.

Можете с ходу определить, где - целомудренная красавица кисти настоящего примитивиста Пиросмани, а где - подделка «под наив» Михаила Ларионова.

Нико Пиросмани (Пиросманашвили). Ортачальская красавица. Правая часть диптиха

Михаил Федорович Ларионов. Еврейская Венера
1912, 147 см

Вы профан, если:

Принимаете за чистую монету нарочитое упрощение, необходимое для создания иллюстраций и карикатур, считая их образчиками незамутненного примитивизма.

Считаете, что к примитивизму относится любое произведение искусства, которое так и тянет назвать каляками-маляками. На самом деле примитивизм (осознанный, предумышленный в том числе) - не только неумелая форма, но и особый взгляд на суть вещей: чистый, непосредственный, детский или даже первобытный. За картинами Малевича, Кандинского, Мондриана стоят большие, взрослые теории.

2 августа 2016, 09:38

В этом, предыдущих и последующих постах я использую материал из книги Уилла Гомперца "Непонятное искусство", цикла лекций в музее Гараж Ирины Кулик, лекций Дмитрия Гутова, книги Сьюзи Ходж "Современное искусство в деталях", документальных фильмов BBC, и др.

ПРИМИТИВИЗМ, ФОВИЗМ

В предыдущем посте я рассказывала о кубизме Пикассо и Брака. Одним из источников вдохновения Пикассо стала выставка африканского искусства. Простота и в то же время, первобытная мощь и величественность деревянных масок поразила художника. И не только его.

Собственно, стремление к этой простоте проходит красной нитью через всю историю современного искусства. С одной стороны, художники пытались копировать стиль работы примитивных племен Африки, Австралии и Южной Америки, а с другой - детские рисунки.

Вообще, радостное ожидание перемен, связанное с бурным развитием промышленности во Франции, довольно быстро сменилось усталостью от темпов, которые приобрела жизнь.

Уже в конце 19 века широко распространилось движение "возврата к истокам".

В живописи, как я уже писала ранее, это был Гоген, с его "таитянской" тематикой, плоскостным изображением и насыщенной символикой.

Поль Гоген, Старые времена, 1892

Движение, ратовавшее за упрощение искусства, принимало различные формы. Например, работы знаменитого австрийского живописца и основного участника общества Венский сецессион, Гюстава Климта (1862-1918), гораздо более изысканны и декоративны, чем у того же Гогена. Климт любил орнамент, бронзовые и золотые цвета, богато украшенные одежды. При той же простоте линии и двухмерности изображения, примитивизм Климта роскошен.

Густав Климт, Ожидания, 1909

Густав Климт, Яблоня, 1912

Густав Климт, Девушка с веером, 1918

Однако, те, кого считают основоположниками примитивизма 20 века, жили во Франции. Морис де Вламинк (1876-1958), Анри Матисс () и Анри Дерен (1880-1954) тоже восхищались африканским искусством.Помимо этого, они разделяли и страсть к насыщенным цветам, как в произведениях Ван Гога. С голландцем их также связывало убеждение, что эмоции в картине важнее изображаемого объекта.

Результатом совмещения простоты племенного искусства и насыщенных, чистых цветов, они создали невероятно яркие и жизнерадостные работы. В них цвет - как способ передать эмоцию, а не описать реальный объект.

Морис де Вламинк, Фруктовый сад, 1905

Морис де Вламинк, Мост в Шату, 1907

Андре Дёрен, Эстак, 1905

Андре Дёрен, Мост Чаринг-Кросс, 1906

Анри Матисс, Красный лук, 1906

Анри Матисс, Гармония в красном, 1908

" Я переводил на язык цвета то, что видел инстинктивно без всякого метода, чтобы сказать правду не как художник, а как человек. Выжимая до конца, ломая тюбики аквамарина и киновари" - так Морис де Вламинк описывает свои работы того периода. Действительно, именно цвет станет вскоре визитной карточкой этой троицы художников. Они решили выставиться на Салоне 1905 года. Как водится, критика лютовала. Луи Воссель (влиятельный критик того времени) язвительно заметил, что картины писали "дикие звери" (les fauves фр.)

И хотя ни Матисс, ни Вламинк, ни Дёрен, не собирались связывать себя рамками какого-то направления, словечко им приглянулось.

Фовизм был в прямом и переносном смысле яркой вспышкой на небосклоне искусства. По сути, эта идея использовать большие пятна неразбавленного цвета в обрамлении простой формы получила свое логическое продолжение в работах многих художников 20 века.

Фриденсрайх Хундертвассер, Путь к тебе, 1966

Рой Лихтенштейн, Натюрморт с хрустальной вазой, 1973

Вилем де Кунинг, Без названия 5, 1983

Однако, в 1905 году публика еще не оправилась от неоимпрессинистов, а тут подоспел Матисс со своей знаменитой "Женщиной в шляпе".

Анри Матисс, Женщина в шляпе, 1905

Уж не знаю, была ли в тот момент рада мадам Матисс, что вышла замуж за художника, ибо портрет получился спорным. Желто-зеленое лицо, сведенное до нескольких простых мазков и оранжеватые штрихи волос не каждому придутся по вкусу. Однако, она пришлась по вкусу Лео Стайну - коллекционеру и покровителю современных художников. Он купил "Женщину в шляпе", а меньше чем через год приобрел "Радость жизни" - еще одно знаменитое полотно фовистского периода Матисса.

Анри Матисс, "Радость жизни", 1906

Вдохновленный пасторальными сценами, Матисс написал группы людей, предающихся различным наслаждениям: музыке, танцу, любви. И снова основной герой - цвет. Фигуры же людей написаны небрежно и двухмерно, хотя сама композиция выстроена аккуратно и гармонично.

Сам сюжет не настолько нов, как манера письма.

Агостино Караччи, Взаимная любовь, 1602

Контраст этих двух работ выявляет то, насколько изменилось восприятие художника. Создается впечатление, что Матисс балуется, заигрывает со зрителем. Его радость жизни не столько в сюжете, сколько в самой живописи: линии, цвете.

Матисс, по его собственному признанию, мечтал, чтобы искусство было вроде "хорошего кресла для отдыха". Даже когда фовизм остался в прошлом, художник продолжал работать по такому же принципу. Кстати, музой, подругой и спутницей для него стала девушка из Томска - Лидия Деликторская, которая оставалась с ним до конца его жизни, а потом подарила несколько полотен (оставленных ей Матиссом на безбедную старость) Пушкинскому музею и Эрмитажу.

Немного уйду в сторону: недавно, прочитанная мною критика искусства начала 20 века, заставила взглянуть немного по-другому и на полотна Матисса. Кроме прорывов в технических областях, это время было одновременно застоем в социальных отношениях. Привычные формы жизни порядком затерлись. Образ сытого буржуа во фраке, являвшимся основным заказчиком, осточертел художнику.

Желание ломать стало основной движущей силой. Кубисты, конечно, наглядней всего воплотили этот принцип, в буквальном смысле раскрошивший привычный облик вещей.

Но и другие художники, как мембрана улавливающие происходящее, отражали свое недовольство в живописи. Они меняли все, что было привычным обывателю, разрушали мещанский мирок у себя на холсте. Вольно или невольно, художник выражал протест против изживающих себя условностей. Может и контрасты фовистов - это не утверждение радости бытия, а такой же вызов реальности?

Отсюда и зеленые лица женщин, небрежный/ условный рисунок. С этой очки зрения полотно Матисса "Радость жизни" - скорее ирония или сатира над гедонизмом европейских буржуа, все удовольствие от жизни которых сводится к плотской любви, песням и пляскам. Такой конфетный мирок с фигурами, напоминающими ярмарочные леденцы. Но эта точка зрения не особо популярна. Всё же чаще творчество Матисса трактуют как выражение радости и яркости бытия.

Искусство как отрада для глаз и сердца - принцип, который был близок не только Матиссу. И если ему приходилось делать усилие для того, чтобы рисовать по детски легко, то Анри Руссо (1844-1910) делал это, потому что просто не умел по-другому.

Анри Руссо, Автопортрет, 1890

Анри Руссо - сотрудник таможни, малограмотный человек, решивший заняться живописью в 40 лет без получения какого-либо образования и профподготовки. Домосед, не любитель богемных тусовок и далекий от арт сообщества, он стал одним из самых знаменитых художников стиля примитивизм. Руссо был простодушен и наивен, возможно, поэтому в его работах есть незамысловатость детских рисунков. Конечно, публика и критика сначала подняла художника на смех.

Анри Руссо, Карнавальная ночь, 1886

Обаяние простоты и детскости показалось тогдашнему зрителю банальным неумением рисовать, не более. Однако, отсутствие техники у Руссо с лихвой компенсируется четкостью, характерной, опять же для японской гравюры. Начинающего художника здорово выручала абсолютная невосприимчивость к критике, позволившая ему продолжать заниматься любимым делом.

Анри Руссо

Понятно, что его произведения нельзя сравнить по исполнению с мастерами прошлого или талантливыми современниками. Руссо брал другим. Его незамысловатые сюжеты завораживали многих из артистического мира того времени. Среди поклонников был, например, Пикассо, которому принадлежит знаменитая фраза: " Я могу рисовать как Рафаэль, но мне понадобиться вся жизнь, чтобы научиться рисовать как ребенок". Руссо был тем, кто этого добился. Пикассо даже приобрел его картину "Портрет женщины", которая, по признанию испанца, просто заворожила его.

Анри Руссо, Портрет женщины, 1895

Работы Руссо, если так можно выразиться, одной ногой уже в сюрреализме. Они действительно завораживают не столько своей безыскусностью, сколько подтекстом, двусмысленностью, аллегоричностью. Это как те моменты в фильмах ужасов, когда качели на пустой детской площадке немного раскачиваются, вроде бы как от ветра.. Или нет? Руссо оставляет этот вопрос зрителю.

Манера Руссо восхищала не только Пабло Пикассо. Среди его поклонников был также румынский скульптор Константин Бранкузи (Брынкуши).Правда, в отличие от Руссо, художественная тусовка Парижа приняла его на ура. Бранкузи выбрал себе амплуа простолюдина-художника: окладистая борода, сабо и льняная рубаха. Материалы, с которыми работал скульптор были подстать - дерево и камень. Мрамор не особо впечатлял мастера.

Бранкузи какое-то время был учеником в мастерской Родена, но их подходы к работе оказались совершенно различны.

Огюст Роден, Поцелуй, 1886

Константин Бранкузи, Поцелуй, 1912

Изображения красноречивее любых объяснений. Бранкузи считал, что в скульптуре можно обходится без предварительной моделировки, работая сразу с материалом. Он старался максимально сохранить первоначальную форму породы, оставляя ее текстуру. Никаких романтических изгибов, простые линии, отсутствие декоративных элементов.. Скульптуры Бранкузи нравятся именно своей простотой и оригинальностью исполнения. В начале 20 века это был очередной вызов традиции.

За ним последовали и другие скульпторы примитивисты: Модильяни (да он пробовал себя и в скульптуре, причем вполне успешно), Джакометти, Хепворт..

Амадео Модильяни, Голова, 1910

Джакометти, Шагающий человек 1, 1960

Барбара Хепворт, Одиночная форма, 1964

В России - это скульптор Вадим Сидур. На мой взгляд, очень здорово.

Вадим Сидур

Вадим Сидур

В России, кстати, одними из первых примитивистов в живописи были Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, работавшие в технике "лубок". Это вид графики, отличающееся простотой и плоским рисунком. Гончарова вдохновлялась русскими иконами. В своих работах она использовала характерных элемент иконописи - движки - вертикальные белые линии.

Михаил Ларионов, Еврейская Венера, 1912

Наталья Гончарова, Косари, 1911

Как мы видим, простота, упорядоченность и структура стали основополагающими понятиями и целями художников, начиная с постимпрессионистов. Однако, эти, казалось бы, безобидные стремления имели в себе и разрушительный потенциал. Ведь всякое желание уместить мир в структуру имеет обратную сторону - создание жесткой системы. А как показала практика, попытки подчинить все живое субъективной жесткой логике ведет к гибели и разрушениям. Дальнейшие события 20 века - яркое тому подтверждение.

Продолжение следует)

И постскриптум.

Чудесная американка - Бабуля Мозес - художница-любительница, представитель примитивизма второй половины 20 века, просто покорила мое сердце. Она даже чем-то напомнила мне голландцев с их уютными бытовыми сценами сельской жизни. Вот, например:

Бабуля Мозес, Ранняя весна на ферме, 1945

Питер Брейгель старший, Перепись, 1566

P.S спасибо всем, кто читает и кому интересно. Этот пост выкладываю поздно - уезжала - пришлось сделать перерыв)

от primitivus /лат./ - первый, самый ранний (начиная с 1890-х годов)

Обращение к предметам культуры экзотических цивилизаций, преимущественно Африки и Океании, - одна из наиболее плодотворных стратегий искусства авангарда. По времени это совпадает с максимальным распространением колониализма, развитием этнографии, как науки, а также формированием специфических коллекций. Понятия "примитивный" или "дикий", пользуясь которыми Гоген создал новый образ художника, соединили все идеи и фантазии на тему мифа о сотворении мира. Очарование примитива оттеснило увлечение экзотикой, которое началось с ориентализма Делакруа и продолжалось в японизме импрессионистов, набидов и последователей Гогена. "У Ван Гога были японские гравюры, у нас - Африка", - писал Пикассо. Художники путешествовали, а много чаще - посещали этнографические музеи: Трокадеро в Париже, Фолькеркунде музеум в Дрездене и Британский музей в Лондоне. Маски и статуи, вместо стилевых эталонов западной культуры, стали образцовыми моделями для примитивизма. Они находились за пределами привычной традиции и подсказывали художникам почти готовые решения упрощенной, абстрагированной формы. Фундаментально важные для Пикассо и для появления кубизма, подобные предметы помогали экспрессионистам дистанцироваться от мира цивилизации. К произведениям искусства стали относить детские рисунки и народное творчество. В альманахе "Синий всадник" их назвали новой изобразительной традицией, которая приведет к исчезновению границ между высокой и низкой культурой. В следующем десятилетии style negre (негритянский стиль) станет феноменом, оказывающим влияние на моду, музыку, театр и дизайн.

Художники: Константин Бранкузи (Constantin Brancusi) , Андре Дерен (Andre Derain) , Макс Эрнст (Max Ernst) , Поль Гоген (Eugene Henri Paul Gauguin) , Альберто Джакометти (Alberto Giacometti) , Эрнст Кирхнер (Ernst Ludwig Kirchner) , Анри Матисс (Henri Matisse) , Амедео Модильяни (Amedeo Clemente Modigliani) , Макс Пехштейн (Max Pechstein) , Пабло Пикассо (Pablo Picasso) .

Выставки: 1923, Париж, Музей декоративного искусства "Выставка туземного искусства колоний Африки и Океании"; 1984, Нью-Йорк, Музей современного искусства (МоМА) "Примитивизм в искусстве XX столетия".

Тексты: Г.Аполлинер "Искусство и любознательность: первые шаги кубизма", 1912; Альманах "Синий всадник", 1912; Р.Фрай "Негритянская скульптура", 1920; П.Гийом "Негритянский скульптурный примитив", 1925.

Описание некоторых произведений:

Пабло Пикассо "Авиньонские девицы", 1907. Холст, масло. Нью-Йорк, Музей современного искусства. В этой картине, дана собственная версия темы проституции, Пикассо воспользовался двумя образцами примитивного искусства. Головы трех женщин слева воспроизводят стиль доисторической пластики иберийской культуры Осуна, открытой в 1906 году. Похожие на маски-апотропеи лица двух фигур справа вдохновлены экспонатами этнографического музея Трокадеро. Пикассо ходил туда зимой 1906/07 года. Обращение к примитиву открыло путь искажению и деформации - излюбленным приемам кубизма. Пять нагих фигур едины и разобщены. Тела, написанные широкими плоскостями неяркого тона в разных перспективных ракурсах, кажутся совершенно изолированными друг от друга. Угловатость непропорциональных фигур придает живописи монументальные свойства скульптуры, впечатление выссеченного рельефа, особенно ярко из-за очевидной геометризации. Историк, коллекционер Даниель-Анри Канвейлер считал эту работу "началом кубизма, его первым ростком". Картина практически не была доступна публике вплоть до 1937 года, когда работа попала в коллекцию Музея современного искусства в Нью-Йорке.