Эль греко мужской портрет с рукой описание. Рыцарь с рукой на груди. Любой из портретов можно отнести или к психологическому портрету, илик портрету-характеру, или к портрету-биографии

Микеланджело да Караваджо (1573-1610) итальянец «Лютнист» Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж

Среди известных портретных шедевров того времени «Лютнист» Микеланджело да Караваджо (1573-1610), в котором художник развивает мотив, взятый из реальной повседневной жизни.

Эль Греко (1541-1614) Испания. Мужской портрет с рукой на груди

На закате XVI столетия в творчестве испанского художника Эль Греко (1541-1614) возникает новый тип портрета, в котором передается не обычная внутренняя сосредоточенность человека, интенсивность его духовной жизни, погруженность в собственный внутренний мир. Для этого художник использует резкие контрасты освещения, оригинальный колорит, порывистые движения или застывшие позы. Одухотворенностью и неповторимой красотой отличаются запечатленные им бледные вытянутые лица с огромными темными, словно бездонными, глазами.

Памятник Петру I французского скульптора Этьенна Мориса Фальконе

XIX в. привнес в искусство портрета изменчивость художественных вкусов, относительность понятия красоты. Новаторские искания в живописи обращены теперь к сближению с действительностью, к поиску многоликости образов.
Эжен Делакруа (1798-1863). Портрет Ф. Шопена

В период романтизма портрет воспринимается как изображение внутреннего «я» человека, наделенного свободой воли. Настоящий романтический пафос выступает в портрете Ф. Шопена кисти французского
художника-романтика Эжена Делакруа (1798-1863).

Перед нами настоящий психологический портрет, передающий страстность, пылкость натуры композитора, его внутреннюю суть. Картина наполнена стремительным, драматичным движением. Этот эффект достигается поворотом фигуры Шопена, напряженным колоритом картины, контрастными светотенями, быстрыми, интенсивными мазками,
столкновением теплых и холодных тонов.
Художественному строю портрета Делакруа созвучна музыка Этюда
ми мажор для фортепиано Шопена. За ней стоит реальный образ - об-
раз Родины. Ведь однажды, когда его любимый ученик играл этот этюд,
Шопен поднял вверх руки с восклицанием: «О, моя Родина!»
Мелодия Шопена, неподдельная и могущественная, была главным средством выражения, его языком. Могущество его мелодии - в силе ее
воздействия на слушателя. Она как развивающаяся мысль, которая подобна развертыванию сюжета повести или содержанию исторически важно-
го сообщения.

В портретном искусстве ХХ-XXI вв. условно можно выделить два направления. Одно из них продолжает классические традиции реалистического искусства, воспевая красоту и величие Человека, другое - ищет новые абстрактные формы и способы выражения его внутреннего мира.

Послушай Музыкальные произведения: Шопен Ноктюрн b moll ; Ф.Шопен этюд ми-мажор;

Светлана Обухова

О жизни критянина Доменико Теотокопули, художника, покорившего испанский Толедо под именем Эль Греко, то есть Грек, почти не осталось свидетельств. «Сумасбродства» его характера и странная живописная манера поражали многих и заставляли браться за перо - но сохранилось лишь несколько писем. В одном из них есть такие строки: «...погода была прекрасной, нежно светило весеннее солнце. Оно всему дарило радость, и город выглядел празднично. Каково же было мое удивление, когда я вошел в мастерскую Эль Греко и увидел, что ставни на окнах закрыты, и поэтому было трудно разглядеть, что находилось вокруг. Сам Эль Греко сидел на табуретке, ничем не занимаясь, но бодрствуя. Он не захотел выйти со мной, поскольку, по его словам, солнечный свет мешал его внутреннему свету...»

О Доменико-человеке почти не осталось свидетельств, только отголоски: что жил на широкую ногу, держал богатейшую библиотеку, читал многих философов и еще судился с заказчиками (его любили, а чаще не понимали), умер почти в нищете, - словно тонкие лучи дневного света пробиваются сквозь щели в «закрытых ставнях» его жизни. Но не отвлекают от главного - от внутреннего света, которым наполнены картины художника Эль Греко. Особенно портреты.

В них нет пейзажей, открывающихся за спиной портретируемого, нет обилия деталей, которые притягивают любопытный глаз. Даже имя героя часто остается «за скобками». Потому что все это помешало бы увидеть лицо. И глаза, глубокие, темные, смотрящие прямо на тебя. От них трудно оторваться, а если и заставишь себя, то чтобы увидеть жест - и снова остановиться в раздумье.

Таков «Портрет кавалера с рукой на груди» (1577-1579), написанный мастером вскоре после его переезда в Толедо. Этот портрет признают одним из лучших в испанской живописи XVI века. Чужестранец Эль Греко создал «яркие изображения испанской жизни и истории», в которых запечатлены «подлинные живые существа, соединяющие в себе все, чем надлежит восхищаться в нашем народе, все героическое и неукротимое, с теми противоположными свойствами, которые не могут не быть отражены, не разрушив саму его сущность» (А. Сеговия). Аристократы из древних фамилий Толедо стали подлинными героями Эль Греко, он увидел их внутренний свет - их благородство и достоинство, верность долгу, ум, изысканность манер, мужество, внешнюю сдержанность и внутренний порыв, силу сердца, которое знает, ради чего живет и умирает...

День за днем останавливаются напротив неизвестного идальго посетители галереи Прадо, удивленные, со словами: «Как живой...» Кто он, этот рыцарь? Почему с такой искренностью открывает свое сердце? Почему так притягивают его глаза? И этот жест клятвы? И рукоять шпаги?.. Может быть, из этих вопросов родилась легенда, что изображенный на портрете - другой великий испанец: Мигель де Сервантес. Воин и писатель, поведавший миру историю рыцаря печального образа, которому был дан тот же божественный дар, что Эль Греко, - видеть людей такими, какими они должны быть, видеть их внутренний свет...

И другие картины из музея Прадо в Эрмитаже...

Эль Греко "Христос, обнимающий крест" 1600 - 1605

Изображённый на фоне типичного для Эль Греко грозового неба Христос обнимает крест своими изящными руками, со спокойной обречённостью устремляя взор ввысь. Картина имела большой успех, и в мастерской Эль Греко было создано множество её версий.

Эль Греко "Святое семейство со св. Анной и маленьким Иоаном Крестителем" ок. 1600 - 1605

Для позднего периода творчества Эль Греко характерно использование пронзительных цветов и вспышек; пространство полностью заполняется фигурами, которые заслоняют горизонт. Выписанные вибрирующим мазком формы теряют свою материальность. Маленький Иоанн-креститель призывает зрителя к молчанию, чтобы не нарушить покой младенца Христа...

Velasquez - Portrait of Philip IV Портрет короля Филиппа IV. 1653-1657

Основы психологического портрета в европейском искусстве заложил испанский живописец Диего Родригес де Сильва Веласкес. Он родился в небогатой дворянской семье в Севилье, учился у Эрреры Старшего и Пачеко. В 1622 году впервые приехал в Мадрид. В практическом смысле эта поездка оказалась не слишком удачной - достойного места Веласкес себе не нашел. Он надеялся встретиться с молодым королем Филиппом IV, но встреча не состоялась. Тем не менее, слухи о молодом художнике достигли двора, и уже в следующем, 1623-м, году первый министр герцог де Оливарес (тоже выходец из Севильи) пригласил Веласкеса в Мадрид писать портрет короля. Эта не дошедшая до нас работа произвела столь приятное впечатление на монарха, что тот немедленно предложил Веласкесу должность придворного художника. Вскоре между королем и Веласкесом сложились вполне дружеские отношения, что было не слишком характерно для порядков, царивших при испанском дворе. Король, правивший величайшей в мире империей, считался не человеком, но божеством, а художник не мог рассчитывать даже на дворянские привилегии, поскольку зарабатывал на жизнь трудом. Между тем, Филипп распорядился, чтобы впредь его портреты писал только Веласкес. Великий монарх был удивительно щедр и благосклонен к Веласкесу. Мастерская художника находилась в королевских апартаментах, и там было установлено кресло для Его Величества. Король, имевший у себя ключ от мастерской, приходил сюда почти каждый день, чтобы наблюдать за работой художника Находясь на королевской службе с 1623 по 1660 гг., Веласкес написал примерно полтора десятка портретов своего сюзерена. Из них до нас дошло чуть больше 10 полотен. Таким образом, в среднем Веласкес портретировал своего сюзерена примерно раз в три года. Писать портреты короля было работой Веласкеса, и он делал эту работу отлично. Благодаря этому мы имеем комплекс произведений, в своем роде уникальный: на портретах Веласкеса прослеживается жизненный путь короля Филиппа так явственно, как потом стало обычаем лишь в век фотографии. В полотнах художника четко заметна эволюция. Меняется, во-первых, сам король, 18-летний на первом портрете и 50-летний на последнем, на его лицо ложится отпечаток возрастных и духовных изменений. Во-вторых, углубляется восприятие художником своей модели, превращаясь из поверхностного в проницательное. Со временем изменяется способ подачи модели и художественные приемы. Манера Веласкеса трансформируется под воздействием его собственного творческого роста, а также под влиянием современной отечественной и иностранной традиции. На этом подгрудном портрете Филипп IV изображен на темном фоне в черной одежде с белым воротником, который ярко выделяет лицо монарха. Веласкес избегает показной роскоши в портрете короля и показывает «человеческое лицо» монарха без какой-либо лести или придворной хитрость. Мы отчетливо ощущаем, что человек, смотрящий на нас с полотна, несчастлив, последние годы правления не были для короля легкими. Это - человек, познавший разочарования, но при этом - человек, плоть которого исполнена врожденного величия, поколебать которое не сможет ничто. Другой великий художник, испанец до мозга костей - Пабло Руис Пикассо так говорит об образе испанского короля: «мы не можем представить себе другого Филиппа IV, кроме созданного Веласкесом…»

"Портрет короля Филиппа IV" (ок. 1653 - 1657)

Один из последних портретов монарха. Интересно отметить, что здесь нет ни одного элемента, говорящего о королевском статусе портретируемого. Веласкес служил Филиппу IV почти сорок лет - с 1623года и до самой смерти, писал портреты короля и его семьи, большие сюжетные полотна для Королевской коллекции.

Диего Веласкес "Портрет шута дона Диего де Аседо" (Эль Примо) ок. 1644

Диего Веласкес "Портрет королевы Марианны Австрийской" 1652-1653

Тициан (Тициано Вечеллио) " Венера с Амуром и органист" 1555

Музыкант играет, расположившись у ног Венеры и любуясь обнажённым телом богини, отвлечённой игрой с Амуром. Некоторые видели в этой картине произведение чисто эротическое, другие же воспринимали символически - как аллегорию чувств, где зрение и слух выступают инструментами познания красоты и гармонии. Тициан написал пять версий этой темы.

Паоло Веронезе (Паоло Кальяри) - "Кающаяся Мария Магдалина" 1583

После обращения в веру Мария Магдалина посвятила свою жизнь расскаянию и молитве, удалившись от мира. На этом полотне она изображена глядящей в небеса и залитой божественным светом. Картина написана в густых тёмных тонах, характерных для стиля Веронезе в поздний период его творчества. Перед тем, как попасть в испанские Королевские коллекции, работа принадлежала английскому королю Карлу I (казнён в 1649 г.)

Антонис Ван Дейк "Портрет мужчины с лютней" 1622-1632

Антонис Ван Дейк обязан своей славой именно жанру портрета, который в иерархии европейской живописи занимал довольно низкое положение. Однако во Фландрии к этому времени уже сложилась традиция портретного искусства. Ван Дейк написал сотни портретов, несколько автопортретов, стал одним из создателей стиля парадного портрета 17 в. В портретах своих современников он показывал их интеллектуальный, эмоциональный мир, духовную жизнь, живой характер человека.
Традиционно моделью для этого портрета считают Якова Готье, лютениста при английском дворе с 1617 по 1647, но наличие меча, и в большей степени, стилистические характеристики работы указывают, что она должна быть датирована гораздо раньше поездки Ван Дейка в Лондон, что ставит под сомнение эту теорию. Наличие музыкального инструмента не обязательно означает, что моделью был музыкант. В качестве символа музыкальные инструменты часто изображались на портретах, как указание на интеллектуальную утонченность и чувствительность изображаемого.

Хуан Баутиста Маино «Поклонение Пастухов» 1612-1614

Один из шедевров Маино. В коллекции Государственного Эрмитажа хранится другая версия этого сюжета, написанная Маино. Художник родился в Пастране (Гвадалахара) и с 1604 до 1610 года жил в Риме. В этой работе, написанной по возвращении в Испанию, ощущается влияние Караваджо и Орацио Джентилески. В 1613 году Маино стал членом доминиканского ордена, и картина вошла в алтарный цикл монастыря Св. Петра Мученика в Толедо.

Жорж де Латур «Слепой музыкант с колесной лирой» Ок. 1625- 1630

Латур изображает старого слепого музыканта, играющего на колёсной лире, Этот сюжет он повторял неоднократно. Художник, работавший под влиянием стиля Караваджо, с увлечением воспроизводит детали - узор, украшающий музыкальный инструмент, морщины на лице слепого, его волосы.

Питер Пауль Рубенс, Якоб Йорданс «Персей, освобождающий Андромеду» Ок. 1639-1640

Франсиско де Гойя "Портрет Фердинанда VII" 1814-1815

После поражения Наполеона в 1814 году Фердинанд VII вернулся на испанский трон. На портрете он изображён в королевской мантии на горностаевой подкладке, со скипетром и орденами Карлоса III и Золотого Руна.
Фердинанд VII, правивший страной до 1833 года, в 1819 году основал Музей Прадо.

Франсиско де Гойя «Мария фон Санта Круз» 1805

Мария фон Санта Круз, жена первого директора Прадо, была одной из самых почитаемых женщин Испании своего времени.
На портрете 1805 года Гойя изобразил маркизу в роли музы лирической поэзии Эвтерпы, возлежащей на канапе и с лирой в левой руке. Выбор именно такого образа обусловлен страстью маркизы к поэзии.

Франсиско Гойя - "Осень (Сбор винограда)" 1786 - 1787

Франсиско ГОЙЯ - "Сбор винограда" . фрагмент

В 1775 - 1792 годах Гойей было создано семь серий картонов к гобеленам для дворцов Эскориала и Прадо в предместьях Мадрида. Эта картина, в частности, принадлежит к серии времён года и предназначалась для столовой принца Астурийского в Прадо. Гойя изобразил классический сюжет как повседневную сценку, в которой отражается характер взаимоотношений между разными сословиями - на картине изображены владельцы виноградника с сыном и служанкой.

Франсиско Гойя "Портрет генерала Хосе де Уррутия" (ок. 1798)

Хосе де Уррутия (1739 - 1809) - один из самых выдающихся испанских военачальников и единственный в XVIII веке армейский офицер неаристократического происхождения, достигший звания капитан-генерала - изображён с орденом Святого Георгия, которым его наградила русская императрица Екатерина Великая за участие во взятии Очакова во время Крымской кампании 1789 года.

Питер Пауль Рубенс «Портрет Марии Медичи». Ок. 1622-1625.

Мария Медичи (1573 - 1642) была дочерью великого герцога тосканского Франческо I. В 1600 году стала женой французского короля Генриха IV. С 1610 года была регентшей при своём малолетнем сыне, будущем короле Людовике XIII. Рубенсу она заказала серию работ, прославляющих её саму и её покойного супруга. На портрете королева изображена во вдовьем головном уборе и на незавершённом фоне.

Доменико Тинторетто "Женщина, обнажающая грудь" Ок. 1580-1590

Виссенте Лопес Портанья "Портрет Феликса Максимо Лопеса, первого органиста Королевской капеллы" 1820

Испанский живописец-неоклассицист, сохранивший при этом следы стиля рококо. Лопес считался одним из лучших портретистов своего времени, уступая только Франсиско де Гойе. Он начал изучение живописи в Валенсии в возрасте 13 лет, и уже через четыре года выиграл несколько первых призов в Академии Сан-Карлос, чем заслужил направление со стипендией на учебу в престижную столичную королевскую Академию изящных искусств Сан-Фернандо. После завершения учебы Лопес несколько лет работал в мастерской Мариано Сальвадора Маэльи, своего учителя. К 1814 году, после французской оккупации, Лопес был уже достаточно хорошо известным художником, поэтому испанский король Фердинанд VII вызвал его в Мадрид и назначил официальным придворным художником, при том, что «первым королевским художником» в то время был сам Франсиско Гойя. Висенте Лопес был плодовитым художником, он писал картины на религиозные, аллегорические, исторические и мифологические сюжеты, но, прежде всего, был, конечно, портретистом. За свою долгую карьеру он написал портреты почти каждого известного человека в Испании первой половины 19 века.
Этот портрет первого органиста королевской часовни и знаменитого музыканта и композитора был написан незадолго до смерти художника, и был окончен его старшим сыном Амброзио Лопесом.

Антон Рафаэль Менгс "Портрет Марии Луизы Пармской, принцессы Астурийской" 1766

Хуан Санчес Котан " Натюрморт с дичью, овощами и фруктами" 1602

Дон Диего де Аседо состоял при дворе с 1635 года. Помимо "шутовской службы" он исполнял обязанности королевского посыльного и заведовал печатью короля. По всей видимости, об этих занятиях и говорят изображённые на картине книги, бумаги и письменные принадлежности. Считается, что портрет был написан во Фраге, провинции Уэска, во время поездки Филиппа IV по Арагону, в которой его сопровождал Диего де Аседо. На заднем плане высится пик Малисьоса горной цепи Гвадаррама.

Иероним Босх "Извлечение камня глупости" ок. 1490

В сатирической сценке с фигурами на фоне пейзажа изображена операция по извлечению "камня глупости". Надпись готическим шрифтом гласит: - "Мастер, скорей удали камень. Меня зовут Лубберт Дас". Лубберт - имя нарицательное, обозначающее невежество и простодушие. Хирург в головном уборе в виде перевёрнутой воронки, символизирующей незнание, "извлекает" камень (кувшинку) из головы доверчивого пациента и потребует с него щедрой оплаты. В то время простодушные верили в то, что в их глупости виноват камень в голове. Этим и пользовались шарлатаны.

Рафаэль (Рафаэлло Санти) "Св. семейство с ягнёнком" 1507

Мария помогает маленькому Христу сесть на ягнёнка - христианский символ грядущих Страстей Христовых, а св. Иосиф наблюдает за ними. Картина написана во Флоренции, где художник изучал творчество Леонардо да Винчи, под влиянием его композиций со Святым семейством. В Музее Прадо это единственное произведение Рафаэля, написанное в ранний период.

Альбрехт Дюрер «Портрет неизвестного» Ок. 1521

Портрет относится к позднему периоду творчества Дюрера. Написан в манере, сходной со стилем нидерландских художников. Шляпа с широкими полями привлекает внимание к лицу портретируемого, Падающий слева свет концентрирует на нём внимание зрителя. Вторым фокусом внимания на портрете выступают руки, и прежде всего левая, в которой неизвестный держит свиток - видимо, поясняющий его социальный статус.

Рогир Ван дер Вейден «Оплакивание» Ок. 1450

Образцом послужил алтарный триптих для монастыря Мирафлорес (хранится в картинной галерее Берлина), созданный Ван дер Вейденом ранее 1444 года и повторенный с некоторыми различиями. В этой версии с добавленной в неизвестный период верхней частью Мария, Христос, св. Иоанн и донатор (заказчик картины) - член семьи Броерс - изображены в одном пространстве. Художник выразительно передаёт горе богоматери, прижимающей к груди тело мёртвого сына. Трагической группе слева противопоставлена фигура донатора, отделённая камнем. Он находится в состоянии молитвенной сосредоточенности. В то время заказчики часто просили изображать себя на картинах. Но, их изображения были всегда второстепенны - где-нибудь на заднем плане, в толпе и т.д. Здесь же донатор изображён на первом плане, однако отделён от основной группы камнем и при помощи цвета.

Алонсо Кано "Мёртвый Христос, поддерживаемый ангело" ок. 1646 - 1652

На фоне сумеречного пейзажа ангел поддерживает безжизненное тело Христа. Необычная иконография этого полотна объясняется тем, что оно связано не с евангелическими текстами, а с так называемым Христом св. Григория. По преданию, папе Григорию Великому явилось видение мёртвого Христа, поддерживаемого двумя ангелами. Кано по-иному трактовал этот сюжет - только один ангел поддерживает неподвижное тело Христа.

Бартоломе Эстебан Мурильо "Богоматерь с четками" Ок. 1650 -1655

Творчество Бартоломе Эстебана Мурильо завершает золотой век испанской живописи. Работы Мурильо безукоризненно точны композиционно, богаты и гармоничны по колориту и в высшем смысле слова красивы. Его ощущения всегда искренни и деликатны, но в полотнах Мурильо уже нет той духовной мощи и глубины, которые так потрясают в работах старших его современников. Жизнь художника связана с его родной Севильей, хотя ему приходилось бывать в Мадриде и других городах. Пройдя обучение у местного живописца Хуана дель Кастильо (1584-1640), Мурильо много работал по заказам монастырей и храмов. В 1660 г. он стал президентом Академии художеств в Севилье.
Своими полотнами на религиозные сюжеты Мурильо стремился нести утешение и успокоение. Не случайно он очень часто писал образ Богоматери. Из картины в картину переходило изображение Марии в виде прелестной юной девушки с правильными чертами лица и спокойным взором. Её невинный облик должен был вызывать у зрителя чувство сладкого умиления. На этой картине Бартоломе Мурильо изобразил Мадонну и Иисуса с розарием, традиционными католическими чётками, молитве по которым придавалось большое значение во времена художника. В этой работе ещё заметны черты натурализма, преобладавшего в работах представителей Севильской школы в первой половине XVII века, однако живописная манера Мурильо уже более свободна, чем в его раннем творчестве. Эта свободная манера особенно сильно проявляется в изображении вуали Девы Марии. Художник использует яркий свет для выделения фигур на тёмном фоне и создания контраста между нежными тонами лица Богородицы и тела младенца Христа и глубокими тенями в складках тканей.
В Андалуссии XVII века пользовался особым спросом образ Богоматери с младенцем. Мурильо, чья творческая жизнь прошла в Севилье, написал множество таких, пронизанных нежностью, картин. В этом случае изображена Богоматерь с чётками. И здесь, как и в ранние годы своего творчества, художник остаётся верен своему пристрастию к светотеневым контрастам.

Бартоломе Эстебан Мурильо "Добрый пастырь" 1655-1660

Картина проникнута глубоким лиризмом и добротой. В название взяты слова из Евангелия от Иоанна: «Аз есмь пастырь добрый». Это говорит, что на картине изображен Христос, пусть и в самом раннем возрасте. В картине у Мурильо все прекрасно и просто. Художник любил писать детей, и всю эту любовь он вложил в красоту образа этого мальчика-Бога. В 1660-1670-х гг., в эпоху расцвета своего живописного мастерства, Мурильо стремился к поэтизации своих персонажей, и его часто обвиняли в некоторой сентиментальности образов и их нарочитой красивости. Однако эти упреки не совсем справедливы. Ребенка, изображенного на картине, можно увидеть и в наши дни как в Севилье, так и в окрестных селениях. И именно в этом проявлялась демократическая направленность творчества художника – в уравнивании красоты Мадонны с красотой простых испанских женщин, и красоты ее сына, маленького Христа, с красотой уличных сорванцов.

Алонсо Санчес Коэльо «Портрет инфант Изабеллы Клары Эухении и Каталины Микаэлы» 1575

На портрете принцессы, восьми и девяти лет, держат венок цветов. Санчес Коэльо писал портреты инфант - любимых дочерей короля Филиппа II и его третьей жены Изабеллы Валуа - с самого раннего их возраста. Все портреты выполнены с соблюдением канонов придворного портрета - девочки в пышных одеждах и с бесстрастными выражениями лиц.

Антон Рафаэль Менгс. Портрет короля Карлоса III. 1767

Карла III называли едва ли не единственным воистину просвещенным монархом в истории Испании. Именно им основан Музей Прадо в 1785 году, сначала как музей естественной истории. Карл III мечтал, что музей Прадо вместе с расположенными по соседству ботаническими садами станет центром научного просвещения.
Взойдя на престол, он начал проводить серьезные политические и экономические реформы, в чем так остро нуждалась страна на тот момент. Однако его усилия пропали даром – его сын Карл IV не разделял прогрессивных взглядов отца, и после смерти Карла III с реформами было покончено.
Этот портрет абсолютно типичен для своего времени. Каждой деталью художник привлекает внимание к положению, занимаемому моделью: мантия, отделанная горностаем, инкрустированный драгоценностями Мальтийский крест, блестящие доспехи – непременные атрибуты королевского величия. Пышная драпировка и пилястра (элемент классической архитектуры) – традиционный фон для подобных портретов.
Но уже в этом портрете удивительно, как представлено лицо модели. Менгс не предпринимает ни малейшей попытки уменьшить похожий на луковицу королевский нос или разгладить складки на морщинистых щеках. Благодаря максимальной индивидуальности, в этой картине создается ощущение жизни, чего не могли достичь предшественники Менгса. Портрет заставляет чувствовать симпатию к Карлосу III, который готов «показать» свою неидеальную внешность.

Антуан Ватто "Праздник в парке" ок. 1713 - 1716

Эта очаровательная сценка - типичный образец "галантных праздников" Ватто. Лёгкий туман, смазывающий очертания, почти спрятанная в листве над фонтаном статуя Нептуна и блёклый золотистый цвет - всё это передаёт атмосферу острого, но мимолётного наслаждения.
Картина принадлежала Изабелле Фарнезе, второй жене короля Филиппа V.

Антонио Карнисеро "Подъём шара Монгольфьера в Аранхуэсе" ок. 1784

Картина написана по заказу герцога и герцогини Осуэна, в ней угадывается дух эпохи Просвещения, пробудившей интерес к достижениям научного прогресса. Изображено реальное событие: в 1784 году в Королевских садах Аранхуэса в присутствии монарха, членов его семьи и придворных был совершён полёт на шаре Монгольфьера. Антонио Карнисеро был известен своими прелестными жанровыми сценами, и это полотно - одно из его самых амбиционных произведений.

Хосе де Мадрасо-и-Агудо "Любовь небесная и любовь земная" 1813

Франсиско де Сурбаран "Agnus Dei. Божий Агнец" 1635-1640

На сером столе лежит ягнёнок, резко выделяясь на тёмном фоне в остро сфокусированном ярком свете. Любой человек в XVII веке сразу узнал бы в нём "агнца божьего" и понял бы, что это намёк на самопожертвование Христа. Шерсть ягнёнка замечательно выписана и кажется такой мягкой, что трудно оторвать взгляд от животного и хочется прикоснуться к нему.

Хуан Пантоха де ла Крус «Портрет королевы Изабеллы Валуа» ок. 1604 – 1608

Пантоха де ла Крус написал этот портрет, повторив работу Софонисбы Ангишолы - оригинал сгорел во дворце в 1604 году. Художник только добавил к наряду королевы накидку из меха сурка.
Софонисба Ангишола - художница из Кремоны, работавшая при испанском дворе. Это был первый портрет молодой королевы из серии, выполненной художницей. Картина написана в манере, приближённой к испанской, но в более тёплых и светлых тонах.

Жан Ранн "Портрет Карлоса III в детстве" 1723

Луис Мелендес "Натюрморт с коробкой сладостей, кренделем и другими предметами" 1770

Крупнейший мастер испанского натюрморта XVIII в., Луис Мелендес родился в Италии, в семье художника-миниатюриста из Астурии. В 1717 году семья переехала в Мадрид, где юноша поступил на подготовительное отделение Академии Сан Фернандо, и среди самых одаренных ее учеников занял первое место. Однако в 1747 году он был вынужден оставить Академию вслед за своим отцом, изгнанным из нее в результате конфликта. В этот период Мелендес вновь посещает Италию. Помогая первоначально отцу, он стал миниатюристом, и вернувшись из Италии, был приглашен Фердинандом VI для иллюстрирования книг в Королевской капелле Мадрида. В жанре натюрморта, к которому художник обратился в начале 1760-х годов, проявилась новая грань его творчества.
Данный натюрморт написан в зрелый период творчества художника. В это время в его композициях появляются предметы роскоши, серебряная посуда. Но, тем не менее, художник по-прежнему придерживается своих идеалов и работает в русле жанровой традиции. Материальная осязаемость каждого из написанных на холсте предметов заставляет вспомнить лучшие образцы натюрморта в мировом искусстве. Осязаемое прозрачное стекло стакана отражается в матово поблескивающей поверхности серебряной вазы. Мягкий, крендель на белой салфетке, кажется пахнет только что выпеченным хлебом. Тускло поблескивает горлышко запечатанной бутылки. Чуть выступает за край освещенного стола серебряная вилка. В композиции этого натюрморта нет аскетичного построения предметов в один ряд, свойственного, например, натюрмортам Сурбарана. Пожалуй, в нем есть что-то общее с голландскими образцами. Но тон темнее, предметов меньше и композиция проще.

Хуан де Арельяно "Корзина цветов" 1670

Испанский художник эпохи барокко, специализирующийся на изображении цветочных композиций, родился в Санторказе в 1614 году. Сначала учился в мастерской неизвестного сейчас художника, но в возрасте 16 лет переехал в Мадриде, где обучался у Хуана де Солиса, художника, выполняющего заказы для королевы Изабеллы. Хуан де Арельяно долгое время жил за счет мелких заказов, включая росписи по стенам, пока не решил заняться исключительно рисованием цветов и стал непревзойденным мастером в этой области. Предполагают, что начал мастер с копирования работ других, в особенности итальянских, художников, элегантности и строгости его стилю добавили натюрморты фламандцев. Позже к этому сочетанию он прибавил собственные композиционные находки и характерную цветовую палитру.
Довольно простая композиция этого натюрморта характерна для Арельяно. Чистые, интенсивные цвета растений ярко выделяются на нейтральном коричневатом фоне за счет интенсивного освещения.

«Рыцарь с рукой на груди» – картина испанского художника Эль Греко , написанная в Толедо около 1580 года. Наиболее известный в серии светских портретов неизвестных кабальеро в чёрных одеждах и белых фрезах на тёмном фоне . В настоящее время хранится в Прадо .

Поза кабальеро может означать дачу присяги, либо проявление доверия при заключении договора, либо благородное происхождение персонажа, либо даже тайный условный сигнал. Золотая шпага и медальон указывают на состоятельность и принадлежность к высшему обществу. Внешний облик персонажа типичен для дворянина эпохи Золотого века Испании . При реставрации картины выяснилось, что изначально фон был не чёрный, а светло-серый, но со временем картина потемнела. Богатство оттенков на тёмной одежде свидетельствует о влиянии на Эль Греко венецианской школы живописи .

Ранее считалось, что «Рыцарь с рукой на груди» является портретом Сервантеса , но сейчас большинство искусствоведов склоняется к тому, что на портрете изображён Хуан де Сильва-и-Рибера, третий маркиз Монтемайора и алькальд Толедского алькасара . Искусствовед Алекс Бергхарт и художник Роберт Шрайв допускают возможность того, что это автопортрет художника .

Напишите отзыв о статье "Рыцарь с рукой на груди"

Примечания

Отрывок, характеризующий Рыцарь с рукой на груди

Светлана Обухова

О жизни критянина Доменико Теотокопули, художника, покорившего испанский Толедо под именем Эль Греко, то есть Грек, почти не осталось свидетельств. «Сумасбродства» его характера и странная живописная манера поражали многих и заставляли браться за перо - но сохранилось лишь несколько писем. В одном из них есть такие строки: «...погода была прекрасной, нежно светило весеннее солнце. Оно всему дарило радость, и город выглядел празднично. Каково же было мое удивление, когда я вошел в мастерскую Эль Греко и увидел, что ставни на окнах закрыты, и поэтому было трудно разглядеть, что находилось вокруг. Сам Эль Греко сидел на табуретке, ничем не занимаясь, но бодрствуя. Он не захотел выйти со мной, поскольку, по его словам, солнечный свет мешал его внутреннему свету...»

О Доменико-человеке почти не осталось свидетельств, только отголоски: что жил на широкую ногу, держал богатейшую библиотеку, читал многих философов и еще судился с заказчиками (его любили, а чаще не понимали), умер почти в нищете, - словно тонкие лучи дневного света пробиваются сквозь щели в «закрытых ставнях» его жизни. Но не отвлекают от главного - от внутреннего света, которым наполнены картины художника Эль Греко. Особенно портреты.

В них нет пейзажей, открывающихся за спиной портретируемого, нет обилия деталей, которые притягивают любопытный глаз. Даже имя героя часто остается «за скобками». Потому что все это помешало бы увидеть лицо. И глаза, глубокие, темные, смотрящие прямо на тебя. От них трудно оторваться, а если и заставишь себя, то чтобы увидеть жест - и снова остановиться в раздумье.

Таков «Портрет кавалера с рукой на груди» (1577-1579), написанный мастером вскоре после его переезда в Толедо. Этот портрет признают одним из лучших в испанской живописи XVI века. Чужестранец Эль Греко создал «яркие изображения испанской жизни и истории», в которых запечатлены «подлинные живые существа, соединяющие в себе все, чем надлежит восхищаться в нашем народе, все героическое и неукротимое, с теми противоположными свойствами, которые не могут не быть отражены, не разрушив саму его сущность» (А. Сеговия). Аристократы из древних фамилий Толедо стали подлинными героями Эль Греко, он увидел их внутренний свет - их благородство и достоинство, верность долгу, ум, изысканность манер, мужество, внешнюю сдержанность и внутренний порыв, силу сердца, которое знает, ради чего живет и умирает...

День за днем останавливаются напротив неизвестного идальго посетители галереи Прадо, удивленные, со словами: «Как живой...» Кто он, этот рыцарь? Почему с такой искренностью открывает свое сердце? Почему так притягивают его глаза? И этот жест клятвы? И рукоять шпаги?.. Может быть, из этих вопросов родилась легенда, что изображенный на портрете - другой великий испанец: Мигель де Сервантес. Воин и писатель, поведавший миру историю рыцаря печального образа, которому был дан тот же божественный дар, что Эль Греко, - видеть людей такими, какими они должны быть, видеть их внутренний свет...

И другие картины из музея Прадо в Эрмитаже...

Эль Греко "Христос, обнимающий крест" 1600 - 1605

Изображённый на фоне типичного для Эль Греко грозового неба Христос обнимает крест своими изящными руками, со спокойной обречённостью устремляя взор ввысь. Картина имела большой успех, и в мастерской Эль Греко было создано множество её версий.

Эль Греко "Святое семейство со св. Анной и маленьким Иоаном Крестителем" ок. 1600 - 1605

Для позднего периода творчества Эль Греко характерно использование пронзительных цветов и вспышек; пространство полностью заполняется фигурами, которые заслоняют горизонт. Выписанные вибрирующим мазком формы теряют свою материальность. Маленький Иоанн-креститель призывает зрителя к молчанию, чтобы не нарушить покой младенца Христа...

Velasquez - Portrait of Philip IV Портрет короля Филиппа IV. 1653-1657

Основы психологического портрета в европейском искусстве заложил испанский живописец Диего Родригес де Сильва Веласкес. Он родился в небогатой дворянской семье в Севилье, учился у Эрреры Старшего и Пачеко. В 1622 году впервые приехал в Мадрид. В практическом смысле эта поездка оказалась не слишком удачной - достойного места Веласкес себе не нашел. Он надеялся встретиться с молодым королем Филиппом IV, но встреча не состоялась. Тем не менее, слухи о молодом художнике достигли двора, и уже в следующем, 1623-м, году первый министр герцог де Оливарес (тоже выходец из Севильи) пригласил Веласкеса в Мадрид писать портрет короля. Эта не дошедшая до нас работа произвела столь приятное впечатление на монарха, что тот немедленно предложил Веласкесу должность придворного художника. Вскоре между королем и Веласкесом сложились вполне дружеские отношения, что было не слишком характерно для порядков, царивших при испанском дворе. Король, правивший величайшей в мире империей, считался не человеком, но божеством, а художник не мог рассчитывать даже на дворянские привилегии, поскольку зарабатывал на жизнь трудом. Между тем, Филипп распорядился, чтобы впредь его портреты писал только Веласкес. Великий монарх был удивительно щедр и благосклонен к Веласкесу. Мастерская художника находилась в королевских апартаментах, и там было установлено кресло для Его Величества. Король, имевший у себя ключ от мастерской, приходил сюда почти каждый день, чтобы наблюдать за работой художника Находясь на королевской службе с 1623 по 1660 гг., Веласкес написал примерно полтора десятка портретов своего сюзерена. Из них до нас дошло чуть больше 10 полотен. Таким образом, в среднем Веласкес портретировал своего сюзерена примерно раз в три года. Писать портреты короля было работой Веласкеса, и он делал эту работу отлично. Благодаря этому мы имеем комплекс произведений, в своем роде уникальный: на портретах Веласкеса прослеживается жизненный путь короля Филиппа так явственно, как потом стало обычаем лишь в век фотографии. В полотнах художника четко заметна эволюция. Меняется, во-первых, сам король, 18-летний на первом портрете и 50-летний на последнем, на его лицо ложится отпечаток возрастных и духовных изменений. Во-вторых, углубляется восприятие художником своей модели, превращаясь из поверхностного в проницательное. Со временем изменяется способ подачи модели и художественные приемы. Манера Веласкеса трансформируется под воздействием его собственного творческого роста, а также под влиянием современной отечественной и иностранной традиции. На этом подгрудном портрете Филипп IV изображен на темном фоне в черной одежде с белым воротником, который ярко выделяет лицо монарха. Веласкес избегает показной роскоши в портрете короля и показывает «человеческое лицо» монарха без какой-либо лести или придворной хитрость. Мы отчетливо ощущаем, что человек, смотрящий на нас с полотна, несчастлив, последние годы правления не были для короля легкими. Это - человек, познавший разочарования, но при этом - человек, плоть которого исполнена врожденного величия, поколебать которое не сможет ничто. Другой великий художник, испанец до мозга костей - Пабло Руис Пикассо так говорит об образе испанского короля: «мы не можем представить себе другого Филиппа IV, кроме созданного Веласкесом…»

"Портрет короля Филиппа IV" (ок. 1653 - 1657)

Один из последних портретов монарха. Интересно отметить, что здесь нет ни одного элемента, говорящего о королевском статусе портретируемого. Веласкес служил Филиппу IV почти сорок лет - с 1623года и до самой смерти, писал портреты короля и его семьи, большие сюжетные полотна для Королевской коллекции.

Диего Веласкес "Портрет шута дона Диего де Аседо" (Эль Примо) ок. 1644

Диего Веласкес "Портрет королевы Марианны Австрийской" 1652-1653

Тициан (Тициано Вечеллио) " Венера с Амуром и органист" 1555

Музыкант играет, расположившись у ног Венеры и любуясь обнажённым телом богини, отвлечённой игрой с Амуром. Некоторые видели в этой картине произведение чисто эротическое, другие же воспринимали символически - как аллегорию чувств, где зрение и слух выступают инструментами познания красоты и гармонии. Тициан написал пять версий этой темы.

Паоло Веронезе (Паоло Кальяри) - "Кающаяся Мария Магдалина" 1583

После обращения в веру Мария Магдалина посвятила свою жизнь расскаянию и молитве, удалившись от мира. На этом полотне она изображена глядящей в небеса и залитой божественным светом. Картина написана в густых тёмных тонах, характерных для стиля Веронезе в поздний период его творчества. Перед тем, как попасть в испанские Королевские коллекции, работа принадлежала английскому королю Карлу I (казнён в 1649 г.)

Антонис Ван Дейк "Портрет мужчины с лютней" 1622-1632

Антонис Ван Дейк обязан своей славой именно жанру портрета, который в иерархии европейской живописи занимал довольно низкое положение. Однако во Фландрии к этому времени уже сложилась традиция портретного искусства. Ван Дейк написал сотни портретов, несколько автопортретов, стал одним из создателей стиля парадного портрета 17 в. В портретах своих современников он показывал их интеллектуальный, эмоциональный мир, духовную жизнь, живой характер человека.
Традиционно моделью для этого портрета считают Якова Готье, лютениста при английском дворе с 1617 по 1647, но наличие меча, и в большей степени, стилистические характеристики работы указывают, что она должна быть датирована гораздо раньше поездки Ван Дейка в Лондон, что ставит под сомнение эту теорию. Наличие музыкального инструмента не обязательно означает, что моделью был музыкант. В качестве символа музыкальные инструменты часто изображались на портретах, как указание на интеллектуальную утонченность и чувствительность изображаемого.

Хуан Баутиста Маино «Поклонение Пастухов» 1612-1614

Один из шедевров Маино. В коллекции Государственного Эрмитажа хранится другая версия этого сюжета, написанная Маино. Художник родился в Пастране (Гвадалахара) и с 1604 до 1610 года жил в Риме. В этой работе, написанной по возвращении в Испанию, ощущается влияние Караваджо и Орацио Джентилески. В 1613 году Маино стал членом доминиканского ордена, и картина вошла в алтарный цикл монастыря Св. Петра Мученика в Толедо.

Жорж де Латур «Слепой музыкант с колесной лирой» Ок. 1625- 1630

Латур изображает старого слепого музыканта, играющего на колёсной лире, Этот сюжет он повторял неоднократно. Художник, работавший под влиянием стиля Караваджо, с увлечением воспроизводит детали - узор, украшающий музыкальный инструмент, морщины на лице слепого, его волосы.

Питер Пауль Рубенс, Якоб Йорданс «Персей, освобождающий Андромеду» Ок. 1639-1640

Франсиско де Гойя "Портрет Фердинанда VII" 1814-1815

После поражения Наполеона в 1814 году Фердинанд VII вернулся на испанский трон. На портрете он изображён в королевской мантии на горностаевой подкладке, со скипетром и орденами Карлоса III и Золотого Руна.
Фердинанд VII, правивший страной до 1833 года, в 1819 году основал Музей Прадо.

Франсиско де Гойя «Мария фон Санта Круз» 1805

Мария фон Санта Круз, жена первого директора Прадо, была одной из самых почитаемых женщин Испании своего времени.
На портрете 1805 года Гойя изобразил маркизу в роли музы лирической поэзии Эвтерпы, возлежащей на канапе и с лирой в левой руке. Выбор именно такого образа обусловлен страстью маркизы к поэзии.

Франсиско Гойя - "Осень (Сбор винограда)" 1786 - 1787

Франсиско ГОЙЯ - "Сбор винограда" . фрагмент

В 1775 - 1792 годах Гойей было создано семь серий картонов к гобеленам для дворцов Эскориала и Прадо в предместьях Мадрида. Эта картина, в частности, принадлежит к серии времён года и предназначалась для столовой принца Астурийского в Прадо. Гойя изобразил классический сюжет как повседневную сценку, в которой отражается характер взаимоотношений между разными сословиями - на картине изображены владельцы виноградника с сыном и служанкой.

Франсиско Гойя "Портрет генерала Хосе де Уррутия" (ок. 1798)

Хосе де Уррутия (1739 - 1809) - один из самых выдающихся испанских военачальников и единственный в XVIII веке армейский офицер неаристократического происхождения, достигший звания капитан-генерала - изображён с орденом Святого Георгия, которым его наградила русская императрица Екатерина Великая за участие во взятии Очакова во время Крымской кампании 1789 года.

Питер Пауль Рубенс «Портрет Марии Медичи». Ок. 1622-1625.

Мария Медичи (1573 - 1642) была дочерью великого герцога тосканского Франческо I. В 1600 году стала женой французского короля Генриха IV. С 1610 года была регентшей при своём малолетнем сыне, будущем короле Людовике XIII. Рубенсу она заказала серию работ, прославляющих её саму и её покойного супруга. На портрете королева изображена во вдовьем головном уборе и на незавершённом фоне.

Доменико Тинторетто "Женщина, обнажающая грудь" Ок. 1580-1590

Виссенте Лопес Портанья "Портрет Феликса Максимо Лопеса, первого органиста Королевской капеллы" 1820

Испанский живописец-неоклассицист, сохранивший при этом следы стиля рококо. Лопес считался одним из лучших портретистов своего времени, уступая только Франсиско де Гойе. Он начал изучение живописи в Валенсии в возрасте 13 лет, и уже через четыре года выиграл несколько первых призов в Академии Сан-Карлос, чем заслужил направление со стипендией на учебу в престижную столичную королевскую Академию изящных искусств Сан-Фернандо. После завершения учебы Лопес несколько лет работал в мастерской Мариано Сальвадора Маэльи, своего учителя. К 1814 году, после французской оккупации, Лопес был уже достаточно хорошо известным художником, поэтому испанский король Фердинанд VII вызвал его в Мадрид и назначил официальным придворным художником, при том, что «первым королевским художником» в то время был сам Франсиско Гойя. Висенте Лопес был плодовитым художником, он писал картины на религиозные, аллегорические, исторические и мифологические сюжеты, но, прежде всего, был, конечно, портретистом. За свою долгую карьеру он написал портреты почти каждого известного человека в Испании первой половины 19 века.
Этот портрет первого органиста королевской часовни и знаменитого музыканта и композитора был написан незадолго до смерти художника, и был окончен его старшим сыном Амброзио Лопесом.

Антон Рафаэль Менгс "Портрет Марии Луизы Пармской, принцессы Астурийской" 1766

Хуан Санчес Котан " Натюрморт с дичью, овощами и фруктами" 1602

Дон Диего де Аседо состоял при дворе с 1635 года. Помимо "шутовской службы" он исполнял обязанности королевского посыльного и заведовал печатью короля. По всей видимости, об этих занятиях и говорят изображённые на картине книги, бумаги и письменные принадлежности. Считается, что портрет был написан во Фраге, провинции Уэска, во время поездки Филиппа IV по Арагону, в которой его сопровождал Диего де Аседо. На заднем плане высится пик Малисьоса горной цепи Гвадаррама.

Иероним Босх "Извлечение камня глупости" ок. 1490

В сатирической сценке с фигурами на фоне пейзажа изображена операция по извлечению "камня глупости". Надпись готическим шрифтом гласит: - "Мастер, скорей удали камень. Меня зовут Лубберт Дас". Лубберт - имя нарицательное, обозначающее невежество и простодушие. Хирург в головном уборе в виде перевёрнутой воронки, символизирующей незнание, "извлекает" камень (кувшинку) из головы доверчивого пациента и потребует с него щедрой оплаты. В то время простодушные верили в то, что в их глупости виноват камень в голове. Этим и пользовались шарлатаны.

Рафаэль (Рафаэлло Санти) "Св. семейство с ягнёнком" 1507

Мария помогает маленькому Христу сесть на ягнёнка - христианский символ грядущих Страстей Христовых, а св. Иосиф наблюдает за ними. Картина написана во Флоренции, где художник изучал творчество Леонардо да Винчи, под влиянием его композиций со Святым семейством. В Музее Прадо это единственное произведение Рафаэля, написанное в ранний период.

Альбрехт Дюрер «Портрет неизвестного» Ок. 1521

Портрет относится к позднему периоду творчества Дюрера. Написан в манере, сходной со стилем нидерландских художников. Шляпа с широкими полями привлекает внимание к лицу портретируемого, Падающий слева свет концентрирует на нём внимание зрителя. Вторым фокусом внимания на портрете выступают руки, и прежде всего левая, в которой неизвестный держит свиток - видимо, поясняющий его социальный статус.

Рогир Ван дер Вейден «Оплакивание» Ок. 1450

Образцом послужил алтарный триптих для монастыря Мирафлорес (хранится в картинной галерее Берлина), созданный Ван дер Вейденом ранее 1444 года и повторенный с некоторыми различиями. В этой версии с добавленной в неизвестный период верхней частью Мария, Христос, св. Иоанн и донатор (заказчик картины) - член семьи Броерс - изображены в одном пространстве. Художник выразительно передаёт горе богоматери, прижимающей к груди тело мёртвого сына. Трагической группе слева противопоставлена фигура донатора, отделённая камнем. Он находится в состоянии молитвенной сосредоточенности. В то время заказчики часто просили изображать себя на картинах. Но, их изображения были всегда второстепенны - где-нибудь на заднем плане, в толпе и т.д. Здесь же донатор изображён на первом плане, однако отделён от основной группы камнем и при помощи цвета.

Алонсо Кано "Мёртвый Христос, поддерживаемый ангело" ок. 1646 - 1652

На фоне сумеречного пейзажа ангел поддерживает безжизненное тело Христа. Необычная иконография этого полотна объясняется тем, что оно связано не с евангелическими текстами, а с так называемым Христом св. Григория. По преданию, папе Григорию Великому явилось видение мёртвого Христа, поддерживаемого двумя ангелами. Кано по-иному трактовал этот сюжет - только один ангел поддерживает неподвижное тело Христа.

Бартоломе Эстебан Мурильо "Богоматерь с четками" Ок. 1650 -1655

Творчество Бартоломе Эстебана Мурильо завершает золотой век испанской живописи. Работы Мурильо безукоризненно точны композиционно, богаты и гармоничны по колориту и в высшем смысле слова красивы. Его ощущения всегда искренни и деликатны, но в полотнах Мурильо уже нет той духовной мощи и глубины, которые так потрясают в работах старших его современников. Жизнь художника связана с его родной Севильей, хотя ему приходилось бывать в Мадриде и других городах. Пройдя обучение у местного живописца Хуана дель Кастильо (1584-1640), Мурильо много работал по заказам монастырей и храмов. В 1660 г. он стал президентом Академии художеств в Севилье.
Своими полотнами на религиозные сюжеты Мурильо стремился нести утешение и успокоение. Не случайно он очень часто писал образ Богоматери. Из картины в картину переходило изображение Марии в виде прелестной юной девушки с правильными чертами лица и спокойным взором. Её невинный облик должен был вызывать у зрителя чувство сладкого умиления. На этой картине Бартоломе Мурильо изобразил Мадонну и Иисуса с розарием, традиционными католическими чётками, молитве по которым придавалось большое значение во времена художника. В этой работе ещё заметны черты натурализма, преобладавшего в работах представителей Севильской школы в первой половине XVII века, однако живописная манера Мурильо уже более свободна, чем в его раннем творчестве. Эта свободная манера особенно сильно проявляется в изображении вуали Девы Марии. Художник использует яркий свет для выделения фигур на тёмном фоне и создания контраста между нежными тонами лица Богородицы и тела младенца Христа и глубокими тенями в складках тканей.
В Андалуссии XVII века пользовался особым спросом образ Богоматери с младенцем. Мурильо, чья творческая жизнь прошла в Севилье, написал множество таких, пронизанных нежностью, картин. В этом случае изображена Богоматерь с чётками. И здесь, как и в ранние годы своего творчества, художник остаётся верен своему пристрастию к светотеневым контрастам.

Бартоломе Эстебан Мурильо "Добрый пастырь" 1655-1660

Картина проникнута глубоким лиризмом и добротой. В название взяты слова из Евангелия от Иоанна: «Аз есмь пастырь добрый». Это говорит, что на картине изображен Христос, пусть и в самом раннем возрасте. В картине у Мурильо все прекрасно и просто. Художник любил писать детей, и всю эту любовь он вложил в красоту образа этого мальчика-Бога. В 1660-1670-х гг., в эпоху расцвета своего живописного мастерства, Мурильо стремился к поэтизации своих персонажей, и его часто обвиняли в некоторой сентиментальности образов и их нарочитой красивости. Однако эти упреки не совсем справедливы. Ребенка, изображенного на картине, можно увидеть и в наши дни как в Севилье, так и в окрестных селениях. И именно в этом проявлялась демократическая направленность творчества художника – в уравнивании красоты Мадонны с красотой простых испанских женщин, и красоты ее сына, маленького Христа, с красотой уличных сорванцов.

Алонсо Санчес Коэльо «Портрет инфант Изабеллы Клары Эухении и Каталины Микаэлы» 1575

На портрете принцессы, восьми и девяти лет, держат венок цветов. Санчес Коэльо писал портреты инфант - любимых дочерей короля Филиппа II и его третьей жены Изабеллы Валуа - с самого раннего их возраста. Все портреты выполнены с соблюдением канонов придворного портрета - девочки в пышных одеждах и с бесстрастными выражениями лиц.

Антон Рафаэль Менгс. Портрет короля Карлоса III. 1767

Карла III называли едва ли не единственным воистину просвещенным монархом в истории Испании. Именно им основан Музей Прадо в 1785 году, сначала как музей естественной истории. Карл III мечтал, что музей Прадо вместе с расположенными по соседству ботаническими садами станет центром научного просвещения.
Взойдя на престол, он начал проводить серьезные политические и экономические реформы, в чем так остро нуждалась страна на тот момент. Однако его усилия пропали даром – его сын Карл IV не разделял прогрессивных взглядов отца, и после смерти Карла III с реформами было покончено.
Этот портрет абсолютно типичен для своего времени. Каждой деталью художник привлекает внимание к положению, занимаемому моделью: мантия, отделанная горностаем, инкрустированный драгоценностями Мальтийский крест, блестящие доспехи – непременные атрибуты королевского величия. Пышная драпировка и пилястра (элемент классической архитектуры) – традиционный фон для подобных портретов.
Но уже в этом портрете удивительно, как представлено лицо модели. Менгс не предпринимает ни малейшей попытки уменьшить похожий на луковицу королевский нос или разгладить складки на морщинистых щеках. Благодаря максимальной индивидуальности, в этой картине создается ощущение жизни, чего не могли достичь предшественники Менгса. Портрет заставляет чувствовать симпатию к Карлосу III, который готов «показать» свою неидеальную внешность.

Антуан Ватто "Праздник в парке" ок. 1713 - 1716

Эта очаровательная сценка - типичный образец "галантных праздников" Ватто. Лёгкий туман, смазывающий очертания, почти спрятанная в листве над фонтаном статуя Нептуна и блёклый золотистый цвет - всё это передаёт атмосферу острого, но мимолётного наслаждения.
Картина принадлежала Изабелле Фарнезе, второй жене короля Филиппа V.

Антонио Карнисеро "Подъём шара Монгольфьера в Аранхуэсе" ок. 1784

Картина написана по заказу герцога и герцогини Осуэна, в ней угадывается дух эпохи Просвещения, пробудившей интерес к достижениям научного прогресса. Изображено реальное событие: в 1784 году в Королевских садах Аранхуэса в присутствии монарха, членов его семьи и придворных был совершён полёт на шаре Монгольфьера. Антонио Карнисеро был известен своими прелестными жанровыми сценами, и это полотно - одно из его самых амбиционных произведений.

Хосе де Мадрасо-и-Агудо "Любовь небесная и любовь земная" 1813

Франсиско де Сурбаран "Agnus Dei. Божий Агнец" 1635-1640

На сером столе лежит ягнёнок, резко выделяясь на тёмном фоне в остро сфокусированном ярком свете. Любой человек в XVII веке сразу узнал бы в нём "агнца божьего" и понял бы, что это намёк на самопожертвование Христа. Шерсть ягнёнка замечательно выписана и кажется такой мягкой, что трудно оторвать взгляд от животного и хочется прикоснуться к нему.

Хуан Пантоха де ла Крус «Портрет королевы Изабеллы Валуа» ок. 1604 – 1608

Пантоха де ла Крус написал этот портрет, повторив работу Софонисбы Ангишолы - оригинал сгорел во дворце в 1604 году. Художник только добавил к наряду королевы накидку из меха сурка.
Софонисба Ангишола - художница из Кремоны, работавшая при испанском дворе. Это был первый портрет молодой королевы из серии, выполненной художницей. Картина написана в манере, приближённой к испанской, но в более тёплых и светлых тонах.

Жан Ранн "Портрет Карлоса III в детстве" 1723

Луис Мелендес "Натюрморт с коробкой сладостей, кренделем и другими предметами" 1770

Крупнейший мастер испанского натюрморта XVIII в., Луис Мелендес родился в Италии, в семье художника-миниатюриста из Астурии. В 1717 году семья переехала в Мадрид, где юноша поступил на подготовительное отделение Академии Сан Фернандо, и среди самых одаренных ее учеников занял первое место. Однако в 1747 году он был вынужден оставить Академию вслед за своим отцом, изгнанным из нее в результате конфликта. В этот период Мелендес вновь посещает Италию. Помогая первоначально отцу, он стал миниатюристом, и вернувшись из Италии, был приглашен Фердинандом VI для иллюстрирования книг в Королевской капелле Мадрида. В жанре натюрморта, к которому художник обратился в начале 1760-х годов, проявилась новая грань его творчества.
Данный натюрморт написан в зрелый период творчества художника. В это время в его композициях появляются предметы роскоши, серебряная посуда. Но, тем не менее, художник по-прежнему придерживается своих идеалов и работает в русле жанровой традиции. Материальная осязаемость каждого из написанных на холсте предметов заставляет вспомнить лучшие образцы натюрморта в мировом искусстве. Осязаемое прозрачное стекло стакана отражается в матово поблескивающей поверхности серебряной вазы. Мягкий, крендель на белой салфетке, кажется пахнет только что выпеченным хлебом. Тускло поблескивает горлышко запечатанной бутылки. Чуть выступает за край освещенного стола серебряная вилка. В композиции этого натюрморта нет аскетичного построения предметов в один ряд, свойственного, например, натюрмортам Сурбарана. Пожалуй, в нем есть что-то общее с голландскими образцами. Но тон темнее, предметов меньше и композиция проще.

Хуан де Арельяно "Корзина цветов" 1670

Испанский художник эпохи барокко, специализирующийся на изображении цветочных композиций, родился в Санторказе в 1614 году. Сначала учился в мастерской неизвестного сейчас художника, но в возрасте 16 лет переехал в Мадриде, где обучался у Хуана де Солиса, художника, выполняющего заказы для королевы Изабеллы. Хуан де Арельяно долгое время жил за счет мелких заказов, включая росписи по стенам, пока не решил заняться исключительно рисованием цветов и стал непревзойденным мастером в этой области. Предполагают, что начал мастер с копирования работ других, в особенности итальянских, художников, элегантности и строгости его стилю добавили натюрморты фламандцев. Позже к этому сочетанию он прибавил собственные композиционные находки и характерную цветовую палитру.
Довольно простая композиция этого натюрморта характерна для Арельяно. Чистые, интенсивные цвета растений ярко выделяются на нейтральном коричневатом фоне за счет интенсивного освещения.