→ → Одним из драматургов обративших внимание на мир. Михаил Шатров: творчество и личная жизнь. диссертации на соискание ученой степени

Одним из драматургов обративших внимание на мир. Михаил Шатров: творчество и личная жизнь. диссертации на соискание ученой степени

Уильям Шекспир (1564, Стратфорд-на-Эйвоне, Англия — 23 апреля 1616, там же) — великий английский драматург и поэт, один из самых знаменитых драматургов мира, автор (согласно Шекспировскому канону) по крайней мере 12 трагедий, 16 комедий, 6 исторических хроник — в том числе состоящих из нескольких частей, 4 поэм и цикла из 154 сонетов.
Биография
Уильям Шекспир - английский драматург и поэт эпохи Возрождения, оказавший огромное влияние на развитие всего театрального искусства. Его произведения и сегодня не сходят с театральных подмостков всего мира.
Уильям Шекспир родился 23 апреля 1564 года в маленьком городке Стратфорд-на-Эйвоне. Его отец, Джон Шекспир, был перчаточником, в 1568 г. был избран мэром города. Его мать, Мэри Шекспир из рода Арден, принадлежала к одной из старейших английских фамилий. Считается, что Шекспир учился в стратфордской «грамматической школе», где изучил латинский язык, основы греческого и получил знания античной мифологии, истории и литературы, отразившиеся в его творчестве. В возрасте 18-ти лет, Шекспир женился на Энн Хэтуэй, от брака с которой появились на свет дочь Сюзанна и близнецы Гамнет и Джудит. Промежуток с 1579 по 1588 гг. принято называть "утерянными годами", т.к. нет точных сведений о том, чем занимался Шекспир. Примерно в 1587 г. Шекспир покинул свою семью и переселился в Лондон, где занялся театральной деятельностью.
Первое упоминание о Шекспире, как о писателе, мы находим в 1592 г. в предсмертном памфлете драматурга Роберта Грина "На грош ума, купленного за миллион раскаяния", где Грин отозвался о нем как об опасном конкуренте. В 1594 г. Шекспир числиться одним из пайщиков труппы Ричарда Бербеджа «Слуги лорда-камергера». В 1599 г. Шекспир становится одним из совладельцев нового театра "Глобуса". К этому времени Шекспир становится достаточно состоятельным человеком, покупает второй по величине дом в Стратфорде, получает право на фамильный герб и дворянское звание ЂЂЂ джентльмен. В течение многих лет Шекспир занимался ростовщичеством, а в 1605 г. стал откупщиком церковной десятины. В 1612 г. Шекспир покидает Лондон и возвращается в родной Стратфорд.
Уход Шекспира . Примерно в 1610 Шекспир покинул Лондон и возвратился в Стратфорд-на-Эйвоне. До 1612 не терял связи с театром: в 1611 написана Зимняя сказка, в 1612 - последнее драматургическое произведение, Буря. Последние годы жизни отошел от литературной деятельности, и жил тихо и незаметно в кругу семьи. Вероятно, это было связано с тяжелой болезнью - на это указывает сохранившееся завещание Шекспира, составленное явно наспех 15 марта 1616 и подписанное изменившимся почерком. 23 апреля 1616 в Стратфорде-на-Эйвоне скончался самый знаменитый драматург всех времен и народов.
Весь творческий путь Шекспира - промежуток с 1590 по 1612 гг. обычно разделяют на три или четыре периода.
I (оптимистический) период (1590-1600 гг.)
Общий характер произведений первого периода можно определить как оптимистичный, окрашенный радостным восприятием жизни во всей его разнообразности, верой в торжество умного и хорошего. В этот период Шекспир большей частью пишет комедии:
Комедия ошибок
Укрощение строптивой
Два Веронца
Бесплодные усилия любви
Сон в летнюю ночь
Виндзорские проказницы
Много шума из ничего
Как вам это понравится
Двенадцатая ночь
Тема комедий Шекспира любовь, ее возникновение и развитие, сопротивление и интриги окружающих и победа светлого молодого чувства. Действие произведений происходит на фоне прекрасных пейзажей, залитых лунным или солнечным светом. Персонажи Шекспира многогранны, в их образах воплощены черты, характерные для людей эпохи Возрождения: воля, стремление к независимости, и жизнелюбие. Особенно интересны женские образы комедий - равные мужчине, свободные, энергичные, активные и бесконечно обаятельны. Комедии Шекспира разнообразны. Шекспир использует различные жанры комедий - романтическая комедия, комедия характеров, комедия положений.
В этот же период (1590-1600) Шекспир пишет ряд исторических хроник. Каждая из которых охватывает один из периодов английской истории.
О времени борьбы Алой и Белой розы:
Генрих VI (три части)
Ричард III
О предшествующем периоде борьбы между феодальными баронами и абсолютной монархией:
Ричард II
Генрих IV (две части)
Генрих V
В этот же период Шекспир пишет две трагедии:
Ромео и Джульетта
Юлий Цезарь
II (трагический) период (1601-1607 гг.)
Считается трагическим периодом творчества Шекспира. Посвящен преимущественно трагедии. Именно в этот период драматург достигает вершины своего творчества:
Гамлет (1601)
Отелло (1604)
Король Лир (1605)
Макбет (1606)
Антоний и Клеопатра (1607)
Кориолан (1607)
В них уже нет и следа гармонического ощущения мира, здесь раскрываются конфликты вечные и неразрешимые. Здесь трагедия заключена не только в столкновении личности и общества, но и во внутренних противоречиях в душе героя. Проблема выводится на общий философский уровень, причем характеры остаются необычайно многогранными и психологически объемными. При этом очень важно, что в великих трагедиях Шекспира полностью отсутствует фаталистическое отношение к року, предопределяющему трагедию. Главный акцент, как и прежде, ставится на личности героя, формирующего свою судьбу и судьбы окружающих.
В этот же период Шекспир пишет две комедии:
Конец - делу венец
Мера за меру
III (романтический) период (1608-1612 гг.)
Считается романтическим периодом творчества Шекспира.
Произведения последнего периода его творчества:
Цимбелин
Зимняя сказка
Буря
Это - поэтические сказки, уводящие от реальности в мир мечты. Полный осознанный отказ от реализма и уход в романтическую фантазию закономерно трактуется шекспироведами как разочарование драматурга в гуманистических идеалах, признание невозможности достижения гармонии. Этот путь - от торжествующе-ликующей веры в гармонию к усталому разочарованию - фактически прошло и все мировоззрение Ренессанса.

Театр Шекспира «Глобус»
Мировой популярности пьес Шекспира способствовало отличное знание драматургом театра «изнутри». Практически вся лондонская жизнь Шекспира была так или иначе связана с театром, причем с 1599 - с театром «Глобус». Сюда в только что отстроенное здание переселилась труппа Р. Бербеджа «Слуги лорда-камергера», как раз в то время, когда Шекспир стал одним из пайщиков труппы. Шекспир играл на сцене примерно до 1603. Как актер Шекспир не пользовался особой популярностью - сохранились сведения о том, что он исполнял второстепенные и эпизодические роли. Зрительский успех был очень важен для Шекспира и как для театрального пайщика, и как для драматурга - и после 1603 он оставался крепко связанным с «Глобусом», на сцене которого ставились практически все написанные им пьесы. Устройство зала «Глобуса» предопределяло совмещение на одном спектакле зрителей самых разных социальных и имущественных слоев, при этом театр вмещал не менее 1500 зрителей. Перед драматургом и актерами вставала сложнейшая задача удерживать внимание разнородной аудитории. Пьесы Шекспира в максимальной степени отвечали этой задаче, пользуясь успехом у зрителей всех категорий.
Мобильную архитектонику шекспировских пьес во многом обусловили и особенности театральной техники XVI в. - открытая сцена без занавеса, минимум реквизита, крайняя условность сценического оформления. Это заставляло концентрировать внимание на актере и его сценическом мастерстве. Каждая роль в шекспировских пьесах психологически объемна и предоставляет огромные возможности ее сценической интерпретации; лексический строй речи меняется не только от пьесы к пьесе и от персонажа к персонажу, но и трансформируется в зависимости от внутреннего развития и сценических обстоятельств.
Язык и сценические средства Шекспира
Вообще язык драматургических произведений Шекспира богат: по исследованиям филологов и литературоведов, его словарь насчитывает более 15000 слов. Речь персонажей изобилует всевозможными тропами - метафорами, аллегориями, перифразами и т.д. Драматург использовал в своих пьесах множество форм лирической поэзии XVI в. - сонет, канцону, альбу, эпиталаму и др. Белый стих, которым в основном написаны его пьесы, отличается гибкостью и естественностью. Этим обусловлена огромная притягательность творчества Шекспира для переводчиков. Минимализм сценических средств Ренессанса позволил драматургии Шекспира органично влиться в новый этап развития мирового театра, датируемый началом 20 в. - театра режиссерского, ориентированного не на отдельные актерские работы, а на общее концептуальное решение спектакля. Невозможно перечислить даже общие принципы всех многочисленных шекспировских постановок - от подробной бытовой трактовки до крайней условно-символической; от фарсово-комедийной до элегически-философской или мистериально-трагедийной. Любопытно, что пьесы Шекспира до сих пор ориентированы на зрителей практически любого уровня - от эстетствующих интеллектуалов до невзыскательной зрительской аудитории.
Вопрос об авторстве
 А существовал ли Шекспир? Этот вопрос интриговал не только наших современников. В книге "Шекспир" М. Морозов сообщает, что "антишекспиристы" появились еще в XVIII веке, и первым претендентом на авторство в 1772 году был назван Фрэнсис Бэкон. Автор цитирует Герберта Лоренса, друга знаменитого актера Дэвида Гаррика: "Бэкон сочинял пьесы. Нет надобности доказывать, насколько он преуспел на этом поприще. Достаточно сказать, что он назывался Шекспиром".
Вопрос об авторстве произведений Шекспира впервые возник в 1785 г., когда Джеймс Уилмот сделал предположение, о том что Фрэнсис Бэкон является автором этих произведений. Эти выводы он сделал когда посетил Стратфорд, чтобы собрать сведения о жизни Шекспира. Нашлось лишь несколько юридических документов с шестью подписями Шекспира, оставленными едва ли привычной к перу рукой, и ни одного документа подтверждающего его литературную деятельность. Свои выводы Джеймс Уилмот не опубликовал.
В 1828-1832 гг. была напечатана «Кабинетная энциклопедия» Дионисия Ларднера, в которой утверждалось, что пьесы Шекспира «изобилуют грубейшими непристойностями - более грубыми, нежели у любого из современных драматургов». В 1848 г., видимо под влиянием «Кабинетной энциклопедии», полковник Джозеф Харт в своем «Романе о прогулке на яхте» предположил, что Шекспир «покупал или добывал тайком» пьесы других авторов, которые впоследствии «приправлял непристойностями, сквернословием и грязью».
В 1856 г. журналистка Делия Бэкон в своей статье выдвигает предположение о том, что пьесы Шекспира были плодом коллектива авторов, во главе которого был Фрэнсис Бэкон. Для доказательства своей версии она отправилась в Англию, где провела несколько лет изучая материалы эпохи Шекспира. В Стратфорде в церкви Святой Троицы, она попыталась вскрыть могилу Шекспира, ожидая найти в ней архив рукописей, однако ее задержали местные сторожа. Делия Бэкон первой обратила внимание на расхождения в написании подписей Шекспира, из чего вытекало, что он точно не знал, из каких букв состоят его имя и фамилия. Свою теорию она изложила в 1857 г. в в обширной монографии «Раскрытая философия пьес Шекспира».
Так начинается образовываться «антистратфордианское» или «нестратфордианское» движение, отвергающее авторство Уильяма Шекспира из Стратфорда. К «антистратфордианскому» движению присоединяются такие выдающиеся личности, как Марк Твен и Зигмунд Фрейд, которые также сомневались в существовании Шекспира. Круг кандидатов на авторство произведений Шекспира становился все больше и больше - граф Дерби, граф Эссекс, королева Елизавета, Кристофер Марло, граф Оксфорд и граф Рэтленд. На данный момент насчитывается уже 77 кандидатов на авторство.

Хотелось бы отдельно поговорит о ранней драматургии писателя, так как это довольно интересный и спорный во многом вопрос. Как уже было замечено, до сих пор наука о Горьком не имеет работ, в которых проблема жанра пьес 1902-1904 гг. рассматривалась бы как центральная. Однако свои версии и предположения ученые высказывали часто. Стоит напомнить также, что жанр - категория многоаспектная, соответственно предметом исследования нередко мог стать один из носителей жанра. Даже при отсутствии окончательных или недостаточно аргументированных выводов такие работы представляют ценный материал для исследователя, работающего в русле историко-функционального изучения литературного произведения.

Анализ обозначенных работ позволяет выявить ряд любопытных тенденций. Особую значимость здесь приобретает понимание тех кардинальных различий, что произошли в мировоззрении европейского человека в ХХ столетии и выразились в смене «картин мира».

«Картина мира», или «система интуитивных представлений о реальности», всегда «опосредована тем культурным языком, на котором говорит данная группа». Своя «картина мира» формируется у любой социопсихологической единицы, каковой может быть как отдельная личность, так и все человечество, а также и у любого культурного явления. Свои «картины мира» можно выделить у символизма, акмеизма, сюрреализма, постмодернизма и т.д. И все же, как пишет культуролог В.Руднев, ХХ век не был бы единством, если бы нельзя было хоть в общих чертах обрисовать его «картину мира» в целом».

В самом деле «картина мира» XIX века в целом представляется позитивистской, или материалистической: бытие первично - сознание вторично. Конечно, большую роль в ХIХ в. играли идеалистические и романтические представления, где все было наоборот, но в целом «картина мира» ХIХ в. видится именно такой - позитивистской.

В ХХ в. противопоставление бытия и сознания перестало играть определяющую роль. Вперед вышло противопоставление язык - реальность или текст - реальность. Наиболее важным моментом в этой динамике становится проблема поиска границ между текстом и реальностью. Применительно к драматургии Горького можно утверждать наличие нескольких тенденций (типов) восприятия, которые формируются именно на различных представлениях о мире, различных «картинах мира». Основой для их выделения могут служить различия:

В представлениях критиков и ученых о соотношении искусства и жизни, мира художественного и мира реального (т.е. текста и реальности);

В подходе к пониманию и истолкованию основных задач искусства;

В представлениях исследователей о способах решения этих задач.

При анализе исследователь соответственно говорит о теме, идее (проблематике), поэтике произведения.

Можно выделить три наиболее очевидные тенденции восприятия ранней драматургии Горького в ХХ столетии:

- «реалистическое»;

- «этико-психологическое»;

- «символистское».

Стоит сразу оговорить, что ни одно из данных определений не выводится непосредственно из созвучных литературно-художественных течений XIX-XX вв. «Реалистами», «этиками», «символистами» в данном контексте именуются критики и ученые, утверждавшие соответствующее понимание драматургии Горького.

«Реалистическое» направление могли исповедовать (или приписывать другим писателям) поклонники как «натуральной школы», так и критического реализма, и даже символизма. Самой тенденции можно было бы дать другое название - «социальная», «бытовая», «натуральная» и т.д. Однако каждое из этих определений отмечает лишь какую-то часть объединенных в него научно-критических работ.

Между тем «реалистическое» направление характеризуется отчетливой целостностью. Прежде всего - благодаря установке (убежденности) критиков и исследований, что художник изображает жизнь такой, какова она есть, в «формах самой жизни». Таким образом, основой для многих работ «реалистического» направления становится доминировавший в XIX веке гносеологический подход к искусству («искусство есть отражение действительности»), который основывается на вере в познаваемость мира (гностицизм).

При анализе художественного произведения на первый план соответственно выходит проблема верности изображения художником окружающего мира. Персонажи социально типизированы, конфликт возникает в ходе столкновения между этими героями по идейным или каким-либо другим мотивам. Пространственно-временные характеристики являются своего рода «дополнением» к душевным переживаниям героев, описываемым событиям, не играя существенной роли в истолковании произведения.

Разного рода художественные изыски ученые - «реалисты» либо не приемлют, считая их бессмысленным «формотворчеством», лишенным содержательной (а точнее - идейной) ценности, либо просто не замечают. При анализе художественного произведения ученые «реалистического» направления апеллируют, как правило, к простой, сформированной предшествующей культурой технике. Многие из них в разное время утверждали, что вся драматургия Горького - это драматургия реалистического толка, творчески наследующая и развивающая традиции критического реализма XIX века.

Чаще всего при обращении к исследованиям драматургии Горького в данном направлении мы будем встречаться с такими жанровыми определениями его пьес как социальная драма, социально-бытовая драма, несколько реже - социально-психологическая драма.

Убеждение, что действие горьковских пьес движется стремлением автора доказать ту или иную идею, философскую доктрину, дает основание критикам и ученым «реалистического» направления утверждать, что вся ранняя драматургия Горького представлена жанровой разновидностью «философской драмы». Персонажи становятся средством выражения этой философемы, причем лишь некоторые из них признаются героями-идеологами. Как правило, это герои, должные выражать авторскую точку зрения: Нил, Марья Львовна, Влас, Сатин и др. Трагическое начало при этом нивелируется или затушевывается. Позиция самого автора предельно ясна, не оставляет никаких сомнений.

Второй тип восприятия может быть обозначен как «этико-психологический». Как и «реалистический», «этико-психологический» подход предполагает, что «искусство есть отражение действительности». Однако действительность социальная, вообще эмпирическая здесь перестает играть определяющую роль.

На первый план выступает духовный мир человека, и реальный мир для «этиков» - прежде всего мир «глубины души человеческой», по выражению Ф. Достоевского, со всеми его чувствами, переживаниями, мыслями, догадками, идеями, сомнениями, озарениями. Важна жизненная позиция человека, его «этика».

Поэтому внимание акцентируется не на внешних атрибутах человеческого бытия, а на внутренних мотивах его поведения и поступков. Важнейшей темой для ученых - «этиков» становится проблема нравственного самостояния человека, мало или совсем не волновавшая ученых-»реалистов». Под влиянием толчка извне внутренний мир каждого из персонажей как бы просыпается от спячки, приходит в движение, начинает «бродить». Это духовное «брожение» действующих лиц, которые в финале должны прийти к открытию для себя той или иной «правды», и составляет сюжет каждой пьесы.

«Этико-психологический» тип восприятия можно назвать следствием глубоко укоренившейся в российском сознании убежденности в воспитательной роли литературы. В какой-то степени исследовательская работа для каждого из ученых этого направления - средство выражения собственных взглядов на мир и человека.

Отсюда и часто присутствующая в работах этого направления повышенная эмоциональность, ярко выраженная субъективность, порой даже пристрастность. Отсюда - внимание к героям «с идеалом», стремление вывести их в центр художественного повествования. Характерно, что большинство критиков и ученых этого направления в пьесы «На дне» ставили Луку - человека с ярко выраженной гуманистической философией, лишенной как будто сатинского цинизма или нигилизма Бубнова. Художественное произведение здесь становится средством выражения определенных идей и концепций, имеющих не только функцию отражения жизни, но также и воспитательные, педагогические задачи. Понятие «философская драма» применительно к ранним пьесам Горького перестает носить декларативный характер, драматургия Горького приобретает характер «идейной» в смысле мировоззренческой.

Меняется представление о поэтике горьковских пьес. Горьковскую драматургию в этом понимании уже невозможно представить всего лишь «яркой картиной быта дореволюционной России», чуть ли не натуралистическим «слепком с действительности» (такие крайности возможны в «реалистическом» истолковании). Она приобретает характер психологической, социально-психологической, морально-этической драмы или драмы-притчи.

Принципиально отличен от обеих тенденций восприятия третий тип - «символистский». С одной стороны, он как бы синтезирует предыдущие два типа, с другой, противопоставляет себя им. Синтезирует - объявляя, что в каждой горьковской пьесе наличествует два плана - бытовой, реальный и «этический», духовный. Противопоставляет - утверждая, что ни одно не из них не может быть признано истинным окончательно.

Название тенденции отсылает к влиятельному художественному течению начала века, с идейной и художественной системой которого она действительно имеет немало общего. Прежде всего необходимо обратить внимание на принцип «двуединства» в художественной системе символизма. Занимаясь поисками высшей реальности, ценностей, находящихся за пределами чувственного восприятия, символисты воспринимают искусство как средство интуитивного постижения мирового единства, обнаружения символических аналогий между земным и трансцендентным мирами. «Символистское» направление восприятия также исходит в своей основе из принципа двуединства мира - мира как внешнего, познаваемого чувственным опытом, и мира как представления о нем. Художественное произведение здесь уже не есть отражение существующей реальности. Оно - ее воссоздание. Главная задача драматурга - проникнуть в сокровенные тайны бытия, понять мотивы его движения, изменения, загадки существования.

Идея изображения личности с ее сложными душевными переживаниями уходит на второй план. Действие движут идеи, мысли (всегда - во множественном числе), которые есть вехи на пути поисков истинной реальности. Каждое действующее лицо - прежде всего не характер, психологически достоверный тип, а - герой мыслящий, резонёр, герой-идеолог, носитель определенного мировоззрения. Именно это качество горьковских образов имел в виду, например, Б.Зингерман, когда писал о «пристрастии Горького к героям-умницам»:

«У Горького в пьесах попадаются и не очень умные люди. Но изображены они в тот единственный в их жизни момент, когда их интеллектуальные силы предельно напряжены, когда даже этих людей посещают необыкновенные по остроте и ясности мысли откровения. Как правило, персонажи Горького - люди на редкость сильного и своеобычного ума. Каждый - философ» Зингерман, Б. И. Школа Горького / Б. И. Зингерман. Театр. -1957,-№8. -С. 47-52..

При этом ни одна из представленных точек зрения теперь не может быть признана окончательной, ни один герой не может оказаться единственно «правым» или стать центром действия. Поэтому у горьковских пьес всегда в этом понимании - «открытый финал».

Особое значение - нередко, одно из определяющих в истолковании художественного произведения, - в «символистском» истолковании приобретают пространственно-временные характеристики, становясь символическим выражением авторского представления о мире. Практически всегда критики и ученые-»символисты» в своих обозначениях жанра или жанровой разновидности пьес Горького останавливались на определении «философской драмы».

Три обозначенные тенденции, развиваясь и видоизменяясь, сумели просуществовать в отечественной науке до настоящего времени. Внутренне каждая из них характеризуется широким диапазоном истолкований и интерпретаций. У каждого типа восприятия своя судьба в истории литературы ХХ столетия.

Как правило, господство одного типа не означало полного забвения другого: в разные периоды и эпохи каждая из обозначенных тенденций имела своих поклонников и исследователей. Однако можно выделить периоды доминирования каждой из них. Так, например, до второй половины 50-х в советской науке господствует «реалистический» подход, на протяжении последующих двух десятилетий - «этико-психологический», наконец, с середины 80-х гг. - «символистский».

1900-е годы характеризуются таким богатством художественной жизни, что трудно сразу понять, чья же позиция «перевешивала» в этот период. Пестрота литературной жизни, многообразие форм творчества, противоречивость литературных исканий и острота идеологической борьбы - первое, что бросается в глаза при знакомстве с искусством конца ХIХ - начала ХХ вв. В этот период происходило обновление всех видов художественного творчества, но вместе с тем живы были и традиции искусства предшествующего столетия. Критики оценивали новые произведения то с позиций традиционного искусства, то с позиций искусства авангардного.

Критики-«реалисты» утверждают, что драмы Горького от артистов «не требуют никакой работы, кроме «фотографического изображения». Александр Блок утверждает, что «Мещане» Горького и написанная сугубо в реалистическом, а где-то даже и в натуралистическом ключе пьеса С.Найденова «Дети Ванюшина» как бы «продолжают друг друга, почти могут быть прочтены, как одна пьеса в восьми действиях».

В то же время Дмитрий Мережковский убежден, что «социальные атрибуты» в пьесах Горького - «всего лишь внешнее облачение», в действительности же «горьковский босяк - тот же чеховский интеллигент, обнаженный и от этих последних покровов некоторых умственных и нравственных условностей, совсем «голый человек». «Что у Горького - «На дне», то у Достоевского - «Подполье»: и то, и другое - прежде всего, не внешнее, социально-экономическое положение, а внутреннее, психологическое состояние». А.Кугель писал, что Луку в пьесе «На дне» следовало бы играть «трансцендентально, как некий образ всюду поспевающей и исцеляющей доброты». В 1912 г. автор краткой репортерской заметки в журнале «Рампа и жизнь» обратил внимание на «несколько инфернальный реализм» той же пьесы. Вогюэ де Э.М. Максим Горький. Его личность и произведения. Критический очерк / Э.М. де Вогюэ. М.:Изд. книгопродавца М.В, Клюкина, 1903.-112 с.

О том, является Горький-драматург «реалистом» или «символистом», спорили не только в России. А.Кугель на страницах своего журнала «Театр и искусство» в 1903 г. свидетельствовал: «Исполнитель роли Луки в «На дне» М.Горького на сцене польского театра в Кракове обратился в редакцию «Театр и искусство» с просьбою объяснить характер роли Луки.

По словам артиста, местные газеты упрекали его в том, что он, играл роль Луки реально, тогда как-де Лука - образ символический, «трансцендентальный», по любимому выражению Сатина».

Многие критики - «реалисты» пропагандировали точку зрения, согласно которой в своих драматических опытах «Максим Горький является всем, чем угодно, - проповедником, современным беллетристом (Карикатура Овода из журнала ""Стрекоза"" - 1902), мыслителем, - только не художником». В начале века ведущий критик и публицист журнала «Русский вестник» писал, что, «чувствуя, что тот набор разговоров, который он (Горький) выбрасывает на подмостки, не может быть причислен ни к трагедии, ни к драме, ни к комедии, он назвал «Мещан» драматическим эскизом».

«О Горьком как о художнике им больше двух слов говорить не надо», - утверждает Мережковский в статье «Чехов и Горький» (1906). Здесь же Мережковский заявляет, что «в произведениях Горького нет искусства, но в них есть то, что едва ли не менее ценно, чем самое высокое искусство: жизнь, правдивейший подлинник жизни, кусок, вырванный из жизни с телом и кровью...». Мережковский Д.С. Грядущий Хам. Чехов и Горький. -- М., 1906.

Концепция несценичности горьковских пьес получает в этот период широкое распространение. Подпись под одной из карикатур того же времени (Горький изображен на ней глубоко задумавшимся) гласила: «Горький размышляет после написания «Мещан» - драматург он теперь или не драматург?» После ""Мещан"": Максим Горький размышляет: драматург ли он или нет? (""Наше время"") Не один критик начала века отказывался рассматривать новое произведение Горького «с точки зрения его литературно-художественных достоинств», а «только как иллюстрацию к жизни».

Горького называли «наименее искусным из драматургов» и в зарубежной печати, чьи дайджесты публиковали российские газеты и журналы. О «На дне» писали, например, следующее. «Нет более плохой драмы, более невозможного литературного произведения!» («Der Tag»). «В общепринятом смысле эти сцены (...) нельзя назвать драматическим произведением» («Magdeburg Zeit»). «Горький не драматург...» («Berl. Neueste Nachrichten. В 1903 г. в Англии вышла книга Диллона «Максим Горький, его жизнь и творчество» (Dillon Е.J. Maxim Gorky, his Life and Writings. London,1903). Рецензия на нее была помещена в журнале «Литературный вестник», автор которой цитировал, в частности, высказывания Диллона о том, что все горьковские герои «грешат против художественной правды. Из-за них бесцеремонно выступает сам автор, делая их глашатаями своих идей». Поэтому Горький, «начиная, как поэт, продолжает, как эссеист и кончает, как памфлетист».

Батюшков не сомневался в «ярком художественном таланте» Горького и одновременно находил в нем преобладание «публицистичности», и потому «чисто эстетические» оценки, с какими надлежит подходить к творчеству Чехова, считал неприложимыми к Горькому. Сходное мнение звучало и в другом рассуждении. Чехов, сказано в одной статье, изображал интеллигенцию еще более черными красками, чем Горький, но это не бросалось в глаза, потому что Чехов создает объективные картины жизни, а Горький - в противоположность ему - всегда более склонен изобразить «душевные настроения личностей», соответственно «запросам своей души». Даже тогда, когда оба писателя к ряду явлений относятся одинаково, субъективность горьковского таланта приводит к тому, что, то, что у других прикрыто, у него «звучит, как памфлет».

Естественно, эти высказывания не могли не сыграть своей роли в формировании оценок драматургии Горького в России в целом. В «реалистическом» направлении пьесы Горького действительно воспринимались чаще всего в границах жанра памфлета.

В статьях именно этих критиков формируется в те годы представление о публицистичности как ведущем начале горьковских пьес.

Их авторы писали, что Горького в драматургии влекла главным образом возможность «наглядно выразить идеи». «Рассказывать Горький ужасно не любит, всегда что-нибудь доказывает», - пишет К. Чуковский - Чуковский К. Наследство и наследники: [К 15-летию] // Лит. газ. - 1947. - 15 нояб.. Такое решение вопроса, в сущности, способно было примирить и неприятелей, и поклонников Буревестника - и тех, и других было немало среди тех, кто исповедовал «реалистическое» истолкование его пьес.

Для многих из них ценность произведения часто определялась именно утверждаемой идеей общественно-политического характера. Е.Аничков видел в Луке «представителя передового, независимого искания правды в народной среде» .

В целом драма «На дне», по мнению одного из критиков, явилась «до некоторой степени воспитательной силой и органически входит в общий процесс демократизации жизни». «Горький понимает мещанство метафорически, как религию узкого себялюбия, эгоизма в буквальном смысле слова. Но это не эгоизм самосохранения, это притязательность догмы, утратившей свое содержание. Всякая форма, закончившая свою эволюцию, должна постепенно распасться, уступить свое место новой. Это неизбежно, жизнь есть движение, бесконечная смена форм», - замечал Н.Николаев.

Сравнивая мнения и оценки разных авторов, приходишь, однако, к выводу не столько об идеологической начинке самих горьковских пьес, сколько о перенасыщенности идеями общества, в эпоху существования которого им довелось родиться. Причем идеями всякого рода - от откровенно конъюнктурных политических, от мировоззренческих до научно-философских.

Не удивительно поэтому, что критики практически всех трех направлений связывали пьесы Горького с жанровой разновидностью «философской драмы». Уже при первом появлении «На дне» они стали сопоставлять Луку со старцем Зосимой из романа «Братья Карамазовы» Ф.Достоевского и Акимом из пьесы «Власть тьмы» Л.Толстого.

Одни считали персонажей Достоевского и Толстого прототипами Луки, другие давали определения - «неудачное подражание» или «пародия». В целом же, как подмечал К.Чуковский, «у Горького нет ни одного героя, который бы не философствовал. Каждый чуть появится на его страницах, так и начинает высказывать свою философию. Каждый говорит афоризмами; никто не живет самостоятельно, а только для афоризмов. Живут и движутся не для движения, не для жизни, а чтобы философствовать». Эта особенность вызывала немало и восторгов, и насмешек, но далеко не все видели в этой условности художественный прием.

Убеждение, что Горький в своих драматических опытах является публицистом, повлекло за собой уверенность в твердости, определенности авторской позиции в произведениях, авторском настроении, целостности его мировоззрения. Среди придерживавшихся такой точки зрения на драматургию Горького оказываются и критики-»реалисты», и «символисты». По этому поводу якобы очевидной авторской позиции иронизировал К.Чуковский: «Одного я понять не могу: почему же у Горького никогда не бывает сразу нескольких идей в голове, почему же у него только одна идея, очень хорошая, но только одна? - и не то всегда меня в нем огорчало, что он имеет эту идею, а то, что он не имеет других. Это я считаю основным и главнейшим его грехом» Чуковский К. Наследство и наследники: [К 15-летию] // Лит. газ. - 1947. - 15 нояб.

Одновременно вызывало недоумение и раздражение - опять же, истинное ли? - намерение автора закамуфлировать собственные мысли и оценки.

«Желая замаскировать истинную свою мысль (в «На дне»), Горький запутался и сбился», - писал «реалист» Стародум. К числу недостатков пьес «Дети солнца» и «Варвары» «символист» А.Кугель относил «ту более остроумную, нежели художественную, игру в прятки автора с читателем, которая превращает главную идею автора в какую-то двубокую шараду». Все-таки некоторые критики признавались в невозможности понять, на чьей же стороне в действительности драматург?

Ю.Беляев вопрошал: «Кто же выходит из этой борьбы «двух правд» двух поколений победителями и кто побежденными - этого не поймешь у Горького. (...) «Дети Бессеменова» с их новыми взглядами менее мне понятны, чем «дети Ванюшина». Чего они хотят, эти дети, и что представляют собой, (...) не вполне ясно».

Спор о двух центральных фигурах следующей горьковской пьесы «На дне» Луке и Сатине - кто же из них в действительности является авторским голосом в пьесе? - возник вследствие все той же видимой ясности, а в действительности не такой уж и простой авторской позиции Горького в драме. И если в дальнейшем споры о «Дачниках» были менее бурными, противоречивость центральных образов пьес «Дети солнца» (прежде всего образа Протасова) и «Варвары» (Надежды Монаховой) вновь повергла в смятение многих.

До поражения первой русской революции 1905-1907 гг. критики активно утвердить - каждый по-своему - существование некоей «железной» идеи в авторской концепции, пытались представить конфликт как решаемый, завершенный, имеющий ясный, определенный финал. С этой целью очень часто персонажей в каждой из пьес разбивали на два противоборствующих лагеря. Совершенно очевидными становились политические приоритеты критиков, но все же далеко не всегда такое разделение обусловливалось только лишь соображениями идейно-политического характера.

Иностранные интерпретаторы, оценивая горьковские пьесы, отмечали также с одной стороны, их тенденциозность, с другой, восхищались «жизненностью» созданных образов и особым пафосом. Диллон (если верить русским издателям) охарактеризовал персонажей Горького как «создание поразительной силы».

Пауль Гольдман удивлялся: «Каждое действующее лицо проходит перед зрителем, как живое». Российские критики в оценке изображения Горьким характеров своих персонажей были менее единодушны. Автор «Одесских новостей» писал, например, что действующие лица тех же «Мещан» «не живут и в воображении их творца». Как бы возражая ему, рецензент «Курьера» утверждал: «Вся жизнь ее (пьесы «Мещане») - в характерах и в диалоге». И тут же и тот и другой критик замечают, что «в пьесе Горького - слишком мало движения», что она «не дышит, не движется». Все это только усиливало восприятие ранних пьес Горького как близких жанру памфлета.

Критиковавшие Горького и его пьесу принимали за аксиому адекватность созданного писателем образа его замыслу, не высказывавшие сомнений на этот счет, изъяны искали в самом герое, в его характере и мироотношении.

Другие замечали: «Нас хотели уверить, будто Нил из «Мещан» для Горького нормальный человек. (...) Нил не был бы тогда у Горького таким тупицей. По-моему, всех этих Артемов, Нилов и Гордеевых надо брать, как они даются, cum grano salis («С умом, с иронией» (лат.))». Споря уже тогда с убеждением в политической ориентированности образа Нила, другой рецензент убежденно писал: «Не ищите у Нила каких-нибудь общественных идеалов, кроме стремления инстинктивного к жизни, к личному счастью».

Вывод: Во-первых, пьесы Максима Горького раннего периода «сопротивляются» истолкованию их в русле «реалистического» типа. Хотя это не означает, что данное восприятие в корне неверно, однако оно заметно сужает диапазон истолкований драм «Мещане», «На дне», «Дачники», как правило, вводя ее в рамки исключительно жанра социально-бытовой драмы или комедии.

Во-вторых, ранняя драматургия Горького рождалась и развивалась под сильным влиянием художественного явления «новой драмы» рубежа XIX-XX вв., впитывая ее достижения в области поэтики и одновременно пытаясь полемизировать с ее идеологией.

С одной стороны, открытый «новой драмой» трагизм повседневности присущ и горьковской драматургии, однако к проблеме этой Горький подошел уже с иной точки зрения, что и стало основой для зарождения в его произведениях для театра трагикомического конфликта.

С другой стороны, многие художественные принципы «новой драмы», усвоенные Горьким, сделали возможным истолкование его драматургии сквозь призму многих жанров и жанровых разновидностей, берущих свое начало именно в этом явлении начала века - вплоть до истолкования в русле «театра абсурда».

Наконец, явное тяготение пьес М. Горького раннего периода к истолкованию их в русле трагикомического жанра также можно считать следствием близости к эстетике «новой драмы». Тенденция эта проявилась настолько очевидно в истории функционирования пьес «Мещане», «На дне» и «Дачники» в ХХ столетии, что понадобился дополнительный анализ, подтвердивший верность предварительных наблюдений. Можно считать вывод о том, что в истории отечественной литературы пьесы Горького раннего периода представляют жанр трагикомедии.

В процессе этого анализа был также сделан еще один вывод: драматургия Горького - это еще и интеллектуальный театр. Именно этим объясняются, с одной стороны, длительные периоды охлаждения к ней театров, а с другой, ее популярность в кризисные периоды истории, которые характеризуются повышенной интеллектуальностью.

Здесь можно сразу оговорить, что данное определение жанровой разновидности не отменяет понятия «философская драма» в отношении пьес Горького.

Однако если последнее относится в большей мере к содержанию этих произведений, то понятие «интеллектуальная драма» характеризует прежде всего поэтику пьесы, ее форму, которая - в силу своей многогранности, многоаспектности, многослойности - способна до бесконечности приращивать смыслы художественному созданию.

Следовательно, при истолковании пьес Горького именно через понимание высокой интеллектуализированности их формы лежит путь к новым трактовкам драматургии Горького.

Тема почти всех комедий Шекспира - любовь, ее возникновение и развитие, сопротивление и интриги окружающих и победа светлого молодого чувства. Действие произведений происходит на фоне прекрасных пейзажей, залитых лунным или солнечным светом. Таким предстает перед нами волшебный мир комедий Шекспира, казалось бы, далекий от веселья. Шекспир обладает великой способностью, талантливо соединять комическое (поединки в остроумии Бенедикта и Беатриче в «Много шума из ничего», Петруччо и Катарина из «Укрощения строптивой») с лирическим и даже с трагическим (измены Протея в "Двух веронцах", козни Шейлока в "Венецианском купце"). Персонажи Шекспира поразительно многогранны, в их образах воплощены черты, характерные для людей эпохи Возрождения: воля, стремление к независимости, и жизнелюбие. Особенно интересны женские образы этих комедий - равные мужчине, свободные, энергичные, активные и бесконечно обаятельны. Комедии Шекспира разнообразны. Шекспир использует различные жанры комедий - романтическая комедия («Сон в летнюю ночь»), комедия характеров («Укрощение строптивой»), комедия положений («Комедия ошибок»).

В этот же период (1590-1600) Шекспир пишет ряд исторических хроник. Каждая из которых охватывает один из периодов английской истории.

О времени борьбы Алой и Белой розы:

  • Генрих VI (три части)

    • О предшествующем периоде борьбы между феодальными баронами и абсолютной монархией:

  • Генрих IV (две части)

    • Жанр драматической хроники свойственен только английскому Ренессансу. Скорее всего, так получилось потому, что любимым театральным жанром раннего английского средневековья были мистерии на светские мотивы. Драматургия зрелого Возрождения формировалась под их влиянием; и в драматических хрониках сохранены многие мистериальные черты: широкий охват событий, множество персонажей, свободное чередование эпизодов. Однако в отличие от мистерий, в хрониках представлена не библейская история, а история государства. Здесь, в сущности, он тоже обращается к идеалам гармонии - но гармонии именно государственной, которую видит в победе монархии над средневековой феодальной междоусобицей. В финале пьес торжествует добро; зло, как бы ни страшен и кровав был его путь, низвергнуто. Таким образом, в первый период творчества Шекспира на разных уровнях - личностном и государственном - трактуется главная ренессансная идея: достижение гармонии и гуманистических идеалов.

    В этот же период Шекспир пишет две трагедии:

    II (трагический) период (1601-1607 гг.)

    Считается трагическим периодом творчества Шекспира. Посвящен преимущественно трагедии. Именно в этот период драматург достигает вершины своего творчества:

    В них уже нет и следа гармонического ощущения мира, здесь раскрываются конфликты вечные и неразрешимые. Здесь трагедия заключена не только в столкновении личности и общества, но и во внутренних противоречиях в душе героя. Проблема выводится на общий философский уровень, причем характеры остаются необычайно многогранными и психологически объемными. При этом очень важно, что в великих трагедиях Шекспира полностью отсутствует фаталистическое отношение к року, предопределяющему трагедию. Главный акцент, как и прежде, ставится на личности героя, формирующего свою судьбу и судьбы окружающих.

    В этот же период Шекспир пишет две комедии:

    III (романтический) период (1608-1612 гг.)

    Считается романтическим периодом творчества Шекспира.

    Произведения последнего периода его творчества:

    Это - поэтические сказки, уводящие от реальности в мир мечты. Полный осознанный отказ от реализма и уход в романтическую фантазию закономерно трактуется шекспироведами как разочарование драматурга в гуманистических идеалах, признание невозможности достижения гармонии. Этот путь - от торжествующе-ликующей веры в гармонию к усталому разочарованию - фактически прошло и все мировоззрение Ренессанса.

    Театр Шекспира «Глобус»

    Несравненной мировой популярности пьес Шекспира способствовало отличное знание драматургом театра «изнутри». Практически вся лондонская жизнь Шекспира была так или иначе связана с театром, причем с 1599 - с театром «Глобус» , бывшим одним из важнейших центров культурной жизни Англии. Именно сюда в только что отстроенное здание переселилась труппа Р.Бербеджа «Слуги лорда-камергера», как раз в то время, когда Шекспир стал одним из пайщиков труппы. Шекспир играл на сцене примерно до 1603 - во всяком случае, после этого времени упоминаний о его участии в спектаклях нет. По-видимому, как актер Шекспир не пользовался особой популярностью - сохранились сведения о том, что он исполнял второстепенные и эпизодические роли. Тем не менее, сценическая школа была пройдена - работа на сцене, несомненно, помогла Шекспиру точнее понять механизмы взаимодействия актера со зрителем и секреты зрительского успеха. Зрительский успех был очень важен для Шекспира и как для театрального пайщика, и как для драматурга - и после 1603 он оставался крепко связанным с «Глобусом», на сцене которого ставились практически все написанные им пьесы. Устройство зала «Глобуса» предопределяло совмещение на одном спектакле зрителей самых разных социальных и имущественных слоев, при этом театр вмещал не менее 1500 зрителей. Перед драматургом и актерами вставала сложнейшая задача удерживать внимание разнородной аудитории. Пьесы Шекспира в максимальной степени отвечали этой задаче, пользуясь успехом у зрителей всех категорий.

    Мобильную архитектонику шекспировских пьес во многом обусловили и особенности театральной техники XVI в. - открытая сцена без занавеса, минимум реквизита, крайняя условность сценического оформления. Это заставляло концентрировать внимание на актере и его сценическом мастерстве. Каждая роль в шекспировских пьесах (часто - написанная на конкретного актера) психологически объемна и предоставляет огромные возможности ее сценической интерпретации; лексический строй речи меняется не только от пьесы к пьесе и от персонажа к персонажу, но и трансформируется в зависимости от внутреннего развития и сценических обстоятельств (Гамлет, Отелло, Ричард III и др.). Недаром множество актеров с мировыми именами блистали в ролях шекспировского репертуара.


    Славная история театра Шекспира «Глобус» началась в 1599, когда в Лондоне, отличавшемся большой любовью к театральному искусству, один за другим строились здания публичных общедоступных театров. При сооружении «Глобуса» были использованы строительные материалы , оставшиеся от разобранного здания самого первого общественного лондонского театра (он так и назывался - «Театр»). У владельцев здания, труппы знаменитых английских актеров Бербеджей, истек срок земельной аренды; вот они и решили отстроить театр на новом месте. К этому решению, несомненно, был причастен и ведущий драматург труппы - Уильям Шекспир, к 1599 ставший одним из пайщиков театра Бербеджа «Слуги лорда-камергера».

    Театры для широкой публики строились в Лондоне по преимуществу за пределами Сити, т.е. - за пределами юрисдикции лондонского муниципалитета. Это объяснялось пуританским духом городских властей, враждебно относящихся к театру вообще. «Глобус» представлял собой типичное здание общедоступного театра начала 17 в.: овальное помещение - в форме римского амфитеатра, огороженное высокой стеной, без крыши. Свое название театр получил от украшавшей его вход статуи Атланта, поддерживающего земной шар. Этот земной шар («глобус») был опоясан лентой со знаменитой надписью: «Весь мир лицедействует» (лат. Totus mundus agit histrionem; более известный перевод: «Весь мир - театр»).

    Сцена примыкала к задней части здания; над ее глубинной частью возвышалась верхняя сценическая площадка, т.н. «галерея»; еще выше находился «домик» - строение с одним или двумя окнами. Таким образом, в театре было четыре места действия: просцениум, глубоко вдававшийся в зал и окруженный публикой с трех сторон, на котором разыгрывалась основная часть действия; глубинная часть сцены под галереей, где разыгрывались интерьерные сцены; галерея, которая использовалась для изображения крепостной стены или балкона (здесь появлялся призрак отца Гамлета или шла известная сцена на балконе в Ромео и Джульетте); и «домик», в окнах которого тоже могли показываться актеры. Это позволяло выстраивать динамичное зрелище, закладывая уже в драматургию разнообразные места действия и меняя точки зрительского внимания, - что помогало поддерживать интерес к происходящему на площадке. Это было чрезвычайно важно: не нужно забывать, что внимание зрительного зала не поддерживалось никакими вспомогательными средствами - спектакли шли при дневном свете, без занавеса, под непрерывный гул публики, оживленно обменивавшейся впечатлениями в полный голос.

    Зрительный зал «Глобуса» вмещал, по разным источникам, от 1200 до 3000 зрителей. Точную вместимость зала установить невозможно - сидячие места для основной массы простолюдинов предусмотрены не были; они теснилась в партере, стоя на земляном полу. Привилегированные зрители располагались с некоторыми удобствами: по внутренней стороне стены шли ложи для аристократии, над ними помещалась галерея для зажиточных. Самые богатые и знатные сидели по бокам сцены, на переносных трехногих табуретах. Никаких дополнительных удобств для зрителей (включая туалеты) не было; физиологические нужды при необходимости справлялись запросто, по ходу спектакля - прямо в зрительном зале. Поэтому отсутствие крыши можно было расценивать скорее как благо, нежели как недостаток - приток свежего воздуха не давал задохнуться преданным поклонникам театрального искусства.

    Впрочем, подобная простота нравов вполне отвечала тогдашним правилам этикета, и театр «Глобус» очень скоро стал одним из главных культурных центров Англии: на его сцене ставились все пьесы Уильяма Шекспира и других выдающихся драматургов эпохи возрождения.

    Однако в 1613, во время премьеры шекспировского Генриха VIII, в театре случился пожар: искра от сценического пушечного выстрела попала в соломенную крышу над глубинной частью сцены. Исторические свидетельства утверждают, что жертв при пожаре не было, но здание сгорело дотла. Конец «первого Глобуса» символически ознаменовал собой смену литературно-театральных эпох: примерно к этому времени Уильям Шекспир перестал писать пьесы.


    Письмо о пожаре в «Глобусе»

    "А теперь я развлеку тебя рассказом о том, что случилось на этой неделе в Бэнксайде. Актеры Его Величества играли новую пьесу под названием «Все истинно» (Генрих VIII), представляющую основные моменты правления Генриха VIII. Постановка была оформлена с необычайной пышностью, и даже покрытие на сцене было удивительно красиво. Рыцари орденов Георгия и Подвязки, стражники в расшитых мундирах и прочее -всего хватало с лихвой, чтобы сделать величие узнаваемым, если не смехотворным. Итак, король Генрих устраивает маску в доме кардинала Вулси: он появляется на сцене, раздается несколько приветственных выстрелов. Одна из пуль, по-видимому, застряла в декорациях - и тут все произошло. Сначала был виден лишь небольшой дымок, на который зрители, увлеченные тем, что происходило на сцене, не обратили никакого внимания; но через какую-то долю секунды огонь перекинулся на крышу и стал стремительно распространяться, уничтожив менее чем за час всю постройку до основания. Да, то были гибельные мгновения для этого добротного строения, где и сгорели-то всего лишь дерево, солома да несколько тряпок. Правда, на одном из мужчин загорелись брюки, и он мог запросто поджариться, но он (благодарение небесам!) вовремя догадался потушить пламя с помощью эля из бутылки."

    Сэр Генри Уоттон


    Вскоре здание было отстроено заново, уже из камня; соломенное перекрытие над глубинной частью сцены было заменено черепичным. Труппа Бербеджа продолжала играть во «втором Глобусе» до 1642, пока пуританским парламентом и лордом-протектором Кромвелем не был издан указ о закрытии всех театров и запрещении каких бы то ни было театральных увеселений. В 1644 пустовавший «второй Глобус» был перестроен в помещение под сдачу в аренду. История театра прервалась более чем на три века.

    Идея современной реконструкции театра «Глобус» принадлежит, как ни странно, не англичанам, а американскому актеру, режиссеру и продюсеру Сэму Уанамейкеру (Sam Wanamaker). Он приехал в Лондон впервые в 1949, и около двадцати лет вместе со своими единомышленниками по крупицам собирал материалы о театрах Елизаветинской эпохи. К 1970 Уанамейкер основал Трастовый Фонд Шекспировского Глобуса, предназначенный для реконструкции утраченного театра, создания в нем образовательного центра и постоянной выставочной экспозиции. Работа над этим проектом продолжалась более 25 лет; сам Уанамейкер умер в 1993, почти за четыре года до открытия реконструированного «Глобуса». Ориентиром для воссоздания театра стали раскопанные фрагменты фундамента старого «Глобуса», а также - близлежащего театра «Роза», где ставились шекспировские пьесы в «до глобусовские» времена. Новое здание построено из древесины «зеленого» дуба, обработанного в соответствии с традициями 16 в. и расположено почти на том же месте, что и прежде - от старого «Глобуса» новый отстоит метров на 300. Бережная реконструкция внешнего вида сочетается с современным техническим оснащением здания.

    Новый «Глобус» был открыт в 1997 под названием «Шекспировский театр "Глобус"». Поскольку, согласно историческим реалиям, новое здание выстроено без крыши, спектакли в нем проходят только весной и летом. Однако экскурсии в старейшем лондонском театре «Глобус» проводят ежедневно. Уже в нынешнем веке рядом с восстановленным «Глобусом» открыт тематический парк-музей, посвященный Шекспиру. Там размещена самая большая в мире выставочная экспозиция, посвященная великому драматургу; для посетителей организованы разнообразные тематические увеселительные мероприятия: здесь можно попробовать самому написать сонет; посмотреть бой на мечах, и даже принять участие в постановке шекспировской пьесы.

    Язык и сценические средства Шекспира

    Вообще язык драматургических произведений Шекспира необычайно богат: по исследованиям филологов и литературоведов, его словарь насчитывает более 15000 слов. Речь персонажей изобилует всевозможными тропами - метафорами, аллегориями, перифразами и т.д. Драматург использовал в своих пьесах множество форм лирической поэзии XVI в. - сонет, канцону, альбу, эпиталаму и др. Белый стих, которым в основном написаны его пьесы, отличается гибкостью и естественностью. Этим обусловлена огромная притягательность творчества Шекспира для переводчиков. В частности, в России к переводам шекспировских пьес обращались множество мастеров художественного текста - от Н.Карамзина до А.Радловой, В.Набокова, Б.Пастернака, М.Донского и др.

    Минимализм сценических средств Ренессанса позволил драматургии Шекспира органично влиться в новый этап развития мирового театра, датируемый началом 20 в. - театра режиссерского, ориентированного не на отдельные актерские работы, а на общее концептуальное решение спектакля. Невозможно перечислить даже общие принципы всех многочисленных шекспировских постановок - от подробной бытовой трактовки до крайней условно-символической; от фарсово-комедийной до элегически-философской или мистериально-трагедийной. Любопытно, что пьесы Шекспира до сих пор ориентированы на зрителей практически любого уровня - от эстетствующих интеллектуалов до невзыскательной зрительской аудитории. Этому, наряду со сложной философской проблематикой, способствуют и запутанная интрига, и калейдоскоп различных сценических эпизодов, перемежающих патетические сцены с комедийными, и включение в основное действие поединков, музыкальных номеров и т.д.

    Драматургические произведения Шекспира стали основой и многих спектаклей музыкального театра (оперы Отелло, Фальстаф (по Виндзорским насмешницам) и Макбет Д.Верди; балет Ромео и Джульетта С.Прокофьева и мн. другие).

    Уход Шекспира

    Примерно в 1610 Шекспир покинул Лондон и возвратился в Стратфорд-на-Эйвоне. До 1612 не терял связи с театром: в 1611 написана Зимняя сказка, в 1612 - последнее драматургическое произведение, Буря. Последние годы жизни отошел от литературной деятельности, и жил тихо и незаметно в кругу семьи. Вероятно, это было связано с тяжелой болезнью - на это указывает сохранившееся завещание Шекспира, составленное явно наспех 15 марта 1616 и подписанное изменившимся почерком. 23 апреля 1616 в Стратфорде-на-Эйвоне скончался самый знаменитый драматург всех времен и народов.

    Влияние творчества Шекспира на мировую литературу

    Влияние образов, созданных Уильямом Шекспиром, на мировую литературу и культуру, сложно переоценить. Гамлет, Макбет, король Лир, Ромео и Джульетта – эти имена давно уже стали нарицательными. Их используют не только в художественных произведениях, но и в обычной речи как обозначение какого-либо человеческого типа. Для нас Отелло – ревнивец, Лир – родитель, обездоленный наследниками, которых он сам и облагодетельствовал, Макбет - узурпатор власти, а Гамлет – личность, которую разрывают внутренние противоречия.

    Шекспировские образы оказали огромное влияние и на русскую литературу XIX века. К пьесам английского драматурга обращались И.С. Тургенев, Ф.М. Достоевский, Л.Н. Толстой, А.П. Чехов и другие писатели. В XX веке усилился интерес к внутреннему миру человека и мотивы и герои шекспировских произведений вновь волновали поэтов. Мы находим их у М. Цветаевой, Б. Пастернака, В. Высоцкого.

    В эпоху классицизма и Просвещения за Шекспиром признавали способность следовать "природе", но осуждали за незнание "правил": "гениальным варваром" называл его Вольтер. Английская просветительская критика ценила жизненную правдивость Шекспира. В Германии на недосягаемую высоту Шекспира подняли И. Гердер и Гёте (этюд Гёте "Шекспир и несть ему конца", 1813-1816). В период романтизма понимание творчества Шекспира углубляют Г. Гегель, С. Т. Кольридж, Стендаль, В. Гюго.

    В России Шекспир впервые упомянут в 1748 году А. П. Сумароковым, однако и во 2-й половине XVIII века Шекспира в России знают ещё мало. Фактом русской культуры Шекспир становится в 1-й половине XIX века: к нему обращаются писатели, связанные с движением декабристов (В. К. Кюхельбекер, К. Ф. Рылеев, А. С. Грибоедов, А. А. Бестужев и др.), А. С. Пушкин, видевший главные достоинства Шекспира в его объективности, правде характеров и "верном изображении времени" и развивавший традиции Шекспира в трагедии "Борис Годунов". В борьбе за реализм русской литературы на Шекспира опирается и В. Г. Белинский. Значение Шекспира особенно возросло в 30-50-е годы 19 века. Проецируя на современность шекспировские образы, А. И. Герцен, И. А. Гончаров и др. помогали глубже осмыслить трагизм времени. Заметным событием стала постановка "Гамлета" в переводе Н. А. Полевого (1837) с П. С. Мочаловым (Москва) и В. А. Каратыгиным (Петербург) в главной роли. В трагедии Гамлета В. Г. Белинский и другие передовые люди эпохи увидели трагедию своего поколения. Образ Гамлета привлекает внимание И. С. Тургенева, разглядевшего в нём черты "лишних людей" (ст. "Гамлет и Дон-Кихот", 1860), Ф. М. Достоевского.

    Параллельно с осмыслением творчества Шекспира в России углублялось и расширялось знакомство с самими произведениями Шекспира. В 18 - начале 19 веков переводились в основном французские переделки Шекспира. Переводы 1-й половины 19 века грешили либо буквализмом ("Гамлет" в пер. М. Вронченко, 1828), либо излишней вольностью ("Гамлет" в переводе Полевого). В 1840-1860 переводы А. В. Дружинина, А. А. Григорьева, П. И. Вейнберга и др. обнаружили попытки научного подхода к решению задач художественного перевода (принцип языковой адекватности и т.п.). В 1865-1868 годах под редакцией Н. В. Гербеля вышло первое "Полное собрание драматических произведений Шекспира в переводе русских писателей". В 1902-1904 годах под редакцией С. А. Венгерова было осуществлено второе дореволюционное Полное собрание сочинений Шекспира.

    Традиции передовой русской мысли продолжило и развило советское шекспироведение на основе глубоких обобщений, сделанных К. Марксом и Ф. Энгельсом. В начале 20-х годов лекции о Шекспире читал А. В. Луначарский. На первый план выдвигается искусствоведческий аспект изучения шекспировского наследия (В. К. Мюллер, И. А. Аксёнов). Появляются историко-литературные монографии (А. А. Смирнов) и отдельные проблемные работы (М. М. Морозов). Значительный вклад в современную науку о Шекспире представляют работы А. А. Аникста, Н. Я. Берковского, монография Л. Е. Пинского. Своеобразно осмысляют природу творчества Шекспира кинорежиссёры Г. М. Козинцев, С. И. Юткевич.

    Критикуя аллегории и пышные метафоры, гиперболы и непривычные сравнения, "ужасы и шутовство, рассуждения и эффекты" - характерные черты стиля шекспировских пьес, Толстой принял их за приметы исключительного искусства, обслуживающего запросы "высшего сословия" общества. Толстой в то же время указывает и на многие достоинства пьес великого драматурга: его замечательное "умение вести сцены, в которых выражается движение чувств", необыкновенную сценичность его пьес, их подлинную театральность. В статье о Шекспире содержатся глубокие суждения Толстого о драматическом конфликте, характерах, развитии действия, о языке персонажей, о технике построения драмы и т. д.

    Он говорил: "Вот я себе позволял порицать Шекспира. Но ведь у него всякий человек действует; и всегда ясно, почему он поступает именно так. У него столбы стояли с надписью: лунный свет, дом. И слава богу, потому что все внимание сосредоточивалось на существе драмы, а теперь совершенно наоборот". Толстой, "отрицавший" Шекспира, ставил его выше драматургов - своих современников, создававших бездейственные пьесы "настроений", "загадок", "символов".

    Признав, что под влиянием Шекспира развивалась вся мировая драматургия, не имеющая "религиозного основания", Толстой отнес к ней и свои "театральные пьесы", заметив при этом, что они были написаны "случайно". Так, критик В. В. Стасов, восторженно встретивший появление его народной драмы "Власть тьмы", находил, что она написана с шекспировский мощью.

    В 1928 году по впечатлениям от прочтения шекспировского "Гамлета" М. И. Цветаева пишет три стихотворения: "Офелия - Гамлету", "Офелия в защиту королевы" и "Диалог Гамлета с совестью".

    Во всех трех стихотворениях Марины Цветаевой можно выделить единый мотив, превалирующий над другими: мотив страсти. Причем в роли носительницы идей "горячего сердца" выступает Офелия, которая у Шекспира предстает образцом добродетели, чистоты и невинности. Она становится ярой защитницей королевы Гертруды и даже отождествляется со страстью.

    С середины 30-х годов 19 века Шекспир занимает большое место в репертуаре русского театра. П. С. Мочалов (Ричард III, Отелло, Лир, Гамлет), В. А. Каратыгин (Гамлет, Лир) - прославленные исполнители шекспировских ролей. Свою школу их театрального воплощения - сочетание сценического реализма с элементами романтики - создал во 2-й половине 19 - начале 20 веков московский Малый театр, выдвинувший таких выдающихся интерпретаторов Шекспира, как Г. Федотова, А. Ленский, А. Южин, М. Ермолова. В начале 20 века к шекспировскому репертуару обращается МХАТ ("Юлий Цезарь", 1903, постановка Вл. И. Немировича-Данченко при участии К. С. Станиславского; "Гамлет", 1911, постановка Г. Крэга; Цезарь и Гамлет - В. И. Качалов

    А так же:

    Михаил Шатров - драматург, с чьим именем связывают целую эпоху советской общественной жизни и российской драматургии. В его пьесах, посвященных периоду революции и Гражданской войны, отразилась романтика тех лет и все противоречия, присущие тому времени.

    Михаил Шатров является одним из наиболее известных драматургов самой поздней советской эпохи, автором пьес о революции и жизни ее вождей. Характеры героев его революционных пьес выходят далеко за рамки официальной советской истории. Образы Ленина, Сталина, Троцкого, Свердлова в его творчестве полны объемных драматических черт. Михаил Шатров ставил свои пьесы во многих ведущих театрах страны - в «Ленкоме», «Современнике», Театре Ермоловой. Постановки всегда вызывали большой резонанс. Зрителями одной из его пьес, шедшей во МХАТе, стал однажды весь состав Политбюро во главе с секретарем ЦК КПСС Леонидом Ильчом Брежневым.

    Михаил Шатров: биография

    Будущий драматург родился 03.04.1932 г. в Москве, в семье известного инженера Ф. С. Маршака и Ц. А. Маршак. Отец будущей знаменитости был репрессирован и расстрелян в 1938-м. Мать также была репрессирована и амнистирована в 1954-м. Является родственником С. Я. Маршака, известного советского поэта. Тетя драматурга, Н. С. Маршак, в первом браке являлась супругой руководителя Коминтерна О. Пятницкого, во втором - видного советского деятеля А. Рыкова.

    Известно, что Михаил Шатров после школы, которую окончил с серебряной медалью, стал студентом Московского горного института, где в числе его сокурсников был будущий вице-мэр Москвы Владимир Ресин. В начале 1950-х Михаил Шатров (фото представлено в статье) проходил практику в Алтайском крае. Здесь, работая бурильщиком, начал писать. Шатров Михаил - драматург, который впервые заявил о себе в 1954-м, когда была опубликована первая пьеса молодого автора - «Чистые руки». В 1961-м писатель вступает в партию.

    Шатров Михаил - драматург, являющийся лауреатом Государственной премии Советского Союза (1983 г.), кавалером орденов Трудового Красного Знамени и Дружбы народов.

    В 1990-х Шатров становится сопредседателем организации «Апрель», объединившей многих советских литераторов, публицистов, журналистов и критиков, поддерживающих политические и экономические реформы Михаила Горбачева, членом общественного совета СДПР, возглавляет совет руководителей объединения «Москва - Красные холмы».

    Известный драматург умер от сердечного приступа 23.05.2010 г., в Москве, в возрасте 79 лет. Похоронен на Троекуровом кладбище.

    Шатров Михаил Филиппович: творчество

    Великая Раневская, намекая на пристальное внимание драматурга к ленинской тематике, называла его «современной Крупской». Олег Табаков, народный артист Советского Союза, считал, что Михаил Шатров, биография и творческий путь которого всегда были предметом активного интереса почитателей, является «очень самостоятельной и особой фигурой советской драматургии» постхрущёвского периода. М. Швыдкой, бывший министр культуры РФ, считал, что в пьесах Шатрова отражена целая историческая эпоха, все этапы формирования и развития общественных сил в СССР, глубоко проанализированы явления, рожденные хрущёвской оттепелью и брежневским застоем.

    Начало

    Михаил Шатров (фото в молодости не сохранились) свои первые произведения опубликовал в 1952-м. Это были небольшие рассказы и сценарии, публикация которых принесла начинающему писателю средства, необходимые для поездок к матери, отбывающей срок после ареста в 1949-м.

    Самыми серьезными потрясениями тех лет были: так называемое «дело врачей» и кончина Сталина, на похоронах которого молодой драматург присутствовал. Эти знаковые для страны события навсегда остались в его памяти и отразились в его последующем творчестве.

    В 1954-м, будучи студентом, Шатров создал драму о школьной жизни - «Чистые руки». В качестве отрицательного героя он изобразил здесь секретаря комсомольской организации. Молодежной проблематике драматург уделяет внимание и в последующих пьесах: «Место в жизни» (1956), «Современные ребята» (1963-й), «Лошадь Пржевальского» (1972-й). Последняя ставилась под другим названием - «Моя любовь на третьем курсе». Уже о первых работах Шатрова благосклонно отзывались серьезные критики.

    Тема революции

    Первой пьесой, посвященной теме революции и написанной уже после разоблачения культа Сталина, была «Именем революции», рассчитанная на подростковую аудиторию (поставлена Московским ТЮЗом). Стержнем пьесы, как и всей последующей драматургии, было провозглашение верности идеям революции, воспевание честности и благородства ее участников и развенчание забвения и попрания высоких революционных свершений нынешним поколением. «Коммунисты» («Если каждый из нас»), «Продолжение» (1959, «Глеб Космачев»), в которых драматург предпринял попытки более глубоко взглянуть на революционные события, были запрещены.

    Образ Ленина

    Значительным событием в творческой жизни драматурга стало знакомство с кинорежиссером М. Роммом, которое вылилось в формирование замысла создать в театре и кино образ В.И. Ленина безо всякого хрестоматийного глянца. Не менее важным драматург считал описание действий вождя в условиях реальной исторической ситуации, восстановление драматического контекста эпохи, изображение окружавших великого человека людей и их с ним взаимоотношения.

    В 1969-м началась работа Шатрова над кинороманом, основанным на исторических событиях - «Брестский мир». В данном произведении все реальные исторические герои действовали соответственно своим политическим и идейным воззрениям. На первом плане была изображена драматургия политической жизни, полная непримиримой борьбы и конфликтов. Анонсирование романа состоялось в 1967-м, само же произведение вышло в журнале «Новый мир» А. Твардовского спустя 20 лет - в 1987-м.

    Зрелость мастера

    В пьесе «Шестое июля» (документальная драма, 1962-й) был воплощен принципиально новаторский подход драматурга к изображению образов врагов: Мария Спиридонова, противник большевиков, была изображена как цельный, искренний, идейно убежденный человек. Пьеса имела громкий успех, однако вызвала резко негативный отклик в партийной печати. Одновременно М. Шатров написал сценарий, по которому режиссером Ю. Карасиком был снят фильм, получивший на XVI кинофестивале (Карловы Вары) Главный приз (1968 году).

    В это же время драматург начинает работу над созданием цикла "Драмы революции", в котором поднимает острейшие проблемы жизни общества на крутых переломах истории. Одним из главнейших в цикле является вопрос о революционном насилии, его границах, допустимости и условиях применения. В пьесе «Большевики» из данного цикла была взята за основу история покушения на В. И. Ленина. На первом плане драматургом решался вопрос о причинах возникновения «белого» и «красного» террора, о насилии как средством управления и власти. Вокруг произведения Шатрова разгорелась настоящая партийно-идеологическая борьба. Пьеса была показана без официального разрешения цензуры. Благословение на ее показ было дано лично министром культуры Е. Фурцевой. Это был беспрецедентный случай в истории советского театра.

    Отход от ленинской тематики

    К этому периоду творчества М. Шатрова относится создание им сценария четырех киноновелл о В. И. Ленине, поставленных на телевидении режиссером Л. Пчелкиным. Набирала силу кампания по обвинению драматурга в искажении исторической правды. Недоброжелатели утверждали, что автором подтасовываются документы, проводится ревизионистская линия. В результате телесериал вышел на экраны только в 1988-м. Драматургу было запрещено писать на историко-революционную тематику. Грозило исключение из партии. М. Шатров отходит от ленинской тематики и обращается к современности.

    Другие темы

    В 1973-м он пишет производственную драму «Погода на завтра». Материалом для создания произведения послужило грандиозное сооружение Волжского автомобильного завода и происходившие в рабочем коллективе процессы. В 1975-м в Театре Советской армии была поставлена посвященная 30-летию великой Победы пьеса «Конец» («Последние дни ставки Гитлера»). Постановка была сопряжена со многими трудностями. В это же время пьесу поставили в ГДР. Истории прихода нацистов к власти М. Шатров посвятил сценарий «Когда другие молчат» (в 1987-м). На примере жизни и судьбы революционерки Клары Цеткин в произведении была поднята проблема личной ответственности политического деятеля за ошибки, которые он совершил перед партией и народом. Большой успех имели социально-бытовая комедия М. Шатрова «Мои Надежды» (постановка Московского театра им. Ленинского комсомола). В пьесе показаны судьбы трех женщин, выражающие идеалы поколений 20-70-х годов.

    Возвращение к теме В. И. Ленина

    В 1978-м драматург возвращается к излюбленной историко-революционной тематике. В пьесе «Синие кони на красной траве» («Революционный этюд») Шатровым апробируются новые возможности жанра документальной драмы. Автор насыщает ее лирическим пафосом, свободно сочетая исторические реалии с поэтическим вымыслом. Новаторство драматургии заключалось в том, что образ вождя создавался без применения черт портретного сходства. Актер перевоплощался, не используя грима и привычного произношения. Оставались лишь отдельные «хрестоматийные» элементы внешнего облика (кепка, галстук в горошек, и т. д.). Главным было воспроизведение поведения и типа мышления. Пьеса была построена в виде обращения к потомкам и завещания им.

    Начиная с 1976-го драматург работает над исследованием и отражением в творчестве различных аспектов взаимодействия моральности и политики. Выходят из-под его пера сценарии: «Доверие», «Две строчки мелким шрифтом», пьесы: «Вам завещаю» («Так победим!»), «Диктатура совести» и др. В своих работах драматург углубляет анализ ошибок, допущенных в годы революции и гражданского лихолетья. В 1983-м за пьесу «Диктатура совести» Шатров был удостоен Государственной премии Советского Союза.

    Пьеса «Дальше... дальше... дальше!» (1988-й), стала последней работой М. Шатрова, в которой был подведен итог его размышлениям над политическим наследием В. И. Ленина, над ролью в советской истории И. В. Сталина, над проблемой сталинизма в целом. Произведение вызвало бурную дискуссию в обществе. Резко выступили против Шатрова ученые-ретрограды, апеллировавшие к прежним партийным догмам, имел место целый поток писем читателей, поддерживающих взгляды драматурга и обвинявших его в предательстве высоких исторических идеалов. В 1989 -м текст пьесы был издан со всеми откликами, вызванными ее появлением, в книге «Дальше... дальше... дальше! Дискуссия вокруг одной пьесы».

    Завершение творческой деятельности

    Последним произведением драматурга стала пьеса «Может быть», написанная им в 1993-м в Штатах, где Шатров пребывал по приглашению Гарвардского университета. Пьесу поставил Королевский театр Манчестера, она шла в течение двух месяцев и была представлена 60 раз. Актуальным для американской публики было то, что произведение воссоздавало атмосферу страха, распространившуюся в Америке в годы маккартизма. Страха, способного изуродовать психику людей и превратить их в предателей и подлецов в любой стране. Весной 1994-го Шатров возвращается на родину.

    В годы перестройки

    В бурные годы перестройки писатель принимает активное участие в публицистической и общественной деятельности, которой он и ранее уделял большое внимание (длительное время занимал должности руководителя семинара начинающих драматургов в Союзе писателей, секретаря правления Союза писателей и театральных деятелей (СТД). В 1988-м издает написанные в разное время статьи в книге «Необратимость перемен».

    Сразу после своего избрания секретарем правления СТД М. Шатров стал добиваться реализации своей самой заветной мечты - создания в столице международного центра культуры, который объединял бы под своей крышей многие виды искусств: живопись, кино, театр, музыку, литературу, телевидение. В 1987-м постановлением Моссовета на набережной Москвы-реки был выделен под строительство участок земли. Проект будущего строительства был разработан театральными архитекторами Ю. Гнедовским, В. Красильниковым, Д. Солоповым. М. Шатров всецело сосредоточился на строительстве. Осенью 1994-го было создано закрытое акционерное общество «Москва - Красные Холмы». М.Ф. Шатров занял в нем должности президента и председателя совета руководителей. В июле 1995-го началось строительство центра, который был открыт в 2003-м.

    Значение творчества

    Резонанс, вызываемый в обществе многими пьесами М. Шатрова, был очень велик. Драматург удостоен многих государственных наград. Значение его творчества кинокритик Алла Гербер определила так: «Во времена, когда правды совсем не было, полуправда, которую несли пьесы Шатрова, была для нас очень важна».

    Михаил Шатров: личная жизнь

    По утверждениям близких, Шатров был довольно скрытным человеком. Друзьям драматург сознался, что был неоднократно женат. Но, как свидетельствует его окружение, прессе долгое время не удавалось узнать, с кем живет Михаил Шатров: личная жизнь драматурга была за семью печатями. После его смерти журналисты узнали некоторые подробности. В частности, известно, что культовый драматург был четырежды официально женат.

    Впрочем, на склоне лет кое-что о себе поведал в интервью сам Михаил Шатров. Жены выдающегося драматурга: актрисы Ирина Миронова, Ирина Мирошниченко, Елена Горбунова, последний брак - с Юлией Чернышевой, которая была младше мужа на 38 лет. Дети драматурга: дочь от первого брака Наталья Миронова, филолог-славист, дочь от четвертого брака Александра - Мишель, родившаяся в США в 2000-м. Михаил Шатров и Ирина Мирошниченко (вторая жена драматурга) не имели детей.

    1.Благодаря своего особого таланта М.Волошин создал новые художественные формы, подобных которым ещё не было в литературе.

    Вопреки правил пунктуации, журналисты часто употребляют тире вместо двоеточия.

    Благодаря душевности, доброте, взаимопониманию родителей в семье всегда царили мир и согласие.

    Вопреки мнению скептиков, есть факты, подтверждающие существование внеземных цивилизаций.

    Вопреки желанию больного, его положили в больницу.

    2.Сразу по приезду в губернский город Чичиков попытался установить деловые связи с местными чиновниками.

    По завершению эксперимента ученые опубликуют письменный отчет.

    По приезде из Петербурга Гоголь поселился в доме Аксаковых.

    По приезде в Дерпт новый губернатор дал бал.

    Отправитель просит ответить сразу по получении письма.

    На прошлой лекции преподаватель говорил о том, что уровень речевой культуры в нашей стране невысок.

    Радиослушатель спрашивает, вправе ли допускать переделки классических спектаклей?

    4.В стихотворении А.А.Фета «Диана» есть описание статуи богини – покровительницы охоты.

    В комедии «Недоросль» есть целый ряд персонажей, чьи фамилии стали нарицательными.

    В картине художника Богатова «Соседки» поражает роскошный интерьер комнаты.

    Среди научных трудов Ф. И. Буслаева прежде всего следует упомянуть его книгу «Историческую грамматику русского языка».

    В поэме «Василий Теркин» воспевается подвиг русского солдата.

    В стихотворении А.Блока «Скифы» прослеживаются традиции русской литературы 19 века.

    Лексические повторы – средство выразительности в стихотворении Лермонтова «Бородино».

    В картине Остроухова «Золотой осени» многоцветие осени словно яркий веселый ковер с нарядным орнаментом.

    О великой силе любви Орфея и Эвридики рассказывается в книге «Мифы Древней Эллады».

    В повести Пушкина «Дубровский» изображены картины крепостного прошлого России.

    5.Русские поэты 19-20 веков знали и использовали народную символику .



    Вчера я добрался до Ялты и встретил там много знакомых.

    Мемуары знакомят нас с эпохой и дают полное представление о том или ином писателе.

    Интернет сохраняет огромные базы данных по разным вопросам науки и позволяет ими пользоваться .

    Дети редко прислушиваются и выполняютсоветы старших.

    Идя домой через липовую аллею, Григорий медленно вдыхал и наслаждался волшебными ароматами.

    Возьмем два чистых листа бумаги и согнем их пополам.

    Химическая реакция показывает и помогает разобраться в составе вещества.

    Музыка воплощает в форму самые сложные чувства и передает их.

    6.Те, кто побывал на смотровой площадке Останкинской телебашни, реально представляют масштабы Москвы.

    Все, кто бы ни писал о русской природе, отмечал её поэтичность и живописность.

    Все, кто интересовался историей русской литературы, знакомы с творчеством русских беллетристов 19 века.

    Никто из тех, кто играл в школьной баскетбольной команде, не стал профессиональным спортсменом.

    Кто бы ни изучал биографию Пушкина, подчеркивал, что его поэтический талант необычайно расцветал в осеннюю пору.

    Многие из тех, кто знал Чехова, вспоминали о его лютой ненависти к самовозвеличиванию и чванству.

    Из всех , кто играл в спектакле, мне запомнился только Михаил Царев .

    Все, кто любит русскую культуру, знает имена великих поэтов и писателей – Пушкина, Тургенева, Достоевского, Толстого.

    Все, кто уезжал через две недели в столицу, собралис ь у Карташевых.

    Те, кто любит поэзию и прозу Бунина, согласится с мнением литературоведов, что в творениях писателя присутствует ощущение жизни как длительного и прекрасного пути.

    Те, кто прошел курс лечения в санатории, чувствуют себя хорошо.

    7. Молодой человек следил за убегающим поездом в даль степей.

    Одним из основоположников натуральной школы стал В.Г.Белинский, внесший существенный вклад в создание теории реализма.

    На стене, освещенная вялым электричеством, висела большая картина .

    Протест Катерины, отстаивающий свои человеческие права, имел общественное звучание.

    В одном из старинных домов, сохранившихся в центре Москвы, бывали великие русские поэты и писатели, композиторы и художники.

    Участникам первого Парада Победы, приехавшим в Москву, вручили памятные подарки.

    8.Ни один из прохожих, спешивших на ярмарку, не обратил внимания на стоящие в стороне возы с разной утварью.

    Одним из известнейших драматургов, показавших в своих пьесах мир купеческой Москвы, был Александр Николаевич Островский.

    Одним из основоположников натуральной школы, внесших существенный вклад в создание теории реализма, стал В.Г.Белинский.

    Одним из российских обычаев, ценившимся многими старыми москвичами, было устное рассказывание.

    Одним из самостоятельных видов искусства, существующим с конца 15 века, является графика.

    Одним из самых известных путешественников , писавших об открытии Нового света до Колумба, был норвежец Тур Хейердал.

    Одним из любимых многими мест , поражающих красотой, поэтичностью, одухотворенностью пейзажей, стало Пушкиногорье на Псковщине.

    9.Урок-лекция впервые проведен в нашем классе.

    10.Посетители выставки подолгу задерживались у тех картин, на которых были изображены жанровые сцены.

    Ветер словно помогает спортсмену, чтобы прыгнуть подальше.

    11.Необходимо обратить внимание не только на знания стажеров, но и на их практические навыки.

    Музыка может не только выразить нежность и радость, а также и тревогу, печаль.

    Рассказы могут создаваться не только в письменной, но и в устной форме.

    Компьютеры нового поколения не такие громоздкие, чем прежде .

    Социологический опрос показал, что у более 40%горожан нет дачных участков.

    Первое время дети скучали по городу , друзьям, оставшимся там, но скоро оценили прелести деревенской жизни.

    В лагере не хватает спортивного оборудования, а что касается питанием , оно вполне удовлетворяет всех.

     

     
    Это интересно: