Модный иллюстратор. Искусство и мода: все, что нужно знать о fashion-иллюстрации, чтобы выиграть в конкурсе. fashion-иллюстрации разных эпох

Какова роль фэшн-иллюстрации в нынешнем мире моды/глянца?

На русском рынке иллюстрация только набирает обороты и начинает завоевывать сердца. Во всем мире глянца главенствует искусство фотографии - ведь оно понятнее и лучше продает, что немаловажно в нашем коммерциализированном мире. Российский фэшн-рынок еще молод, нет культуры и истории модной иллюстрации. Однако есть любовь к образной подаче идеи, взращенная на «Мурзилке» и «Крокодиле». Мировые глянцевые журналы, чьи обложки и страницы украшали иллюстрации русского художника-эмигранта Эрте и многих других, имеют огромные архивы работ великих мастеров. К нам глянец пришел намного позже и уже в фотоформате. Однако благодаря веб-версиям журналов, инстаграму и блогингу востребованность иллюстративной подачи моды растет.

Какие 5 предметов обязательно должны быть в арсенале фэшн-иллюстратора?

Блокнот для зарисовок и неиссякаемая пачка бумаги А3, папка-портфолио Moleskine или просто планшет с зажимом формата А3 для хранения работ и возможности расположиться и рисовать на твердой поверхности в любом месте. Любимый карандаш, если вы консерватор и любите одну технику, или целый чемодан классных материалов, если вы любитель экспериментировать. Я, например, часто вожу с собой в командировки полчемодана карандашей Faber-Castell и маркеров Winsor & Newton, тушь, кисти и прочее добро, но на каждое шоу беру с собой 1 материал и отрабатываю его по полной.

Также под рукой необходим телефон для съемки и первичной обработки фото. Я уже много лет пользуюсь iPhone, мне нравится камера. Кстати, в новом iPhone 7 есть оптическая стабилизация, можно делать фотографии в формате RAW и сразу редактировать их, например, в приложении Adobe Lightroom - очень удобно. А для полноценной обработки изображений я использую MacBook Pro и Photoshop.

Фэшн-иллюстрация часто подразумевает очень быструю работу: как выглядит процесс от задумки до публикации?

В моем случае это именно так, я люблю работать быстро. От 30-60 секундных скетчей на шоу, до «длительных» работ (не более 60 минут, а у кого-то процесс занимает десятки часов - все зависит от техники). Если мы возьмем пример работы в рамках парижской Недели моды, то процесс такой:

Если вас пустили на backstage - это счастье, потому что именно здесь вы можете попросить модель замереть в нужной вам позе на 5-10 минут и зарисовать скетч, а также сфотографировать на iPhone нужные ракурсы для дальнейшей работы.

Я также снимаю фото и видео в перерывах между набросками, чтобы потом по ним рисовать чистовые картинки.

Вечером после шоу или рано утром я пересматриваю фото/видео/скетчи, выбираю удачные ракурсы и прорабатываю финальные иллюстрации.

На хорошем дневном свету фотографирую в формате HD, редактировать можно сразу в любимом приложении.

Интервью с талантливым российским фэшн-иллюстратором.

Фэшн-иллюстрация только начинает появляться в России как профессия, и тем ценнее ее создатели. Мы взяли интервью у Максима Сергеева – фэшн-иллюстратора, находящегося в постоянном развитии и поиске новых стилевых решений. О нем мало информации в интернете, но такие имена клиентов, как Tiffany & Co и Louis Vuitton, впечатляют.

Максим, расскажи, откуда ты.

Я родился в маленьком закрытом городе под названием Арзамас-16 Горьковской области. Что характерно, в наше время нет ни города с таким названием, ни области: сейчас это город Саров Нижегородской области, тут и живу.

Где ты учился?

Профессионального художественного образования у меня нет, я самоучка. По образованию я экономист-маркетолог, даже некоторое время работал по этой специализации.

Расскажи, как ты пришёл к профессии фэшн-иллюстратора?

Я рисовал с самого детства: изначально копировал иллюстрации из любимых красочных книг типа “Былин”, а со временем начал рисовать свои сюжеты. После 15 лет это увлечение как-то сошло на нет. В возрасте 21 года переехал в Москву. Учился, параллельно работал в ресторанах. По окончании учебы пошел работать по специализации, и так получилось, что я купил себе самый простенький графический планшет и снова начал рисовать в свое удовольствие. Постепенно стал брать заказы, рисовал иллюстрации для фэнтези-сайтов, шаржи и прочее. В итоге устроился цифровым художником в брокерскую компанию, где долгое время мне пришлось рисовать околобиржевые стилизованные иллюстрации “быки, лоси, медведи” и всякое такое. Но тогда я мечтал рисовать портреты и фэнтези, так что радости это приносило мало. Примерно в это же самое время я наткнулся на иллюстрации Дэвида Даунтона и очень впечатлился. Минималистичный стиль, но так точно передает портреты, детали одежды и образ в целом… Наверное, с этого момента у меня и зародился интерес к фэшн-иллюстрации… Я пытался воспроизводить его работы в фотошопе, параллельно рисуя позирующих девушек с фото и пытаясь их стилизовать, и постепенно начал переходить на традиционные материалы – изначально это была акварель.

Как ты копировал Даунтона в фотошопе? Он же рисует преимущественно акварелью или тушью.

У Даунтона абсолютно своеобразный стиль – очень бледные черты лица, одна сторона портрета значительно бледнее другой, и несколько насыщенных темных линий тушью плавающей ширины. Вот это я и пытался передать в фотошопе. К слову, сейчас много цифровых фэшн-иллюстраторов часто используют такой прием рисования. Но мне получавшийся портрет казался неинтересным и неживым, так что я постепенно перешел на традиционные материалы.

Профессия иллюстратора моды достаточно необычная. Были ли удивлены твои родные? Они тебя поддерживали?

Семья отнеслась ровно – это был какой-то очень органический переход от цифры к традиционной фэшн-иллюстрации. Они всегда меня поддерживали. Мама и сестра до сих пор мои главные критики.

Иллюстрация для тебя – это работа или страсть?

С тех пор как я начал зарабатывать иллюстрацией, считаю ее своей основной профессией, поэтому рисую ежедневно и достаточно долго.

Есть какой-нибудь график работы?

Я стараюсь придерживаться распорядка (хотя, конечно, бывает, что срываю режим). С утра – тренажерный зал, после этого работа над заказами и рисунок для себя “в стол” – для развития навыка и наработки собственного стиля – с небольшими перерывами на отдых.

Что сейчас тебе интересно рисовать?

Больше мужских портретов и образов. На данной стадии они кажутся мне интересными: более угловатые лица, явно выделяющаяся челюсть и скулы, большие брови. После длительного рисования исключительно женских портретов это приятное разнообразие.

Наброски с натуры рисуешь?

Достаточно редко. Иногда мне позируют знакомые, друзья, члены семьи. Для очень быстрых набросков или для разминки использую ресурсы типа Croquis Cafe (интернет-ресурс, содержащий видео позирующих людей).

Что используешь для работы – фотографии моделей, фотографов или фото с показов?

Рисовать подиумные проходы я не очень люблю. Мне кажется, они достаточно однообразные, статичные. Я предпочитаю более живые и интересные фотографии. Как пример – работы Ника Найта (Nick Knight). Очень артистичные, подвижные и глубокие. Неиссякаемым источником идей в таком случае является Behance или тот же Pinterest.

Ты следишь за показами? Они важны для тебя?

Я обязательно слежу за показами, начиная от российских недель моды и заканчивая самыми знаковыми международными. Я считаю, что если ты хочешь чего-то добиться в карьере фэшн-иллюстратора (в особенности рисующего для изданий и модных домов), то обязательно должен быть в курсе трендов в моде. Это касается фасонов, принтов, расцветок – всё должно в определенной мере отражаться в твоих иллюстрациях.

Кто из иллюстраторов тебя вдохновляет? Чей стиль тебе ближе всего?

Список моих любимых иллюстраторов с течением времени постоянно меняется. На данный момент мне больше всего нравится творчество Била Донована (Bil Donovan), Ричарда Килроя (Richard Kilroy) и Говарда Танги (Howard Tangue) – это из современников. Из более ранних люблю свободные стили Антонио Лопеса и Тони Вирамонтеса.

Как ты хранишь свои работы?

Мои рисунки в основном на бумаге, храню по ящикам и шкафам в толстенных неподъемных папках:). Но есть редкие исключения – отсканированные, которые размещаются в портфолио или на моем сайте. Такие иллюстрации приходится достаточно долго обрабатывать.

Какие любимые материалы?

С течением времени они менялись. Изначально я рисовал исключительно в акварели, причем буквально в 2-3 цветах. Сейчас я работаю в смешанной технике: акварель и цветные карандаши. Начал осваивать гуашь, рисую по чуть-чуть. Этот материал мне со школы давался сложнее всего. Когда хочу отдохнуть, переключаюсь на коллажи. Любимая тема – иллюстрации из картины из обрезков глянцевых журналов.

Какую бумагу используешь для работы?

Любую. На самом деле, я очень редко рисую на дорогой бумаге – обычно покупаю папки по 20 листов формата А3 за 200-300 рублей. Для быстрых скетчей и набивания руки использую всё, что окажется вокруг: бумагу для принтера, глянцевую или черную бумагу, иногда даже газеты.

Расскажи о каких-нибудь интересных сериях твоих работ.

Самая запоминающаяся из моих последних работ – это так называемый вызов самому себе: “100 скетчей в одном стиле за 5 дней”. Я, конечно, “сдулся” в процессе работы на 75-м эскизе, но зато на память осталась такая порядочная стопка достаточно увесистой бумаги.

Долгим ли был путь до первого заказа?

Совсем недолгим. Как сейчас помню: это был заказ на портрет. Так как я в то время продолжал работать цифровым художником, сфера деятельности и заказчики сменились очень плавно. Сейчас среди моих заказчиков есть такие компании, как Louis Vuitton, Finn Flare, Moet, Tiffany & co. Все они вышли на меня совершенно одинаково – через мой “Инстаграм”. Я вообще считаю эту социальную сеть одним из своих основных инструментов, и отклик с нее самый большой, хотя я есть и на Behance, и в Facebook, и в “ВКонтакте”.

По большому счету, как наши, так и иностранные заказчики заказывают практически одно и тоже. Немного отличается стиль работы, и только. С иностранными заказчиками несколько проще и понятнее: там нет размытых формулировок вроде “ну вот хотелось бы что-то такое зеленое, но с другой стороны можно и красное”. Есть мудборды (moodboard), где визуально расписано, что, как и зачем. Хотя стоит сказать, что в последнее время и наши компании начали перенимать такую практику.

Как ты считаешь, можно ли зарабатывать исключительно на фэшн-иллюстрации?

Да, конечно. Вообще, сфера ее применения в современном мире достаточно широка: это и рисунки для компаний-заказчиков, и иллюстрирование недель моды/журналов, и частные заказы портретов и образов, и работа на ивентах, и даже преподавание в частных арт-школах, главное – это постараться определить, что для тебя ближе всего.

Максим, расскажи, пожалуйста, о каком-нибудь самом интересном или самом запоминающемся заказе.

Из самого запоминающегося оказался даже не самый крупный заказ или самый именитый заказчик, а несколько нетипичный для меня опыт. Однажды мне написал иллюстратор Achraf Amiri, который начал издавать свой журнал Illustrashion и собирал для очередного выпуска работы разных художников. Основная сложность заказа была в том, что общая стилистика журнала была очень близка к жанру Vanitas – все эти черепа, ноты и прочее. Причем он просил меня рисовать именно в моей стилистике – яркие пятна, акварель и цветные карандаши. В общем, было необычно и крайне забавно.

К чему бы ты хотел прийти? Какая у тебя мечта?

Из профессиональных желаний – наверное, не буду оригинален – регулярная работа с самыми известными глянцевыми изданиями. Выставка и продажа моих работ в известных тематических галереях мира. Ну и конечно же, мечтаю о прекрасном здоровье и долголетии, чтобы хватило сил и целеустремленности достичь поставленных целей.

Работы современного иллюстратора Венди Пловманд, Дания

Фэшн-иллюстрация (по англ. «fashion illustration», где «fashion» – мода, «illustration» - иллюстрация), или модная иллюстрация – таким термином называют жанр иллюстрации (графики или живописи), напрямую связанный с модой. Фэшн-иллюстрация используется в качестве иллюстрации для глянцевых журналов , изданий о моде, в рекламе модных брендов, оформлении модных бутиков и универмагов.

Техника фэшн-иллюстрации

Для фэшн-иллюстрации используются различные технические приемы: от традиционных акварелей и графики, до современных техник с использованием акрила и принта , а также компьютерной графики. Техника меняется на протяжении всей истории этого вида иллюстрации.

История

Джованни Болдини, Танцовщица Мулен Руж, 1905

Считается, что фэшн-иллюстрации уже почти 500 лет. Но активно изучаются последние 150 лет этого жанра. Одним из первых фэшн-иллюстраторов в мире считают Вацлава Холлара (Wenceslaus Hollar), который работал в Лондоне с 1640 года.

1850-1900. В авангарде фэшн-илллюстрации Джованни Болдини (1842-1931), работающий во Франции. Начинал как портретист, но в историю вошел как один из первых модных иллюстраторов. Его техника – быстрые, смелые мазки, асимметрия и изгибы модерна, импрессионистическая манера.

Гибсон, рисунок 1906 года

Но самый громкий след в это время оставил Чарльз Дана Гибсон (1867-1944), американский график. Благодаря его рисункам, в историю вошел отдельный термин «девушки Гибсона» (это девушки с высокими прическами, вьющимися локонами, особой пластикой и гармоничными пропорциями тела, нарисованные пером и чернилами). Графика Гибсона была настолько популярна, что её можно назвать примером, когда иконой стиля стали рисованные девушки, реальные женщины стремились копировать манеру девушек с рисунков Гибсона (рисунки Гибсона диктовали стандарт красоты в Америке 1890-1900 годов). Гибсона называют родоначальником практически всех современных стилей фэшн-иллюстрации. Прическа как у «девушек Гибсона» до сих пор называется «пучок Гибсона» и популярна у женщин.

Пол Ирибе, 1908

1900-1910. 1909 год – начало так называемой «золотой эры» в истории фэшн-иллюстрации. Это время, когда фотография ещё не конкурировала с рисунком от руки, и рисованные иллюстрации были единственным способом иллюстрирования книг и журналов. Жанр начался использоваться не только как картинки к тексту, но и в рекламе. Новую небольшую революцию в фэшн-иллюстрации устроил график Пол Ирибе (Paul Iribe) (1883-1935). Новшество в технологии печати позволило использовать яркие локальные цвета в сочетании с графикой, поэтому у Пола сформировался свой узнаваемый стиль. Другим знаковым событием в биографии Пола Ирибе стало сотрудничество с дизайнером одежды Полем Пуаре, в результате появились рисунки для журналов с женщинами в нарядах от дизайнера. То, что сейчас можно встретить в каждом глянцевом журнале, - шутинги. Если первые рисунки с нарядами были сделаны на белом фоне, то позже появились более усовершенствованные иллюстрации, полностью цветные, например, иллюстрации француза Жоржа Барбье (Считается, что именно его рисунки положили начало стилю ар-деко).

Жорж Лепэйп, принт для La Gazette du Bon Ton, 1912

1910-1920 . Одним из самых видных фэшн-иллюстраторов этих лет считается француз Жорж Лепэйп (Georges Lepape) (1887-1971), он также много сотрудничал с дизайнером Полем Пуаре, рисовал его наряды для журналов. У него свой стиль, более плоские фигуры женщин и более декоративное решение. Этот стиль ему позволил стать большим мастером обложек, для Vogue y cделал более 100 обложек.

Коль Филипс, обложка Good Housekeeping, 1913

Новаторскую технику визуализации предложил американец Коль Филипс (Coles Phillips) (1880-1927). Другое его новшество – метод, когда первым планом или важным субъектом рисунка становится фон, этот прием прозвали «исчезнувшие девушки». Индивидуальности рисунков Филипса способствовал тот факт, что график жил в Америке и не повергся влиянию европейского модерна. В 2010-е годы, спустя 100 лет, прием «исчезнувших девушек» очень популярен в фэшн-иллюстрации.

Эрте, обложка Harper’s Bazar, принт, номер November 1920

1920-1930 . Первая мировая война (1914-1918) ознаменовала большие изменения в моде и в роли женщины. Эмансипация дала женщинам больше свободы, они перестали быть только объектом для украшения. Ведущим модным иллюстратором этого времени считают Эрте. Это имя – аббревиатура из инициалов, настоящее имя художника Ромен де Тиртоф (Romain de Tirtoff, 1892-1990). Он родом из санкт-Петербурга, но жил и работал в Париже. Его иллюстрации подняли стиль ар-деко в иллюстрации на вершину мастерства. Он, как Ирибе, Барбье, Лерэйп, работал с модельером Пуаре. Но всемирно известную славу Эрте принес десятилетний контракт с Harper’s Bazar в 1915 году.

Бенито, Vogue, принт, 1926

Другая знаковая фигура в развитии фэшн-иллюстрации того времени – Эдуард Бенито (1891 - 1981). Художник с испанскими корнями увлекался кубизмом и конструктивизмом, это повлияло на особый стиль Бенито, геометрический подход к модной иллюстрации. После переезда в Париж и знакомства с Полем Пуаре Бенито получил работу в издательском доме Conde Nast , и позже был назначен главным иллюстратором журналов Vogue и Vanity Fair на последующие 20 лет. Стиль Бенито – это ар-деко в сочетании с модернизмом и рациональным подходом.

Эрик, Vogue, 1938

1930-1940 . В американской фэшн-иллюстрации более 35 лет держал пальму первенства Карл Оскар Август Эриксон (1891-1958). Он известен своим сотрудничеством с Vogue и косметикой Coty. Его рисунки узнаются по смелой кисти, разнообразию цвета и особому стандарту женской красоты – девушки с очень тонкими талиями. А в модных кругах его звали Эрик, под таким именем он публиковался в журналах.

Другой известный американский иллюстратор 30-х годов – Рут Сигрид Графстром (Ruth Sigrid

Grafstrom, 1905-1986), его работы в американском Vogue начали появляться в 1933 году. Критики считают, что на его технику оказали влияние французские художники фовисты, и в особенности Анри Матисс.

Стиль американских модных иллюстраторов внес свежую струю в жанр после главенства в нем французских мастеров. Работы Эрика и Графстрома были на обложках журналов Vogue, the Delineator, Cosmopolitan, Woman’s Home Companion.

Буше, обложка Vogue, 1953

1940-1950 . 1939 год стал поворотным для фэшн-иллюстрации, журнал Vogue начал заменять графику на фотографии, выходят фотографические обложки и шутинги, и фотография больше нравится потребителям, чем условный рисунок.

Несмотря на угасание интереса к фэшн-иллюстрации в журналах, многие фэшн-иллюстраторы в эти годы находят свое применение в области рекламы. Рене Буше (Rene Bouche, 1905-1963) начинал работу в Vogue в 1338 году, но после стал сотрудничать в рекламной иллюстрации с такими марками как Elizabeth Arden, Saks Fifth Avenue и Helena Rubenstein. Его техника отличается миксом сочной графики и эффекта мокрой кисти. До сих пор приемы Буше копируются художниками по всему миру.

Рене Гру, обложка International Textiles, 1954

Другой знаковой фигурой в иллюстрации 1940-х годов называют Рене Гру (Rene Gruau, 1909-2004). Минималистичные работы Рене Гру подошли больше всего для использования в рекламе. Он сделал одни из лучших рекламных принтов для Christian Dior . Его работы отлично воспроизводились тем способом печати, который был тогда в использовании, поэтому его работы дошли до зрителя в первозданном виде.

1950 – 1960. В этот период стоит отметить двух мастеров. Один из них – это Кеннет Пол Блок (Kenneth Paul Block, 1924-2009), работавший в Америке. В период 50-60-х годов конкуренцию фэшн-иллюстрации составляет не только фотография, но и телереклама. Это требует от иллюстраторов особого мастерства и эффектности рисунков. Кеннет Пол Блок рисовал смело, отражал движение женских фигур, никогда не выбирал статичность. Его работа пастелью напоминала шедевры импрессионистов. Художник сотрудничал с журналами Women’s Wear Daily и W magazine на протяжении почти 40 лет, начиная с 1950-х годов.

Издания Harper’s Bazar, New York Times, Herald Tribune гордятся сотрудничеством с ещё одним знаковым художником 50-60-х годов – канадцем Ирвином Кросфвэйтом (Irwin Crosthwait, 1914-1981). Этот автор не боялся привнести в графику живописные приемы.

Рисунок Кэролайн Смит, 1965

1960-1970. Начало 1960-х годов называют концом эпохи фэшн-иллюстрации в качестве основной формы иллюстрации в глянцевых журналах. Однако эти годы также отмечены всеобщим подъемом в искусстве, поп-музыке, кино и фото. И нашелся иллюстратор, который смог вписаться в тенденции 1960-х годов, а не конкурировать с ними. Это была Кэролайн Смит. Её вдохновляли картины поп-арта, яркие символы и геометричная графика. Работы Смит публиковались в изжаниях Harper`s Bazar, Queen, Elle и Cosmopolitan.

Бобби Хилсон, 1968

Ещё одна художница, которая не стала мириться с концом фэшн-иллюстрирования, - Бобби Хилсон. Она сделала себе имя рисованными репортажами с модных показов, тогда фотографы пока не приглашались на шоу. После Бобби предложила свой собственный стиль иллюстрации, основанный на линейном рисунке, без участия цвета.

Антонио, французский Vogue, 1970

1970-1980. В это время на художников оказывает влияние панк-музыка и поп-культура. Один из самых влиятельных иллюстраторов того времени – Антонио Лопес (1943-1987), уроженец Пуэрто-Рико, обучался в Нью-Йорке, а творил в Париже. Он подписывал свои работы просто «Антонио» и под этим именем вошел в историю искусства. В его стиле переплетается стиль комиксов, находки фэшн-иллюстраторов «золотой эры» иллюстрации. Он работал тушью, пером, акварелью, углем и даже включал в иллюстрации фото, сделанные фотоаппаратом Polaroid. Считается, что Антонио возродил забытое искусство фэшн-иллюстрации. Мастер работал с изданиями Vogue, Harper"s Bazaar, Elle, Interview, The New York Times.

Стемп, каталог Simpson, 1967

Мало кто мог соперничать с виртуозностью Антонио. Но нашелся ещё один мастер, вошедший в историю фэшн-иллюстрации того времени. Это Эрик Стемп (1924-2001). Ему было на тот момент почти 50 лет, но он успел оставить свой след в истории жанра. Британского иллюстратора вдохновляли плакаты 1940-х годов, учился на дизайнера. Стал известным благодаря рекламным работам для мужских марок, каталога Simpsons, а также для журналов Harpers Bazaar и британский Vogue.

Стипельман

1980-1990. Начинается новый виток фэшн-иллюстрации, возврат к стандартам графики 1920-х годов. В моде гротеск, минимализм, техничность уступает место индивидуальности. В этот период основными выразителями стиля являются два автора – Стивен Стипельман и Джордж Ставринос.

Стивен Стипельман известен как автор настоящей «Библии» для иллюстраторов, его книга «llustrating Fashion: Concept to Creation» («Иллюстрируя моду: от концепции до воплощения») переиздается до сих пор и является учебным пособием для начинающих авторов. Стиль Стивена менялся со временем и он достиг больших высот в графике, с которыми и делится на страницах книги.

Ставринос

Джордж Ставринос (1948-1990) внес в фэшн-иллюстрацию элементы черчения и сложный в техническом смысле уровень владения карандашом. Его рисунки детально проработаны, практически совершенны. Он прославился работами в рекламе (Bergdorf Goodman), в глянцевых журналах (the New York City Opera, New York Times, GQ, Cosmopolitan).

Даунтон, рисунок 2008 года

1990-2000. Новое испытание для фэшн-иллюстрации – цифровая фотография и компьютерная графика. Но снова жанр выжил и предложил новые техники и решения, обогатив илююстрацию. Один из видных мастеров-новаторов – Дэвид Даунтон (род. В 1959). В 1996 году он иллюстрировал модные страницы для Financial Times. После этого влюбился в моду и стал работать над своим стилем в фэшн-иллюстрации. Список клиентов Дэвида огромен: Tiffany & Co, Bloomingdales, Barney’s, Harrods, Top Shop,

Перелистывая модные журналы и каталоги брендов, мы привыкли видеть привлекающие внимание фотографии с идеальными моделями в дизайнерской одежде и аксессуарах. Но как модницы узнавали о тенденциях в одежде до изобретения и популяризации фотоаппаратов? Что публиковали на своих страницах журналы? «Предком» фотографии выступала fashion-иллюстрация, которая способна эффективно транслировать последние тенденции и продавать продукцию модной индустрии. Сегодня рисованные картинки вновь вернулись и получили популярность.

История фэшн-иллюстрации

Что такое fashion-иллюстрация мир узнал около 500 лет назад. В XVI веке художники рисовали придворных дам и кавалеров в модных нарядах, а в конце века свет увидела книга с изображениями одежды и руководствами по их пошиву. Первым фэшн-иллюстратором принято считать художника Вацлава Холлара, который жил и работал в Лондоне с 1640-х годов. Он был настоящим трудоголиком и создал около 3 000 гравюр в технике офорта на самые разные темы от пейзажей до рисунков женских нарядов. В 1679 году в Лионе впервые вышел журнал Mercure Galant, который стал пионером в мире модного глянца. Издание содержало рисунки легендарных художников Пьера Боннарома, Абрахама Боссома и многих других.

Активное развитие модной иллюстрации пришлось на конец XIX и начало XX веков. В то время журналы получили всеобщую популярность, модники всего мира с нетерпением ждали выхода новых выпусков. Это в свою очередь способствовало появлению великих иллюстраторов, которые стали связующим звеном между модой и людьми.

Художники Чарльз Дана Гибсон и Джованни Болдини работали в конце XIX и середине XX веков, именно они во многом повлияли на формирование самого понятия женской красоты, изображая моделей в изысканных нарядах и со стройной фигурой. Отдельного внимания заслуживает Гибсон, т.к. он создавал своим героиням особый образ, которому старались подражать реальные женщины. По сути, «Девушки Гибсона» были первыми рисованными иконами стиля! Особый вклад в развитие жанра также внесли модные иллюстраторы Пол Ирибе, Жорж Барбье, Жорж Лепэйп, Эрте, Кеннет Пол Блок и многие другие.

С 1930-х годов Vogue начал публиковать на обложках фотографии, что пагубно сказалось на fashion-иллюстрации. В 1960 годах направление «сдало» позиции и уступило место снимкам, однако никогда не исчезало и продолжало развиваться.

Новый виток fashion-иллюстрации

Появление веб-версий журналов, модных блогов и социальных сетей возродило к жизни жанр фэшн-иллюстрации. Дело в том, что фотографии ограничивают фантазию человека, не позволяют достроить образ самостоятельно, т.к. зритель видит цельную картинку с идеальной моделью.

Марки одежды и аксессуаров все чаще обращаются за помощью к иллюстраторам, они используют их рисунки для принтов, а также паттернов для тканей. Многие бренды отдают предпочтение рисованным баннерам и плакатам для привлечения внимания покупателей в фирменных магазинах.

Модные журналы и дизайнеры «облюбовали» иллюстрации для создания рекламных кампаний, что вполне естественно, т.к. рисунки позволяют покупателю проявить фантазию и примерить на себя созданный образ, додумать историю, это не всегда возможно при использовании фотоснимков с моделями.

Популярные блогеры, пишущие об индустрии моды, также обратились к иллюстрациям. Они создают картинки, отражающие будущие тренды, плюс сопровождают свои луки рисованными копиями. Многих из них замечают известные журналы или дома мод, предлагая сотрудничество. Так рисованная зайчиха Фифи Лапин превратилась в целый бренд.

Социальные сети жаждут контента, причем «теплого», дело в том, что пользователи пресытились прямой рекламой продукта, которая не вызывает сильного эмоционального резонанса и блокирует воображение. Иллюстрации также позволяют избежать троллинга и негативных комментариев, у пользователей отпадает причина выливать недовольство касательно «отфотошопленных» моделей и их фигур.

Работа модных иллюстраторов

Современные иллюстраторы возрождают модный рисунок, опираясь на богатую историю fashion-иллюстрации. Они работают в разнообразных техниках: от акварели до акрила, при этом виртуозно сочетают рисование от руки с компьютерными технологиями.

Фэшн-художники делают скетчи на модных показах (без них не обходится ни одна Неделя Моды), переносят стритстайл на бумагу, отрисовывают луки, создают паттерны для тканей, ассистируют дизайнерам одежды при создании коллекций. Они работают над иллюстрациями для модных журналов, книг, фильмов, рекламных роликов, веб-сайтов, социальных сетей, сотрудничают с брендами одежды, косметики, аксессуаров и товаров класса люкс, рекламными агентствами, издательствами и дизайнерскими бюро.

Иллюстраторы должны быстро делать зарисовки от руки, уметь работать с профессиональными программами (Adobe Illustrator, Photoshop и т.д.), справляться с заданиями в срок, а главное иметь узнаваемый индивидуальный стиль и неиссякаемый источник вдохновения.

Обучение на фэшн-иллюстратора

Екатерина Петропавловская — fashion-иллюстратор и блогер, автор проекта и бренда kateillustrate . Екатерина верит, что о моде можно рассказать при помощи искусства иллюстрации, а ее главная миссия — вдохновлять других людей своим примером.

Иллюстрация и, конечно же, ее отдельное направление — fashion-иллюстрация — абсолютно не новое явление. Еще до появления фотографии все обложки модных, теперь уже именуемых “глянцевыми”, журналов создавались иллюстраторами. Потом появилась фотография, фотографы были вознесены на пьедестал, а профессия иллюстратора отошла на второй план. То, что мы наблюдаем на сегодняшний день — это уникальное явление, это “бум” в сфере иллюстрации. Фотографии наскучили, и при этом ничего кардинально нового придумано не было, поэтому мы возвращаемся к истокам, к тому времени, где иллюстратор был не просто художником, он был именно тем человеком, который определял успех журнала, книги и многого другого в значительной степени.

Мы всегда были визуалами, а сейчас это ощущается особенно остро, когда компании строят свои стратегии именно на визуальной составляющей (Apple, Google и другие). Таким образом, редакторы и крупные бренды все чаще стали обращаться к иллюстраторам, ведь иллюстрация — часть их маркетингового плана. Иллюстраторы, понимающие специфику fashion, сейчас очень востребованы.

Екатерина Петропавловская начала карьеру fashion-иллюстратора и создала свой бренд kateillustrate чуть больше года назад, при этом до этого рисуя разве что на уроках изобразительного искусства в начальных классах. В чем-то девушке повезло – отец был художником, и какая-то доля его таланта передалась и Екатерине, возможно именно поэтому, ей удалось так быстро освоить рисунок и начать работать с такими крупными брендами, как TOD’S, Дикая Орхидея, журнал #NewJet, Danyl Marr, How to be a Redhead и многими другими.

Однако иллюстратор — это все же работа, в которой путь к всеобщему признанию не обязательно простой, многие иллюстраторы идут к успеху годами, поэтому очень важно, если вы решили начать рисовать моду всерьез, помнить о нескольких важных составляющих успеха в этой сфере.

• Если вы только начинаете, не бойтесь, в начале пути все пользуются известным среди дизайнеров принципом “кради как художник” . Вдохновляйтесь, смотрите за теми людьми, кто занимается чем-то подобным.

• Практикуйтесь. Рисуйте много, рисуйте часто, рисуйте отдельные элементы, которые получаются у вас хуже всего. Не можете нарисовать красивую руку? Нарисуйте сто, двести раз, пока не будете довольны результатом.

• Помните, талант — не всегда синоним успеха, очень важно продвигать себя. И чем больше у вас каналов продвижения — тем лучше. Instagram и Youtube являются важными площадками для хорошего старта.

Кроме того, скромность в этом деле не украшает: обивайте пороги редакций, пишите, звоните PR-менеджерам брендов, с которыми хотите работать — заявите о себе! Сначала вы будете работать с любыми клиентами, но придет время, когда вы скажете: “Хочу работать с [вставить свой любимый бренд ]”, — и тогда станет важным, какое имя и репутацию вы себе построили за это время. Собственно это и помогает нам ответить на вопрос, почему одни fashion-иллюстраторы успешно работают для журналов и известных модных домов, а другие остаются на любительском уровне. Ответ прост: многим иллюстраторам не хватает предпринимательской жилки.

• Клиенты — это замечательно, но в идеальной ситуации еще лучше иметь очень много фанатов, которые будут вашими представителями (“ambassadors) и распространителями вашего творчества. Иллюстратор — это, как правило, фрилансер, если он не работает в штате модного дома, и тогда финансовый вопрос, особенно на начальном этапе, стоит очень остро. Выход? Можно делать чехлы, футболки, кружки, постеры с вашими иллюстрациями и продавать на таких площадках как Zazzle, Society6, Etsy и других. В этом случае ваши фанаты — ваши первоочередные покупатели, не забывайте о них!

• Выделяйтесь! К пятому пункту мы уже пришли к тому, что пора отойти от принципа “кради как художник” и стать генератором идей. Некоторые иллюстраторы сначала создают иллюстрацию, а потом через какое-то время на нее находится свой покупатель. Поэтому чем больше креативных и интересных вещей вы рисуете, тем больше вы растете во всех смыслах этого слова.

• Ну и наконец, даже если вы всему научились сами, то в какой-то момент придете к тому, что захотите поучиться у кого-то. Иллюстрация — это та сфера, где возможности для роста и самореализации безграничны, самое главное — очень сильно хотеть и не сидеть на месте.