Pskovityanka (Bolschoi-Theater). Die Pskowitjanka kehrte ins Bolschoi-Theater zurück Das Pskowitjanka-Bolschoi-Theater

Das Bolschoi-Theater präsentierte die erste Opernpremiere der 242. Spielzeit – Die Jungfrau von Pskow von Rimski-Korsakow. Klassikliebhaber freuten sich. Die Eingriffe des Regisseurs in die Intention des Komponisten blieben aus: Die Oper wurde konzertant aufgeführt.

In der Geschichte des Bolschoi-Theaters tauchte mehr als einmal die Geschichte des freien Pskow auf, das von der Tochter Iwans des Schrecklichen vor dem Zorn des Zaren gerettet wurde. 1901 wurde die Aufführung der Oper von Fjodor Iwanowitsch Schaljapin in der Rolle des Schrecklichen beehrt – sein charakteristisches Make-up mit schrägen Augenbrauen und einer Hakennase wurde zum Vorbild für Anhänger, darunter Nikolai Tscherkasow im Film von Sergei Eisenstein.

In den Jahren 1953 und 1999 war Yevgeny Svetlanov musikalischer Leiter und Dirigent der Produktion, der davon träumte, den internationalen Triumph der von Sergei Diaghilev in Russian Seasons 1909 gezeigten Die Jungfrau von Pskow zu wiederholen, aber seinen Traum nie verwirklichte.

VERWANDTE MEHR

Ob Tugan Sokhiev, der Initiator der Rückkehr der Oper auf die Bühne des Bolschoi-Theaters, ehrgeizige Pläne hat, ist noch unbekannt. Der Musikdirektor des Bolschoi-Theaters begründete seine Wahl mit der Liebe zur Musik von Rimsky-Korsakov und der „Erweiterung“, die das musikalische Material den Künstlern bietet.

Leider haben die Sänger-Solisten das Geschenk nicht genutzt. Von den Hauptdarstellern "passen" nur Vyacheslav Pochapsky (Prince Tokmakov) und Roman Muravitsky (Boyar Matuta) in ihre Charaktere. Den Stimmen von Anna Nechaeva (Olga) und Oleg Dolgov (Mikhail Cloud) fehlte es an Dramatik, und Ivan the Terrible erschien in Rafal Shiveks Präsentation wie ein gütiger Großvater, der die widerspenstigen Pskowiter und seine ungezogene Tochter mit einem samtigen Bass ermahnte.

Der Hauptprotagonist von The Maid of Pskov ist jedoch der Chor, und diese Premiere ermöglichte es erneut, den bemerkenswerten Chor des Bolschoi-Theaters, insgesamt 120 Künstler, zu würdigen. Evaluieren Sie sozusagen in reiner Qualität. Die dramatischen Fähigkeiten der Chorsänger lassen manchmal zu wünschen übrig, aber die konzertante Version, in der sie nur singen, kann als Hochgenuss eines Musikliebhabers angesehen werden. Die lyrischen, heroischen, alltäglichen, charakteristischen Episoden, die Rimsky-Korsakov dem kollektiven Porträt der Pskowiter zugrunde legte, wurden hell, konvex, mit einer hervorragenden Balance von Nuancen und einer großen epischen Geste präsentiert.

Kenner russischer Musik werden an „Die Jungfrau von Pskow“ ein weiteres Vergnügen finden – die Oper wurde von Rimski-Korsakow zeitgleich mit Mussorgskis „Boris Godunov“ geschaffen. Die grandiose Szene der Pskov veche korreliert direkt mit der nicht minder groß angelegten Szene bei Kromy, und es ist interessant zu sehen, wie ähnlich und gleichzeitig unterschiedlich Freunde und Weggefährten das Bild einer brodelnden Volksversammlung darstellen.

Rimsky-Korsakov zeichnet sich auch im Choralepos durch Eleganz und Liebe zum Detail aus. Was können wir über die Stärke des Komponisten sagen - das Orchester, das er in jeder Hinsicht schätzt und das die Musiker unter der Leitung von Tugan Sokhiev zu einer der Hauptfiguren des Abends gemacht haben. Der Klang des Glockenläutens, die königliche Jagd, das sanfte Olgino-Intermezzo klangen wie eigenständige Werke, die vielleicht im Bühnengeschehen ein Minus gewesen wären, aber in der Konzertaufführung organisch wirkten.

Dieses Format mit dem Orchester auf der Bühne, dem Chor am Takt und den Solisten im Vordergrund gilt standardmäßig als Kompromiss gegenüber einer vollwertigen Schauspielproduktion. Aber wenn Sie Rimsky-Korsakovs Werk in historische Kostüme und Kulissen stecken, besteht eine große Chance, eine offensichtlich museale Ausstellung zu bekommen, und diese Nische wird im Bolschoi bereits von Boris Godunov besetzt. Die Maid von Pskow zu modernisieren, indem man zum Beispiel Grosny zu einem Oligarchen, Cloud zu einem Banditen und Olga zu einer Dame mit reduzierter sozialer Verantwortung macht, bedeutet, die Oper zu bagatellisieren.

Es stellt sich also heraus, dass die beste Option für ein großes Operngenre darin besteht, sich auf Musik und Gesang zu konzentrieren. Der Rest wird durch die Vorstellungskraft des Publikums ergänzt, die der Autor von The Maid of Pskov als das Hauptvergnügen bei der Wahrnehmung der Oper betrachtete.

Basierend auf dem gleichnamigen Drama von L. A. May

Figuren:

SCHÖPFUNGSGESCHICHTE

HANDLUNG

Reich und berühmt ist Prinz Tokmakov, der königliche Gouverneur in Pskow. Aber die Menschen in Pskow sind voller Angst - der beeindruckende Zar Iwan Wassiljewitsch wird hier eintreffen. Wird er Pskow mit Wut oder Gnade begegnen? Tokmakov hat ein anderes Anliegen - er will seine Tochter Olga mit dem behäbigen Bojaren Matuta verheiraten. Sie liebt auch Mikhailo Tucha, einen tapferen Krieger der Pskower Ehrenbürger. In der Zwischenzeit vergnügt sich Olgas Freundin im Garten. Die Mütter Vlasyevna und Perfilyevna unterhalten sich. Vlasyevna weiß viel über die Familie Tokmakov. Perfilyevna will sie fragen: Es gibt ein Gerücht, dass "Olga keine Prinzentochter ist, aber erhebe sie höher." Aber die alte Mutter verrät ihren Liebling nicht. Olga hält sich von allen fern - sie wartet auf ihren Verlobten. Ein vertrautes Pfeifen ist zu hören – Cloud ist zu einem Date gekommen. Als Sohn eines armen Posadnik weiß er, dass der reiche Matuta Kuppler zu Olga schickt. In Pskow gibt es keine Lebenswolke mehr, er will seine Heimat verlassen. Olga bittet ihn zu bleiben, vielleicht kann sie ihren Vater anflehen, ihre Hochzeit zu feiern. Und hier ist Tokmakov – er spricht mit Matuta, vertraut ihm sein Familiengeheimnis an. Olga versteckt sich im Gebüsch und erfährt aus diesem Gespräch, dass sie die Tochter von Tokmakovs Schwägerin ist, die mit dem Bojaren Sheloga verheiratet war. Das Mädchen ist verwirrt. In der Ferne leuchten Lagerfeuer, Glocken sind zu hören: Die Einwohner von Pskow werden zu einer Veche gerufen. Olga rechnet mit Trauer: "Ah, sie rufen nicht für immer, dann begraben sie mein Glück!"

Scharen von Einwohnern von Pskow strömen auf den Handelsplatz. Die Leidenschaften der Menschen brodeln - ein Bote aus Nowgorod brachte schreckliche Nachrichten: Die große Stadt fiel mit grausamer Oprichnina, Zar Ivan Vasilyevich geht nach Pskow. Tokmakov versucht, die Menschen zu beruhigen, drängt sie, sich zu versöhnen und dem beeindruckenden König mit Brot und Salz zu begegnen. Dem freiheitsliebenden Michail Tucha gefällt dieser Rat nicht: Wir müssen vorerst für die Unabhängigkeit unserer Heimatstadt kämpfen, uns in den Wäldern verstecken und dann notfalls gegen die Gardisten zu den Waffen greifen. Der tapfere Ehrenbürger geht mit ihm. Die Leute zerstreuen sich verwirrt. Es wurde beschlossen, Grosny feierlich auf dem Platz vor Tokmakovs Haus zu treffen. Tische werden aufgestellt, Essen serviert. Aber das sind düstere Vorbereitungen für das Treffen. Noch mehr Melancholie in Olgas Seele. Sie wird von den belauschten Worten Tokmakovs niemals zur Vernunft kommen; wie oft ging sie zum Grab ihrer benannten Mutter, ohne zu ahnen, dass ihre eigene Mutter in der Nähe lag. Wlassjewna tröstet Olga: Vielleicht hat Tokmakow das gesagt, weil er Matuta von ihr vertreiben wollte. Aber das Mädchen hört nicht auf ihre alte Mutter: Warum schlägt ihr Herz so sehr in Erwartung von Grosny? Die feierliche Prozession nähert sich immer mehr, Zar Iwan Wassiljewitsch galoppiert auf einem eingeseiften Pferd voraus. Tokmakov empfängt den König in seinem Haus. Aber er ist misstrauisch und bösartig - Verrat scheint ihm überall. Grosny vermutet Gift im Kelch. Er lässt den Besitzer des Hauses diesen Kelch zuerst leeren. Olga bringt dem König Honig.

Sie blickt dem König kühn und direkt in die Augen. Er ist schockiert über ihre Ähnlichkeit mit Vera Sheloga, fragt Tokmakov, wer die Mutter des Mädchens sei. Grosny erfuhr die grausame Wahrheit: Der Bojar Sheloga verließ Vera und starb in einem Kampf mit den Deutschen, und sie selbst wurde psychisch krank und starb. Der schockierte König verwandelte seine Wut in Gnade: „Lasst alle Morde aufhören! Viel Blut. Lassen Sie uns die Schwerter auf den Steinen stumpf machen. Gott segne Pskow!“

Am Abend gingen Olga und die Mädchen durch einen dichten Wald zum Pechersky-Kloster. Etwas hinter ihnen, am vereinbarten Ort, trifft sie auf Cloud. Zuerst bittet das Mädchen ihn, mit ihr nach Pskow zurückzukehren. Aber dort gibt es für ihn nichts zu tun, er will sich Grosny nicht unterwerfen. Und warum sollte Olga nach Tokmakov zurückkehren, wenn sie nicht seine Tochter ist? Sie wollen ein neues, freies Leben beginnen. Plötzlich wird Cloud von Matutas Dienern angegriffen. Der Jüngling fällt verwundet; Olga verliert den Verstand - sie wird von Matutas Wache in ihren Armen weggetragen, die droht, Zar Ivan von Clouds Verrat zu erzählen.

Nicht weit entfernt, in der Nähe des Flusses Mededni, lagerte das königliche Hauptquartier. Nachts schwelgt Grosny allein in schweren Gedanken. Tokmakovs Geschichte weckte Erinnerungen an ein vergangenes Hobby. Wie viel sei schon erlebt worden, und wie viel müsse noch getan werden, "um Russland mit einem weisen Gesetz zu binden, das mit einer Rüstung". Die Gedanken werden durch die Nachricht unterbrochen, dass die königlichen Wachen Matuta gefangen genommen haben, die versuchte, Olga zu entführen. Der Zar hört wütend nicht auf die Verleumdungen des Bojaren gegen das freie Pskow und vertreibt Matuta. Sie bringen Olga herein. Grosny ist zunächst misstrauisch und spricht sie gereizt an. Aber dann eroberte das offene Geständnis des Mädchens ihrer Liebe zur Wolke und ihre liebevolle, herzliche Unterhaltung den König. Aber was für Geräusche sind in der Zentrale zu hören? Cloud, der sich von seiner Wunde erholt hat, greift die Wachen mit seiner Abteilung an, er will Olga befreien. Im Zorn befiehlt der König, die Freien zu erschießen und den unverschämten jungen Mann zu sich zu bringen. Cloud gelingt es jedoch, der Gefangennahme zu entkommen. Aus der Ferne hört Olga die Abschiedsworte des Liedes ihres Geliebten. Sie rennt aus dem Zelt und stürzt, getroffen von einer Kugel. Olga ist tot. Verzweifelt beugt sich Grosny über die Leiche seiner Tochter.

MUSIK

"Pskovityanka" - Volksmusikdrama. In Dramaturgie und Stil steht es nahe, das etwa in den gleichen Jahren entstand. In beiden Werken wurden Ereignisse aus ferner Vergangenheit lebendig. Aber auch die Unterschiede, die dem individuellen schöpferischen Bild dieser Klassiker der Opernliteratur innewohnen, wirkten sich aus: Er drückte vor allem die tragische Wahrnehmung der russischen Geschichte aus, und bei aller Dramatik der Konflikte eine hellere, friedlichere. Gleichzeitig gelang es ihm in The Maid of Pskov, die Vielfalt der Lebensphänomene anschaulich zu vermitteln. In all ihrer Widersprüchlichkeit wird die majestätische Gestalt Iwans des Schrecklichen wahrheitsgemäß dargestellt. Charmant keusches Aussehen von Olga. Der freiheitsliebende Geist ist von Musik durchdrungen, die die Pskower Freien darstellt, angeführt von der Wolke. Die Volksszenen sind voller Dramatik. In der gesamten Oper wird die Natur des russischen Songwritings deutlich.

Die Orchesterouvertüre skizziert den Hauptkonflikt der Oper. Düster, argwöhnisch klingt das Hauptthema von Grosny. Dem gegenüber steht die ungestüme, willensstarke Melodie des Liedes Clouds als Abbild der Pskower Ehrenbürger. Dann erscheint Olgas Thema, so breit wie ein Volkslied. Wie in einem Kampf prallen die Themen von Iwan dem Schrecklichen und den Freien in einer dramatischen Entwicklung aufeinander und weichen dem majestätischen Hauptthema des russischen Herrschers.

Die Oper beginnt mit einem lustigen Brennerspiel von Olgas Freunden. Nach dem Gespräch der alten Mütter singt Vlasyevna „The Tale of Princess Lada“, gehalten im Geiste der Volkserzähler. Olgas Treffen mit Cloud endet mit einem herzlichen, zärtlichen Duett „Ja, bleib, meine Liebe, geh nicht auf die andere Seite“, in dem der Komponist die Melodie des Volkslieds „Du, das Feld“ verwendete. Am Ende des Bildes, nach Tokmakovs Gespräch mit Matuta, läuten die Alarmglocken und rufen die Pskowiter zur Veche. Aus diesen Glockenspielen, zu denen sich die musikalischen Themen des Königs gesellen, erwächst die anschließende symphonische Pause.

Das zweite Bild, das die Pskov Veche darstellt, ist eines der besten in der Oper. Wie die Wellen der Brandung erklingen die Ausrufe des Volkschores, die den musikalischen und semantischen Kern des Bildes bilden. Die Geschichte des Boten „Bug und das Wort von Nova-Gorod, dein älterer Bruder hat sich gezeigt, befohlen, lange zu leben“ verursacht eine noch größere Welle der Wut der Bevölkerung. Der Aufruf von Tokmakov, der versucht, die ausgebrochenen Leidenschaften zu beruhigen: „Väter und Brüder, Männer von Pskow, das Wort an euch“, bringt Frieden. Aber Cloud spricht: „Erlauben Sie mir, Männer von Pskow, Ihnen die Wahrheit zu sagen!“ Sein Aufruf sorgt erneut für Aufregung in der Bevölkerung. Das Thema des spontanen Impulses des Volkes erklingt erneut, das mit dem Kampflied von Clouds „Verurteilt die Pskowiter, versammelt euch am Hof“ gekrönt wird; es basiert auf der Melodie des Volksliedes „Wie unter einem Wald, unter einem Wald“ (diese Melodie war bereits in der Ouvertüre zu hören). Die Ehrenbürger, die sie aufheben, werden entfernt.

Das erste Bild des zweiten Aktes beginnt mit einem traurigen Chorgesang im Geiste volkstümlicher Wehklagen „Der schreckliche Zar geht zum großen Pskow“. Olgas reine, keusche Erscheinung kommt zum ersten Mal so vollständig zum Vorschein in ihrem traurigen Arioso „Ah, Mutter, Mutter, ich habe keinen röteren Spaß“, das dem Gespräch mit Wlassjewna vorausgeht. Festliches Glockenläuten begleitet Grosnys Einzug in Pskow. Die Orchesterpause zwischen den Bildern (Intermezzo) gibt dagegen eine Skizze von Olgas poetischem Bild.

Die Eröffnungsszene des zweiten Bildes, die bei Tokmakov spielt, ist ganz durchdrungen von dem harten musikalischen Thema von Grosny. Seine Rede ist voller Galle und Spott. Der Wendepunkt kommt mit der Freilassung von Olga. Sanft und sanft erklingt ihr Appell: „Zarensouverän, es ist unwürdig, mit dir deinen siegreichen Sklaven zu küssen.“ Danach singt der Chor ein Loblied „Von unter dem Hügel, unter dem Grün, ein schneller Fluss fegte“. Am Ende des Bildes, nach Tokmakovs Geständnis, wer Olgas Mutter war, klingt das Thema Grosny kraftvoll und feierlich.

Eine ausgedehnte symphonische Pause, vom Komponisten „Forest, Royal Hunt, Thunderstorm“ genannt, eröffnet den dritten Akt. Hier werden farbenfrohe Bilder der russischen Natur gegeben, Echos der königlichen Jagd werden dargestellt.

Der Mädchenchor „Ah, Mutter grüner Eichenwald“ wird getragen im Geiste langgezogener Volkslieder. Das Duett von Olga und Clouds „Ah, mein Schatz, oh, mein Schatz“, das die Natur einer aufgeregten Rede einfängt, ist ausdrucksstark. Das erste Bild endet mit einer dramatischen Szene der Verwundung von Clouds und der Entführung von Olga durch Matuta.

Majestätische Musik beginnt das zweite Bild - Grosny allein mit seinen Gedanken. Feste Entschlossenheit ist in seinen Worten zu hören: „Das einzige Königreich ist stark, stark und groß, wo die Menschen wissen, dass sie einen Herrn haben.“ Den zentralen Platz nimmt das an verschiedenen Stimmungsschattierungen reiche Gespräch zwischen dem Zaren und Olga ein. Olgas sanfter, ruhiger Rede „Selbst als dummes Kind habe ich für dich gebetet“ stehen die Worte des Zaren gegenüber, als wären sie von seelischen Schmerzen verzerrt: „Sag mir besser, ohne mich zu verstecken, wer es öfter - mit einer Buche - getan hat sie erschrecken dich mit Zar Ivan in der Kindheit?“ Der Komponist erscheint in dieser Szene als bemerkenswerter Meister der psychologischen Porträtmalerei. Alle weiteren Ereignisse werden in der Oper prägnant umrissen. Aus der Ferne erklingt die Melodie des Kampfliedes Clouds (mit anderen Worten als zuvor) „Ali ist nirgendwo, nirgendwo, um jetzt Schwerter oder Äxte zu schärfen“, die vom Chor der Freien aufgenommen wird. Die Kampfszene mit dem Ausruf von Clouds "Für Pskow, für die Antike!" Grosnys tragischer Abschied von seiner Tochter findet vor dem Hintergrund seines musikalischen Hauptthemas statt. Die Oper endet mit dem Chorepilog „Es geschah durch den Willen Gottes: Großer Pskow fiel mit stolzem Willen.“ Der Refrain klingt episch, majestätisch, einige melodische Wendungen sind darin eingewoben, die an Olgas musikalische Charakterisierung erinnern.

Konzertaufführung von Rimski-Korsakows Oper Die Jungfrau von Pskow auf der historischen Bühne des Bolschoi-Theaters.

Die Jungfrau von Pskow ist die erste Oper des 27-jährigen Komponisten. Als Professor am St. Petersburger Konservatorium sah er sich mit der Fragmentierung seines Wissens konfrontiert, und während er Die Jungfrau von Pskow komponierte, verstand er selbst alle Feinheiten der Schaffung von Opernwerken. Als dramatische Grundlage für die Oper nahm der Komponist das Schauspiel von Lev Mey (1822-1862) – einem Dichter, Übersetzer und Dramatiker, der heute kaum noch jemandem bekannt ist. Mit seinem Werk verewigte Rimsky-Korsakov seinen Namen, indem er vier Opern schrieb, die auf drei seiner Stücke basierten. Das berühmteste und beliebteste von vielen der heutigen Opernhäuser ist Die Zarenbraut. Weniger bekannt "Servilia" - über die Ereignisse des antiken Roms. Und auch „Boyarina Vera Sheloga“, die zunächst als erster Akt von „Die Jungfrau von Pskow“ entstand und dann zu einer eigenständigen Einakter-Oper wurde. Es wurde angenommen, dass "Vera Sheloga" am selben Abend mit "Pskovityanka" aufgeführt würde. Es erzählt die Geschichte des Erscheinens der Pskowiterin Olga Tokmakova.

Die Uraufführung der Oper fand am 1. Januar 1873 im Mariinski-Theater statt. Kritiker zertrümmerten es in Stücke und nannten Rimski-Korsakows Werk „ein langes Rezitativ in vier Akten“. „Wir wollen singen“, forderten sie, „aber du hast es nicht, singen!“ 1876-1878 machte der Komponist eine zweite Ausgabe, die jedoch nicht funktionierte. "In der ersten Ausgabe litt ich unter einem Mangel an Wissen, in der zweiten - unter ihrem Übermaß und der Unfähigkeit, sie zu verwalten", gab er zu. Aber das historische Thema aus der Zeit von Iwan dem Schrecklichen ließ Nikolai Andreevich nicht los. 1891-1892 arbeitete er erneut an The Maid of Pskov. Es ist die dritte Version, die heute in allen Theatern aufgeführt wird. Der Komponist entpuppte sich als groß angelegte Oper mit wunderbarer Musik und reichhaltigem Material, um eine ganze Galerie unvergesslicher Bilder zu schaffen. Seine erfolgreiche Premiere fand am 6. April 1895 im privaten Panaevsky-Theater in St. Petersburg statt.

Die Handlung der Oper spielt um die historischen Ereignisse von 1569-1570, als Iwan der Schreckliche die Überreste der Unabhängigkeit von Nowgorod und Pskow zerstörte. Nach einem brutalen Massaker in Nowgorod kommt der Zar in Pskow an. Im Haus des königlichen Gouverneurs, Prinz Yuri Tokmakov, trifft er seine Tochter Olga. Grosny ist beeindruckt von der Ähnlichkeit des Mädchens mit ihrem langjährigen Liebhaber. Tokmakov gesteht dem Zaren, dass Olga nicht seine Tochter ist, sondern die Schwestern seiner Frau, und ihr Vater ist unbekannt. Als Grosny erkennt, dass Olga seine Tochter ist, beschließt er, das Blut seiner Untertanen nicht mehr zu vergießen und Pskow zu begnadigen. Olga erfährt auch, dass sie nicht Tokmakovs Tochter ist, nachdem sie das Gespräch des genannten Vaters mit dem alten Bojaren Matuta gehört hat, mit dem sie sie heiraten wollen. Olga hingegen liebt den jungen Städter-Sohn Mikhailo Tucha, der die Pskower Ehrenbürger leitet. Nachts trifft das Mädchen ihren Geliebten in den Wäldern von Pskow und beschließt, mit ihm für ein freies Leben in die Wälder zu gehen. Doch sie wird von Matutas Dienern entführt, die von den Dienern des Königs, der sich in seinem Hauptquartier in einem Zelt am Flussufer aufhält, festgenommen und zum König gebracht werden. Olga erzählt Ivan dem Schrecklichen ehrlich von ihrer Liebe zu Mikhailo und bittet ihn, ihn nicht zu töten. Es ertönt ein Pfiff von Clouds, der gekommen ist, um seine Geliebte zu retten. Hinter dem königlichen Zelt hat die Verfolgung der Cloud bereits begonnen. Olga rennt aus dem Zelt und fällt von einer verirrten Kugel tot um.

Die Premiere von The Maid of Pskov mit dem Prolog Vera Sheloga fand am 10. Oktober 1901 im Bolschoi-Theater unter Beteiligung von Fjodor Schaljapin statt, der das grandiose Bild von Iwan dem Schrecklichen schuf.

Bis 1999 enthielten alle nachfolgenden Produktionen der Oper einen Prolog. Von 1971 bis 1977 war Tamara Milashkina die einzige der Darstellerinnen, die an einem Abend die Rollen von Vera Sheloga und Olga sang. Herausragende Bässe des Bolschoi-Theaters Alexander Pirogov, Mark Reizen, Alexander Ognivtsev, Arthur Eisen, Ivan Petrov traten als König auf. Die letzte Produktion von Die Jungfrau von Pskow, bereits ohne Vera Sheloga, wurde am 15. Dezember 1999 im Bolschoi-Theater von Musikdirektor und Dirigent Yevgeny Svetlanov, Regisseur Joachim Sharoev, Bühnenbildner Sergei Barkhin und Kostümbildnerin Tatyana Barkhina aufgeführt. Es hat nur 13 Mal bestanden und am 25. November 2000 aufgehört zu existieren.

Nach 17 Jahren wandte sich der Musikdirektor des Bolschoi-Theaters Tugan Sokhiev dieser wunderbaren Oper von Rimsky-Korsakov zu, aber bisher hat er nur ihre konzertante Aufführung aufgeführt. Er hatte eine sehr schwierige Aufgabe vor sich. Die Oper ist groß angelegt, drei Akte, mit einer Masse von verschiedenen Chorszenen, detaillierten Dialogen, einem kraftvollen Bild von Iwan dem Schrecklichen. Bisher hat noch nicht alles geklappt.

Der Chor des Bolschoi-Theaters mit 120 Personen (Chefchorleiter Valery Borisov) erwies sich als auf der Höhe. Jede Chorszene war ausdrucksstark und präzise: Dies war der Frauenchor im Tokmakov-Garten, der ein fröhliches Spiel begann, und die Volksszenen auf den Plätzen von Pskow, und die von der Wolke angeführten Freien, und das lyrische Lied der Mädchen, die gingen auf einer Pilgerreise usw. Das Orchester unter der Leitung von Tugan Sokhiev ist immer noch nicht genug Effizienz, Energie, Intensität schwieriger Ereignisse und Umfang, die für die „Pskovityanka“ erforderlich sind. Sie erscheinen immer noch, aber nicht sofort. Am ersten Abend – erst in der zweiten Opernhälfte, am nächsten Tag deutlich früher – nach dem ersten Bild. Vielleicht gab es wegen der vielen Auslandsreisen des Dirigenten einfach zu wenig Proben? Auf jeden Fall war das Hören der Oper am zweiten Abend viel interessanter. Und was ermutigend war, war die meist gut gewählte Besetzung der Darsteller.

Wir müssen dem polnischen Bass Rafal Shivek Tribut zollen – sein Bild von Iwan dem Schrecklichen erwies sich als bedeutsam. Der Sänger hat neben einer ausdrucksstarken Stimme und einem unbestrittenen schauspielerischen Talent eine gute russische Sprache und ein wahres Verständnis der russischen Geschichte. Der facettenreiche Charakter von Prinz Tokmakov wurde von Vyacheslav Pochapsky geschaffen. Sein Held hat Würde und Adel, eine wohlwollende und aufmerksame Haltung gegenüber den Menschen um ihn herum: gegenüber dem Zaren und seinen Pskowitern. Sein dicker Bass mit vielen Klangfarbenschattierungen half den Zuhörern, an Tokmakovs aufrichtige Liebe zu Olga und den leidenschaftlichen Wunsch des Gouverneurs des Zaren zu glauben, Iwan den Schrecklichen freundlich willkommen zu heißen und die Konflikte der Freien mit dem Zaren in Frieden zu schlichten.

Oleg Dolgov, der Interpret der Rolle von Mikhailo Tucha, hat einen starken dramatischen Tenor, er hat alle Spitzentöne, von denen es viele gibt, ehrlich gespielt, alles, was der Komponist geschrieben hat. Aber sein Mikhailo war irgendwie förmlich. In ihm war keine Liebe zu Olga, kein Unfug, keine Begeisterung, die mit dem Bild eines Sohnes eines freien Bürgers und des ungehorsamen Zaren Mikhailo Clouds gefüllt werden sollte. Der Bojar Matuta von Roman Muravitsky erwies sich als interessant - gierig, feige, gemein, nur um Zeit zu haben, sich das zu schnappen, was er wollte - die Entführung von Olga Tokmakova durch Leibeigene. Ich wollte auch das farbenfrohe Bild von Vlasyevnas Mutter nennen, das umgekehrt von Evgenia Segenyuk geschaffen wurde. Dieselbe Rolle spielte sie übrigens 1999 in der letzten Inszenierung des Bolschoi-Theaters, ohne bis heute weder die Leuchtkraft der Farben noch die Frische des Hauches der Moderne zu verlieren. Ehrlich gesagt gelang Anna Nechaeva die Rolle der Olga Tokmakova weder in der Stimme noch im schauspielerischen Temperament. Nechaeva ist eine sehr gute professionelle Sängerin, sie hat viele hervorragende Theaterstücke: Donna Anna in Dargomyzhskys Steiniger Gast, Elizaveta in Verdis Don Carlos, Kuma in Tschaikowskys Die Zauberin und andere.% ist nicht ihre Rolle.

Am zweiten Abend traten zwei neue Darsteller auf. Dies sind junge Sänger, Absolventen des Jugendopernprogramms des Bolschoi-Theaters, die die Pskovityanka mit ihrem stimmlichen und schauspielerischen Talent, ihrer Vitalität und verschiedenen Gefühlen und Stimmungen, die mit der heutigen Realität übereinstimmen, schmückten. Dies sind der Tenor Sergei Radchenko - Mikhailo Tucha und die Sopranistin Maria Lobanova - Olga. Sie haben helle, charmante, fliegende Stimmen, die sofort die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich ziehen. Seltsamerweise verließ nach einem langweiligen Beginn des ersten Abends während der Pause die Hälfte des Zuschauerraums The Maid of Pskov. Am zweiten Abend blieben die meisten Zuschauer, um herauszufinden, was als nächstes mit Tucha, Olga und Zar Ivan Vasilyevich geschah, der sich als Vater des Mädchens herausstellte. In der Tat war es ein 100% Hit Radchenko und Lobanova in der Rolle. Du glaubst an die Liebe von Olga und Mikhailo, du folgst ihrer mutigen Suche nach Wegen, zusammen zu sein. Sie freuen sich, wenn Sie das einladende Pfeifen von Clouds und seine inbrünstigen Lieder hören. Wie genau Lobanova das Innenleben ihrer Heldin voller Widersprüche offenbart: die erste große Liebe und der Wunsch, den alten und bösen Verlobten Bojar Matuta so schnell wie möglich loszuwerden, die Anziehungskraft von Gedanken und Gebeten über Zar Ivan Vasilyevich von Kindheit an, und widersprüchliche Gefühle, als das Mädchen herausfindet, dass Tokmakov nicht ihr Vater ist. Vereinige in ihrem Herzen Zittern und Aufrichtigkeit, Entschlossenheit und Angst vor dunklen Wäldern, böse Vorahnungen und Hoffnung auf Glück mit deiner Liebsten. Aber Gott hat es anders versprochen. Olga stirbt auf lächerliche Weise. Die Geschichte der Pskowiterin Olga endet mit dem Schluchzen Iwans des Schrecklichen über der Leiche seiner Tochter, begleitet von einem tiefen Chor.

Andrey Chripin

Magst du "Pskovityanka"?

IVAN SUSANIN", "Oprichnik", "Pskowit". Meerjungfrau voraus. Es sieht so aus, als ob das Bolschoi-Theater wirklich über seine historische Mission nachgedacht hat und ernsthaft beabsichtigt, die Hauptstadt der russischen Oper zu werden, wie es übrigens dem Nationaltheater und seiner Zeit gebührt. Die Richtigkeit der eingeschlagenen Strategie bestätigte das Theater auch während der Sommertourneen in London, als viele britische Zeitungen staunten, wie makellos Russen ihr Opernmuseum erhalten können.

Die Rückkehr auf die Bühne der russischen Opern, einst Repertoire, aber jetzt zu Raritäten geworden, ist sicherlich eine gute Sache. Nur hier zeugen Beispiele der Wiederbelebung der alten „stalinistischen“ „Susanin“ und des kürzlich verlorenen Kampfes um „Oprichnik“ von der Schädlichkeit der formalen Wiederbelebung russischer Partituren im Rahmen überholter Ästhetik. Ja, der Inhalt bleibt gleich, aber die Zeiten ändern sich, und die Form kann heute nicht mehr so ​​bleiben wie vor hundert Jahren. Wenn jemand diesbezüglich alternative Überlegungen hat - wir laden Sie zur Diskussion ein.

Seine Lieblingsoper Die Jungfrau von Pskow von Rimsky-Korsakov, Maestro, zu inszenieren Jewgeni Swetlanow wählte den Direktor der alten Formation Ioakim Sharoev, eine verabscheuungswürdige Figur in den Augen vieler Progressiver. Fragt man den großen Dirigenten, warum er das getan habe, antwortet Evgeny Fedorovich ungefähr so, als wolle er seine Karriere am Bolschoi-Theater mit einer im besten Sinne altmodischen und stark konservativen Aufführung beenden. „Konservativ“ bedeutet nicht schlecht. Svetlanov zum Beispiel macht seine „konservative Musik“ in „Pskovityanka“ mit einer solchen Ladung an Liebe und Zärtlichkeit, dass nur ein kaltes Herz die Energiewellen dieser Strahlung nicht wahrnimmt. Wenn nur andere Schöpfer der Aufführung wie Svetlanov diese Oper so fanatisch und hingebungsvoll lieben könnten! Dann könnte vielleicht ein Wunder geschehen.

Ach? in Sharoevs nüchterner und primitiv einfacher Verkabelung gibt es keinen Enthusiasmus, keinen Magnetismus, keine besondere Fantasie, deren Maximum sich offenbart, wenn Grosny plötzlich auftaucht und nicht von jenen Türen, von denen er erwartet wird, und vielleicht sogar im Moment von Demonstration von zwei lebenden Pferden in der Szene der königlichen Jagd. Rimski-Korsakows Oper ist reich an Massenszenen und arm an der psychologischen Entwicklung der Figuren, der zwischenmenschliche Konflikt wird vom Komponisten vage und statisch offengelegt. Anscheinend nahm der Regisseur dies als Handlungsempfehlung. Die Darbietung ist in viele kleine Standbilder aufgeteilt, zwischen denen es fast keine Verbindungsfäden gibt. Wenn nicht gesungen wird, können die Helden von einer Seite zur anderen gehen, sogar ein wenig rennen, aber wenn es an der Zeit ist, einzutreten, gruppieren sie sich zu einer Pose und singen eingefroren ihr Solofragment oder ihre Duettszene bis zur letzten Note. Massenszenen wie in Oprichnik mit Krüppeln und Opernbettlern des Meisters der Schauspiele, künstlerischer Leiter des Kulturprogramms der Olympischen Spiele 80, erwiesen sich als wirklich massiv, aber chaotisch. In den Umzügen von schwarzen und weißen Trauernden ist ein Zitat zu sehen, unter anderem aus der einst berühmten Aufführung von Kolobov-Ivanova „Boris Godunov“. In jeder Inszenierung spürt man die Gleichgültigkeit und Annäherung der Position.

Wenn die Regie in The Pskovityanka mehr oder weniger neutral ist, dann ist die Szenografie von Sergei Barkhin, die den großartigen Stil der Staffelei und die speziell gemalte Landschaft von Fedorovsky nachahmt, offen zynisch und negativ. Was sind die verzerrten, zerknitterten Gesichter in gläsernen Raumanzügen, die im Epilog auf den Kulissen- und Backstage-Bannern statt heiliger Gesichter mit Heiligenschein erscheinen. Und „ah“ im Zuschauerraum, wenn das sachkundige Publikum in der Gestaltung des ersten Bildes eine versteckte Parodie auf die „susanischen“ Schönheiten von Williams realisiert. Eine Treppe, die ins Nirgendwo führt! Und das Frontalbild des Tocsin auf dem Supervorhang, wenn die bemalten Glocken im Takt des Läutens schwingen! All dies erinnerte mich an die spöttische Intonation von Murvanidzes Bühnenbild für Pokrovsky-Rostropovichs Chovanshchina, mit dem einzigen Unterschied, dass Barkhin keine russophoben Motive hat.

Svetlanov ist natürlich wunderbar in seiner Liebe zur "Pskovityanka" und in seinem Mut. Und sei es nur, weil es ihm trotz seiner Umgebung, die sich nicht in Die Maid von Pskov verliebte, gelang, die Schönheiten dieser Musik hervorzuheben, die sich so sehr von dem unterscheidet, was Rimsky-Korsakov in Zukunft haben würde. Über die Vor- und Nachteile der Partitur lässt sich streiten (letztere gibt es, und der Autor selbst hat sie in beträchtlicher Zahl erkannt), aber Svetlanov macht aus dem, was vorhanden ist, erstklassige russische Musik. Ja, der Maestro hat nicht mehr diese elementare Kraft, die einen in Kitezh so unterdrückt und verrückt gemacht hat, aber es gibt die Weisheit späterer Einsichten, es gibt Wärme, es gibt Aufrichtigkeit, es gibt ein wunderbar rauschendes Pianissimo. Vielleicht sind die Tempi etwas zurückhaltender als uns lieb ist, und an manchen Stellen findet man sogar Momente von „stehendem Wasser“, aber das ist interessant – so lautet also das aktuelle musikalische Weltbild des Maestros. Das Bolschoi-Orchester liebt Svetlanov und klingt im Großen und Ganzen anständig, mit Ausnahme der mikroskopischen Rauheit, einschließlich der Blasinstrumente. "Pskovityanka" in seinem jetzigen, wenn auch nicht hundertprozentig orchestralen Zustand, ist einfach ein Fest für das Ohr und den Geist.

Leider ist der Feiertag nur auf der Orchesterstraße. In der Chorabteilung Nebel, in der Gesangsabteilung - bedeckt und grauer Regen wie eine Wand. Klingt Chor unter der Leitung Stanislaw Lykow im Prinzip nicht schlecht, aber die Diktion ist immer noch verdeckt, besonders in der polyphonen Szene der Partynacht. Das Erbe der ehemaligen Besitzer der Grand Opera unter der Leitung von Bela Rudenko muss wie die Augias-Ställe geharkt und geräumt werden. Damit werden die 1990er Jahre als die stimmloseste Ära des Bolschoi-Theaters im 20. Jahrhundert in die Geschichte eingehen.

Für die Uraufführung von „Die Jungfrau von Pskow“ wurden ungefähr drei Künstlerteams vorbereitet. In keinem von ihnen gibt es einen Künstler, der vollständig und ohne Vorbehalte für die Rolle von Iwan Wassiljewitsch dem Schrecklichen geeignet ist, der in Bezug auf Subtilität und Komplexität Schaljapin ist. Premier Zar in Hinrichtung Wjatscheslaw Pochapsky, bis vor kurzem auf die Nebenparteien spezialisiert, entbehrt jeglicher Tragweite. Von Natur aus Kammer und akustische Eigenschaften, dumpfer, tiefer Bass, trockenes, uninteressantes Timbre, Bühnensteifigkeit und Enge, spezifische Dumpfheit der Artikulation geben dem Sänger leider nicht die geringste Chance, das Publikum davon zu überzeugen, dass er Grosny ist. Der Künstler versucht, arbeitet mit aller Kraft, aber was nützt es, wenn das Ergebnis so minimal ist. Der Grund für das Scheitern ist banal - jeder sollte möglichst sein eigenes Ding machen. Oder ist das russische Land mit Bass völlig verarmt? Nein, sie schien nicht verarmt zu sein, seit dem zweiten Grosny - Alexandra Naumenko- eine vollwertige Stimme und hochwertige Schule von Nina Dorliak. Er malt Intonationen emotionaler und skurriler, manifestiert sich talentierter als Schauspieler in Momenten von Ivans psychopathischen Schwankungen. Er bemüht sich sehr, aber eine andere Somatik, eine andere Psychophysik, ich weiß nicht, wie ich es genauer sagen soll, hindern ihn daran, schrecklich zu werden.

Die aufrührerische Vorstellung über die Bässe wird auch durch die gelungene Aufführung des „Varangian“ widerlegt. Leonid Simnenko, bekannt für langjährige Arbeit am Stanislavsky- und Nemirovich-Danchenko-Theater. Die Rolle des Pskower Gouverneurs Yuri Tokmakov, nicht weniger komplex als die Rolle des Zaren, bereitet den Draufgängern Hindernisse in Form von für den Bass riskanten Spannungen der Tessitura und soliden Fis an der Spitze. Der erfahrene Zimnenko bewältigt die technische Seite der Sache eher bravourös, aber das von ihm geschaffene Bild von weiser Kraft verdient viel mehr Lob. Diese Kraft, auf bäuerliche Weise, scharfsinnig und ruhig, dass das Fleisch vom Fleisch der Menschen und von der Mutter Erde ist. In einer anderen Zusammensetzung ein weiterer "Waräger" - bekannt aus Charkow und Saratow Wladimir Dumenko- Ich konnte nichts spielen, aber es fiel auf mit einem dumpfen, abgenutzten Bass mit, entschuldigen Sie, provinziellem Wackeln in Kantilenenstellen und anderem technischen und diktionalen Aufwand.

Beeindruckender, ich würde sogar sagen, heroischer Auftritt Pawel Kudrjawtschenko(der Anführer der Pskower Ehrenbürger Michail Tucha), der nach der Weltopern-Odyssee in sein Vaterland zurückgekehrt ist, erweist sich als trügerisch. Hinter einer soliden Fassade - schäbiger, instabiler Gesang, etwas, das von seiner einstigen Pracht überlebt hat. Ging lange nirgendwo hin Nikolai Wassiljew(zweite Wolke), aber für den ersten Tenor des Bolschoi ist er nicht geeignet. An der Grenze zum „Weißen“ klingend (offener, volkstümlicher Klang), professionelle Unterausstattung in Bezug auf die Beherrschung elementarer Techniken, falsche Töne und unterdehnte Decken, sowie verschwindende Konsonanten in Phrasen, die in hoher Tessitura geschrieben sind – all dies, trotz des Lobens Lautstärke und Klangfülle singen, verursacht keine Sympathie. Obwohl die Gerechtigkeit es erfordert, Vasilievs Handlungsfreiheit und Ungestüm zu würdigen, ist es nur schade, dass es in dem engen Rahmen von Sharoevs Richtung keinen besonderen Weg gibt, an den man sich wenden kann. Von den beiden Matut (charakteristischer Tenor) der Premier Oleg Biktimirow, ehemaliger Stargazer Svetlanov, deutlich unterlegen Andrej Salnikow, bietet viel mehr vollwertigen Gesang und groteske Schärfe bei der Darstellung eines kleinen Bösewichts. Ebenso erfolglos sind die beiden Darsteller des Boten Yushko Velebin, der die Nachricht von der Niederlage Nowgorods überbringt, Yuri Grigoriev und Vladimir Krasov.

Die Hauptheldin der Oper, die uneheliche Tochter von Iwan dem Schrecklichen, Olga, ist die Verkörperung der geschätzten Eigenschaften einer nordrussischen Frau. Im Vergleich zu Oprichnik kam das weibliche Bild der Pskovityanka in der Aufführung konvexer und charmanter heraus, brach aber immer noch nicht aus der Wampuki-Sphäre aus. Allerdings über das schauspielerische Potenzial Maria Gavrilova und Irina Rubtsova muss nicht sprechen. Indem sie ihre Stimme für eine gewisse Zeit an die harsche Akustik des Bolschoi anpassten, bekamen beide Sänger einen langweiligen, durchdringenden und weitschweifigen Klang, anstatt die Weichheit und einhüllende Wärme des Timbres zu verlieren (das gilt übrigens auch für andere Primadonnen - Elena Zelenskaya und Irina Bikulovon). Bei der Premiere klang Gavrilova jedoch wunderschön mit Ausdünnung mit "Blasen" und leisen Bemerkungen in der Sterbeszene mit Grosny, ausgesprochen wie im Somnambulismus. Von den beiden Müttern in der Partitur ist Wlassjewna farbiger ausgeschrieben. Diese Rolle war besonders erfolgreich Galina Borisova, erfolgreiche Überwindung des schmerzhaften Übergangs von den ersten Rollen zu den Altersrollen (Vlasyevna Jewgenija Segenjuk, wahrscheinlich zu jung für solche Bilder). Borisova hingegen zeigte sowohl einen vollmundigen Brustton als auch genaue Vorstellungen von den Traditionen des charakteristischen Gesangs am Bolschoi. Premiernaya Perfilyevna (eine andere Mutter) in der Interpretation einer Debütantin Elena Novak sieht intelligent und damit unnatürlich aus, und übrigens erreichen nicht alle Worte ihrer Ausführungen den Zuhörer - im Gegenteil, in der gleichen Rolle Ludmila Korzhavina erfreut über kraftvollen Alt, alltagstaugliche Saftigkeit und gute Diktion. Die Schönheit der Frauen ist ewig Galina Tschernoby(Olgas Freundin Stepanida Matuta) wird mit den Resten einer lockeren, abgenutzten Stimme kombiniert, sodass man in dieser kleinen Rolle nicht nur äußerlich jung und frisch wirken möchte Oksana Lomowa.

Nachdem die Salven und Schüsse verklungen waren (Mikrofonschläge von Stöcken auf etwas Hölzernes), nachdem der Chor ein Requiem für eine Pskowiterin gesungen hatte, nach dem Applaus eines wohlwollenden Saals (unter anderem saß Primakow in den ersten Reihen). des Parketts), nach langem Warten unter den Armen mit Gavrilova und Borisova, erschien endlich der Übeltäter der Premiere, der müde und glückliche Svetlanov, auf der Bühne. Das wäre das Ende, aber Pavel Pavlovich Borodin, ein Kandidat für das Amt des Bürgermeisters von Moskau, ging selbstbewusst zur Rampe und sagte das Wort: Sie sagen, es ist übrigens schade, dass die Oper „Pskovityanka“ heißt. und nicht „Moskwitschka“, weil die schönsten Mädchen in Moskau leben, aber nichts, wir werden bald die Oper „Moskwitschka“ haben. Es gibt eine Bestellung. Autor!

Magst du "Pskovityanka"?

IVAN SUSANIN", "Opritschnik", "Pskowit". Meerjungfrau voraus. Es sieht so aus, als ob das Bolschoi-Theater wirklich über seine historische Mission nachgedacht hat und ernsthaft beabsichtigt, die Hauptstadt der russischen Oper zu werden, wie es übrigens dem Nationaltheater und seiner Zeit gebührt. Die Richtigkeit der eingeschlagenen Strategie bestätigte das Theater auch während der Sommertourneen in London, als viele britische Zeitungen staunten, wie makellos Russen ihr Opernmuseum erhalten können.

Die Rückkehr auf die Bühne der russischen Opern, einst Repertoire, aber jetzt zu Raritäten geworden, ist sicherlich eine gute Sache. Nur hier zeugen Beispiele der Wiederbelebung der alten „stalinistischen“ „Susanin“ und des kürzlich verlorenen Kampfes um „Oprichnik“ von der Schädlichkeit der formalen Wiederbelebung russischer Partituren im Rahmen überholter Ästhetik. Ja, der Inhalt bleibt gleich, aber die Zeiten ändern sich, und die Form kann heute nicht mehr so ​​bleiben wie vor hundert Jahren. Wenn jemand diesbezüglich alternative Überlegungen hat - wir laden Sie zur Diskussion ein.

Maestro Yevgeny Svetlanov wählte den Regisseur der alten Schule, Joakim Sharoev, eine verhasste Figur in den Augen vieler Progressiver, um seine Lieblingsoper The Maid of Pskov von Rimsky-Korsakov zu inszenieren. Fragt man den großen Dirigenten, warum er das getan habe, antwortet Evgeny Fedorovich ungefähr so, als wolle er seine Karriere am Bolschoi-Theater mit einer im besten Sinne altmodischen und stark konservativen Aufführung beenden. „Konservativ“ bedeutet nicht schlecht. Svetlanov zum Beispiel macht seine „konservative Musik“ in „Pskovityanka“ mit einer solchen Ladung an Liebe und Zärtlichkeit, dass nur ein kaltes Herz die Energiewellen dieser Strahlung nicht wahrnimmt. Wenn nur andere Schöpfer der Aufführung wie Svetlanov diese Oper so fanatisch und hingebungsvoll lieben könnten! Dann könnte vielleicht ein Wunder geschehen.

Ach? in Sharoevs nüchterner und primitiv einfacher Verkabelung gibt es keinen Enthusiasmus, keinen Magnetismus, keine besondere Fantasie, deren Maximum sich offenbart, wenn Grosny plötzlich auftaucht und nicht von jenen Türen, von denen er erwartet wird, und vielleicht sogar im Moment von Demonstration von zwei lebenden Pferden in der Szene der königlichen Jagd. Rimski-Korsakows Oper ist reich an Massenszenen und arm an der psychologischen Entwicklung der Figuren, der zwischenmenschliche Konflikt wird vom Komponisten vage und statisch offengelegt. Anscheinend nahm der Regisseur dies als Handlungsempfehlung. Die Darbietung ist in viele kleine Standbilder aufgeteilt, zwischen denen es fast keine Verbindungsfäden gibt. Wenn nicht gesungen wird, können die Helden von einer Seite zur anderen gehen, sogar ein wenig rennen, aber wenn es an der Zeit ist, einzutreten, gruppieren sie sich zu einer Pose und singen eingefroren ihr Solofragment oder ihre Duettszene bis zur letzten Note. Massenszenen wie in Oprichnik mit Krüppeln und Opernbettlern des Meisters der Schauspiele, künstlerischer Leiter des Kulturprogramms der Olympischen Spiele 80, erwiesen sich als wirklich massiv, aber chaotisch. In den Umzügen von schwarzen und weißen Trauernden ist ein Zitat zu sehen, unter anderem aus der einst berühmten Aufführung von Kolobov-Ivanova „Boris Godunov“. In jeder Inszenierung spürt man die Gleichgültigkeit und Annäherung der Position.

Wenn die Regie in The Pskovityanka mehr oder weniger neutral ist, dann ist die Szenografie von Sergei Barkhin, die den großartigen Stil der Staffelei und die speziell gemalte Landschaft von Fedorovsky nachahmt, offen zynisch und negativ. Was sind die verzerrten, zerknitterten Gesichter in gläsernen Raumanzügen, die im Epilog auf den Kulissen- und Backstage-Bannern statt heiliger Gesichter mit Heiligenschein erscheinen. Und „ah“ im Zuschauerraum, wenn das sachkundige Publikum in der Gestaltung des ersten Bildes eine versteckte Parodie auf die „susanischen“ Schönheiten von Williams realisiert. Eine Treppe, die ins Nirgendwo führt! Und das Frontalbild des Tocsin auf dem Supervorhang, wenn die bemalten Glocken im Takt des Läutens schwingen! All dies erinnerte mich an die spöttische Intonation von Murvanidzes Bühnenbild für Pokrovsky-Rostropovichs Chovanshchina, mit dem einzigen Unterschied, dass Barkhin keine russophoben Motive hat.

Svetlanov ist natürlich wunderbar in seiner Liebe zur "Pskovityanka" und in seinem Mut. Und sei es nur, weil es ihm trotz seiner Umgebung, die sich nicht in Die Maid von Pskov verliebte, gelang, die Schönheiten dieser Musik hervorzuheben, die sich so sehr von dem unterscheidet, was Rimsky-Korsakov in Zukunft haben würde. Über die Vor- und Nachteile der Partitur lässt sich streiten (letztere gibt es, und der Autor selbst hat sie in beträchtlicher Zahl erkannt), aber Svetlanov macht aus dem, was vorhanden ist, erstklassige russische Musik. Ja, der Maestro hat nicht mehr diese elementare Kraft, die einen in Kitezh so unterdrückt und verrückt gemacht hat, aber es gibt die Weisheit späterer Einsichten, es gibt Wärme, es gibt Aufrichtigkeit, es gibt ein wunderbar rauschendes Pianissimo. Vielleicht sind die Tempi etwas zurückhaltender als uns lieb ist, und an manchen Stellen findet man sogar Momente von „stehendem Wasser“, aber das ist interessant – so lautet also das aktuelle musikalische Weltbild des Maestros. Das Bolschoi-Orchester liebt Svetlanov und klingt im Großen und Ganzen anständig, mit Ausnahme der mikroskopischen Rauheit, einschließlich der Blasinstrumente. "Pskovityanka" in seinem jetzigen, wenn auch nicht hundertprozentig orchestralen Zustand, ist einfach ein Fest für das Ohr und den Geist.

Leider ist der Feiertag nur auf der Orchesterstraße. In der Chorabteilung Nebel, in der Gesangsabteilung - bedeckt und grauer Regen wie eine Wand. Der Chor unter der Leitung von Stanislav Lykov klingt im Prinzip gut, aber die Diktion ist noch getrübt, besonders in der polyphonen Szene der Nachtparty. Das Erbe der ehemaligen Besitzer der Grand Opera unter der Leitung von Bela Rudenko muss wie die Augias-Ställe geharkt und geräumt werden. Damit werden die 1990er Jahre als die stimmloseste Ära des Bolschoi-Theaters im 20. Jahrhundert in die Geschichte eingehen.

Für die Uraufführung von „Die Jungfrau von Pskow“ wurden ungefähr drei Künstlerteams vorbereitet. In keinem von ihnen gibt es einen Künstler, der vollständig und ohne Vorbehalte für die Rolle von Iwan Wassiljewitsch dem Schrecklichen geeignet ist, der in Bezug auf Subtilität und Komplexität Schaljapin ist. Der Ministerpräsident, gespielt von Vyacheslav Pochapsky, der bis vor kurzem auf Zweitpositionsspiele spezialisiert war, ist ohne jeden Spielraum. Von Natur aus Kammer und akustische Eigenschaften, dumpfer, tiefer Bass, trockenes, uninteressantes Timbre, Bühnensteifigkeit und Enge, spezifische Dumpfheit der Artikulation geben dem Sänger leider nicht die geringste Chance, das Publikum davon zu überzeugen, dass er Grosny ist. Der Künstler versucht, arbeitet mit aller Kraft, aber was nützt es, wenn das Ergebnis so minimal ist. Der Grund für das Scheitern ist banal - jeder sollte möglichst sein eigenes Ding machen. Oder ist das russische Land mit Bass völlig verarmt? Nein, sie schien nicht verarmt zu sein, denn der zweite Grosny, Alexander Naumenko, hat eine vollwertige Stimme und eine hochwertige Schule von Nina Dorliak. Er malt Intonationen emotionaler und skurriler, manifestiert sich talentierter als Schauspieler in Momenten von Ivans psychopathischen Schwankungen. Er bemüht sich sehr, aber eine andere Somatik, eine andere Psychophysik, ich weiß nicht, wie ich es genauer sagen soll, hindern ihn daran, schrecklich zu werden.

Die aufrührerische Vorstellung von Bässen wird auch durch den erfolgreichen Auftritt des „Varangian“ Leonid Zimnenko widerlegt, der für seine langjährige Arbeit am Stanislavsky- und Nemirovich-Danchenko-Theater bekannt ist. Die Rolle des Pskower Gouverneurs Yuri Tokmakov, nicht weniger komplex als die Rolle des Zaren, bereitet den Draufgängern Hindernisse in Form von für den Bass riskanten Spannungen der Tessitura und soliden Fis an der Spitze. Der erfahrene Zimnenko bewältigt die technische Seite der Sache eher bravourös, aber das von ihm geschaffene Bild von weiser Kraft verdient viel mehr Lob. Diese Kraft, auf bäuerliche Weise, scharfsinnig und ruhig, dass das Fleisch vom Fleisch der Menschen und von der Mutter Erde ist. In einer anderen Komposition konnte ein anderer „Varangian“ – Vladimir Dumenko, bekannt aus Charkow und Saratow – nichts spielen, aber er fiel mit einem dumpfen, abgenutzten Bass mit, entschuldigen Sie, provinzieller Lockerheit in Kantilenenstellen und anderen technischen und diktionalen auf Kosten.

Der beeindruckende, ich würde sogar sagen, heroische Auftritt von Pavel Kudryavchenko (dem Anführer der Pskower Freien Michail Tucha), der nach einer Weltopern-Odyssee in seine Heimat zurückgekehrt ist, erweist sich als trügerisch. Hinter einer soliden Fassade - schäbiger, instabiler Gesang, etwas, das von seiner einstigen Pracht überlebt hat. Nikolai Vasiliev (die zweite Wolke) ist lange nirgendwo hingegangen, aber er ist auch nicht geeignet, der erste Tenor des Bolschoi zu sein. An der Grenze zum „Weißen“ klingend (offener, volkstümlicher Klang), professionelle Unterausstattung in Bezug auf die Beherrschung elementarer Techniken, falsche Töne und unterdehnte Decken, sowie verschwindende Konsonanten in Phrasen, die in hoher Tessitura geschrieben sind – all dies, trotz des Lobens Lautstärke und Klangfülle singen, verursacht keine Sympathie. Obwohl die Gerechtigkeit es erfordert, Vasilievs Handlungsfreiheit und Ungestüm zu würdigen, ist es nur schade, dass es in dem engen Rahmen von Sharoevs Richtung keinen besonderen Weg gibt, an den man sich wenden kann. Von den beiden Matuts (charakteristischer Tenor) ist die Uraufführung Oleg Biktimirov, der ehemalige Stargazer Svetlanov, Andrei Salnikov deutlich unterlegen, der deutlich mehr vollwertigen Gesang und grotesken Witz im Bild eines kleinen Bösewichts bot. Ebenso erfolglos sind die beiden Darsteller des Boten Yushko Velebin, der die Nachricht von der Niederlage Nowgorods überbringt, Yuri Grigoriev und Vladimir Krasov.

Die Hauptheldin der Oper, die uneheliche Tochter von Iwan dem Schrecklichen, Olga, ist die Verkörperung der geschätzten Eigenschaften einer nordrussischen Frau. Im Vergleich zu Oprichnik kam das weibliche Bild der Pskovityanka in der Aufführung konvexer und charmanter heraus, brach aber immer noch nicht aus der Wampuki-Sphäre aus. Über das schauspielerische Potenzial von Maria Gavrilova und Irina Rubtsova muss jedoch nicht gesprochen werden. Indem sie ihre Stimmen für eine gewisse Zeit an die raue Akustik des Bolschoi anpassten, bekamen beide Sängerinnen einen langweiligen, durchdringenden und wandschlagenden Klang, anstatt die Weichheit und einhüllende Wärme des Timbres zu verlieren (dies gilt übrigens auch für andere Primadonnen). - Elena Zelenskaya und Irina Bikulovon). Bei der Premiere klang Gavrilova jedoch wunderschön mit Ausdünnung mit "Blasen" und leisen Bemerkungen in der Sterbeszene mit Grosny, ausgesprochen wie im Somnambulismus. Von den beiden Müttern in der Partitur ist Wlassjewna farbiger ausgeschrieben. Diese Rolle war besonders erfolgreich für Galina Borisova, die den schmerzhaften Übergang von den ersten Rollen zu den Altersrollen erfolgreich überwand (Vlasyevna Evgenia Segenyuk ist wahrscheinlich zu jung für solche Bilder). Borisova hingegen zeigte sowohl einen vollmundigen Brustton als auch genaue Vorstellungen von den Traditionen des charakteristischen Gesangs am Bolschoi. Die Uraufführung Perfilyevna (eine andere Mutter) in der Interpretation der Debütantin Elena Novak sieht intelligent und daher unnatürlich aus, und übrigens erreichen nicht alle Worte in ihren Äußerungen den Zuhörer - im Gegenteil, Lyudmila Korzhavina hat sich in derselben Rolle gefreut mit kraftvollem Alt, alltagstauglicher Saftigkeit und guter Diktion. Der weibliche Charme der ewigen Galina Chernoby (Olgas Freundin Stepanida Matuta) wird mit den Resten einer lockeren, abgenutzten Stimme kombiniert, sodass in dieser kleinen Rolle Oksana Lomova, jung und frisch, nicht nur äußerlich, vorzuziehen ist.

Nachdem die Salven und Schüsse verklungen waren (Mikrofonschläge von Stöcken auf etwas Hölzernes), nachdem der Chor ein Requiem für eine Pskowiterin gesungen hatte, nach dem Applaus eines wohlwollenden Saals (unter anderem saß Primakow in den ersten Reihen). des Parketts), nach langem Warten unter den Armen mit Gavrilova und Borisova, erschien endlich der Übeltäter der Premiere, der müde und glückliche Svetlanov, auf der Bühne. Das wäre das Ende, aber Pavel Pavlovich Borodin, ein Kandidat für das Amt des Bürgermeisters von Moskau, ging selbstbewusst zur Rampe und sagte das Wort: Sie sagen, es ist übrigens schade, dass die Oper „Pskovityanka“ heißt. und nicht „Moskwitschka“, weil die schönsten Mädchen in Moskau leben, aber nichts, wir werden bald die Oper „Moskwitschka“ haben. Es gibt eine Bestellung. Autor!