Национальная японская музыка и инструменты. Техника игры на сямисэне

Я как-то обещала рассказать о японских музыкальных инструментах. Наступило это время. Бива попалась мне под руки совершенно случайно, но именно ей выпало открыть тему:)

Сегодня нашим вниманием завладеют волшебные - хотя и не ласковые, и не воздушные, а довольно жёсткие, металлические и ритмичные - звуки традиционного японского музыкального инструмента, который называется бива (biwa).
Бива - это японская разновидность лютни или мандолины, она попала в Японию из Китая в 7 веке, в Китае аналогичный инструмент называется пипа (pipa), в Китай же он попал из Персии в четвёртом веке нашей эры.
И корни европейской лютни тоже уходят в Центральную Азию.
В Японии более чем за тысячу лет развития бивы появилось много моделей, много школ игры и пения.

(Это своеобразный концерт для бивы с оркестром. Gion shoja. Композитор Hirohisa Akigishi
В записи пролог "The tale"s of Heike" (истории Хэйкэ, которая еще называется "Тайра моногатари") Это основное современное произведение, которое исполняется на бива. Эта запись сделана в Сеуле, в 2004 г. в Sejong center)

Инструмент по форме похож на заостряющийся кверху миндальный орех. Передняя стенка корпуса слегка выгнута вперёд, задняя - плоская. Стенки - то есть две деревянные доски - недалеко отстоят друг от друга, инструмент довольно таки плоский. В передней стенке три отверстия.
У бивы четыре или пять струн, изготовленных из тончайших шёлковых нитей, склеенных рисовым клеем. На грифе - пять очень высоких ладов.

Струны натянуты довольно свободно, то есть не очень-то они и натянуты. Музыкант, сильнее нажимая струну, изменяет её натяжение, то есть повышает высоту тона. Можно сказать, что инструмент вообще не настроен в западноевропейском смысле этого слова, но музыкант может брать определённые ноты, изменяя силу нажатия на струны.
Но смысл игры вовсе и не состоит в том, чтобы взять правильную ноту. Поэтому нет и мёртвой хватки зажимания струны, палец всё время меняет давление, отчего звук плавает. Кроме того, пальцем можно двигать струну по широким ладам, от этого струна начинает жужжать, как на таких индийских струнных инструментах как ситар или вина.

Биву держат вертикально и при игре используют треугольный деревянный медиатор, по форме напоминающий небольшой веер. Одна из его сторон достигает 30 сантиметров в длину, это своего рода лопатка. Изготовление этих лопаток - большое искусство, они должны быть твёрдыми и упругими одновременно. Дерево для медиатора высушивают в течение десяти лет. Понятное дело, применяется дерево редкой породы.
Медиатором можно ударять не только по струнам, но и по корпусу, а также царапать струны, впрочем, мастера говорят, что это современная техника, раньше такого не было.
Но ясно, что и ударить по струне таким большим медиатором можно далеко не одним способом - и это, разумеется, прекрасно слышно.

BIWA (King Records, 1990)
На компакт-диске два инструментальных трека и четыре - вокально-инструментальных. Наиболее впечатляющий - эпическая песня «Каванакаджима» («Остров между двумя реками») в исполнении Эномото Шизуи (Enomoto Shisui).
Эномото Шизуи умер в 1978 году, а родился - ещё в 19 веке. Он относился к знаменитым мастерам бивы эпохи до второй мировой войны.
В 19 веке и в первой половине 20-го искусство бивы переживало возрождение, в одном Токио действовало 30 мастеров, изготавливающих музыкальные инструменты, после войны во всей Японии - и во всём мире - остался всего лишь один. Это искусство имело шанс безвозвратно исчезнуть, потому что тексты песен были проникнуты ставшим политически некорректным самурайским духом.
По сравнению с новым поколением певцов голос Эномото Шизуи звучит трагичнее, надрывнее и, я бы сказал, - безжалостней.
Остров, которому посвящена эта песня - это полоска земли между двумя реками. На этом месте в 16 веке состоялось несколько битв между армиями двух военачальников.
Мне что-то не верится, что это развлекательная музыка, которую слушают вечером, устав от важных дел. Нет-нет, эта музыка явно напоминает самураям об их долге и воспламеняет их боевой дух.

Еще одна известная вещь - Atsumori, ну и на картине тоже бива.

Резкие металлические удары - похожие на удар меча - контрастируют с медленно разворачивающимся голосом певца. Гласные долго тянутся, ритм свободный, в музыке много пауз, но вялой её назвать ни в коем случае нельзя. Она очень напряжена и сосредоточена.
Кстати, паузы, пустоты, моменты тишины в японской традиции тоже считаются акустическим элементом, то есть звуком. Он называется словом «ма». Тишина может быть короткой или длинной, напряжённой или спокойной, неожиданной или логичной. Тишина подчёркивает некоторые звуки и смещает акцент в музыкальной фразе.

В истории бивы было две параллельные струи: во-первых, бива входила в состав придворного оркестра. Древняя бива лежала горизонтально на полу и на ней играли маленьким медиатором. Она являлась ударным инструментом.
В средневековье на биве играли аристократы и их вассалы, Предполагают, что эта музыка была чисто инструментальной. В классической литературе сохранилось много описаний средневековой солирующей бивы, её грациозного и изысканного звука и возвышенных мелодий, пришедших из Китая, но до наших дней в традиции придворной музыки солирующей бивы не сохранилось. В оркестре гагаку (Gagaku) партия бивы настолько проста, что невозможно отделаться от впечатления, что что-то важное было потеряно в веках.
Традиция бивы как солирующего инструмента прервалась в 13 веке и была возрождена лишь в 20.

"Ichinotani" en laúd Biwa por Silvain Guignard (fragmento). Европейское исполнение, как несложно видеть

Но главная функция бивы - это сопровождение длинных песен и рассказов.
Вплоть до 20-го столетия на биве играли практически исключительно слепые музыканты, их называли бивахоши. Некоторые из них были буддистскими монахами и читали сутры и гимны, но всё-таки большая часть певцов повествовала о войнах и битвах легендарных героев.
Самый знаменитый героический эпос из репертуара бивахоши - «Хайке Моногатари» (Heike Monogatari).
Это огромная и довольно кровавая поэма о том, как клан Хайке (он же Таире) после недолгого расцвета был разгромлен кланом Генджи (Genji, он же - Минамото) во второй половине 12 века.
Поэма насчитывает 200 эпизодов, из которых 176 - обычные, 19 - секретные, и оставшиеся 5 - сверхсекретные.

(сорри за качество изображения и звука. Играет Yukihiro Goto)
Все истории так или иначе иллюстрируют буддистские идеи причины и следствия, а также непостоянства судьбы.
Сегодня «Хайке Моногатари» исполняют лишь немногие из музыкантов, играющих на биве. У всех остальных - куда более современный репертуар.
Впрочем, есть мнение, что и героические песни, исполнявшиеся в средневековье слепыми монахами, исчезли, как и традиция инструментальной придворной бивы. Традиция героического пения несколько раз возрождалась, при этом, скорее всего, вовсе не в том виде, в котором она существовала 700 лет назад.
Хотя история инструмента уходит в 7-ой век, но музыка, которая дошла до наших дней, отношения к средневековью, по-видимому, уже не имеет, стиль, который сегодня называют древним и классическим - сформировался не так давно.
Важный момент в истории бивы - 16-й век.
Тогда был создан новый инструмент сацума бива (Satsuma biwa): предводитель клана Сацума отдал приказ так усовершенствовать маломощную и скромную лютню слепых монахов, чтобы она стала громким инструментом со впечатляющим и резким звуком. Бива стала более крупной, её корпус изготавливали из более твёрдых пород дерева. Её звук стал более мужественным, если не сказать - агрессивным.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(звук получше, но встраивание запрещено)
Были сочинены и новые песни. Цель этой акции была воспитательной и пропагандистской: юноши, проходившее воинское обучение - то есть будущие самураи, должны были крепчать духом и усваивать азы рыцарской доблести под эти песни.
Тогда не существовало канона игры и пения - любой самурай мог прокричать героический текст и для пущей выразительности время от времени колотить по струнам. Песни уже не только призывали молодёжь к подвигам, выжившие на войне самураи рассказывали о своих походах тоже под звуки бивы.
С течением времени, и вполне мирное население начало живо интересоваться этой милитаристической музыкой. Соответственно, появился стиль для гражданских лиц: machi fu (городской стиль) - и для военных: shi fu (самурайский стиль).
Появлялись новые разновидности инструмента. Скажем, чикузен бива (chikuzen-biwa) появилась в 19 веке, у неё есть одна дополнительная - высокая струна. Поэтому эта бива считается женской, более мягкой. Играют на ней, соответственно, женщины.

Во всех эпических песнях, исполняемых под аккомпанемент бивы, текст - это ритмизированная проза со вкраплением коротких поэтических пассажей. Некоторые фразы поются на канонические мелодии, после них следуют короткие инструментальные проигрыши. Но, как правило, удар-другой по струнам бивы звучит в конце каждой фразы или строфы. Эти удары различны по тембру - у бивы куда больше возможностей, чем у барабана.
Если звуки бивы и иллюстрируют то, о чём поёт сказитель, то исключительно тембром - тонкий звук или глухой, звучит он металлически или шипит... Текст поётся на классическом японском языке, слушатели должны понимать, о чём идёт речь: интонация, ритм и окраска звука связаны с содержанием драмы.
Это музыка для непосредственного слушания, для того, кто сопереживает действию, полностью им захвачен.
Мы, не зная языка, по-видимому, многого в этой музыке просто не воспринимаем, но она, удивительным образом, не становится от этого экзотической, причудливой или фантастической. Нет-нет, она сохраняет свою осмысленность и убедительность.
Интересно и то, что это очень эмоциональная музыка, очень напряжённая, открытая. А японцы - как и все прочие буддисты - вроде бы избегают демонстрировать свои чувства.

В Японии сила, которая движет вселенной, называется словом ki. Это духовная сила, аналогичная греческой пневме.
Выражение ki имеет высший приоритет во всех японских искусствах. В макрокосмосе ки соответствуют ветры, в микрокосмосе - дыхание человека. В японском языке есть много слов, связанных с ки: ki-shф (погода), ki-haku (дух).
Основа поющего голоса - дыхание, поэтому и пение - это одно из проявлений ки.
Древние японцы верили, что, произнося или, лучше сказать, выдыхая, выдувая слово, они совершают духовный акт. И в русском языке слова «дыхание» и «дух» вовсе не чужды друг другу.
Японская традиция пения непосредственно связана с этим отношением к слову как к дыханию, нагруженному смыслом.

А эта короткая запись - не просто музыкальный фрагмент, это Гагаку - церемониальная музыка японского императорского дворца.

Европейское пение - как и вся остальная музыка - основывается на высоте и длительности звуков. В древней Японии пение сплавляло такие акустические элементы как окраска звука, его энергия, громкость и его качество в единый звуковой иероглиф.
Это нечто неизмеримо большее, чем правильно взятая нота.
И музыка бивы во многих отношениях не похожа на западноевропейскую музыку. Японский инструмент предполагает совсем иное отношение к саунду, к ритму.
Японский композитор-модернист Тору Такемицу написал несколько сочинений, в которых наряду с симфоническим оркестром используется и бива. Существует традиционный способ записи музыки бивы - по сравнению с западноевропейским он кажется очень приблизительным.

Kwaidan Music, Haochi the Earles, Tôru Takemitsu, 1964

Это посвящено Тору Такемицу

Когда исполнительница партии бивы в одном из его сочинений вызвалась изучить западноевропейскую нотацию, Такемитцу запретил ей это делать. «Это последнее, что я бы от вас ожидал, - сказал композитор. - Я сам изучу традиционную запись музыки бивы и научусь ей пользоваться, вам не понадобятся западные ноты. Сегодня традиционное чувство звука умирает из-за западной системы точной настройки музыкальных инструментов и записи музыки нотами».

Однажды у императора Тенно (Tennoh) из дворца пропала старинная бива. Её звали Genjo. Ей не было цены, она была очень дорогая. Император не находил себе места. Если её украли, то вор должен был её разбить - продать её было невозможно. Император был уверен, что его биву украли, чтобы омрачить его душу.
Минамото но Хиромаса был аристократом и превосходным музыкантом. Он тоже был очень опечален пропажей.
Однажды ночью он услышал звук струны - сомнений быть не могло: это бива Генджо. Хиромаса разбудил мальчика-слугу и они отправились ловить вора. Они приближались к звуку, но он всё время удалялся. На биве играл какой-то дух - только Хиромаса мог слышать звуки струн.
Он следовал за звуком, пока не дошёл до самой южной точки Киото - до зловещих ворот Расемон. Хиромаса и его слуга стояли под воротами, сверху доносились звуки лютни. «Это не человек, - прошептал Хиромаса, - это демон».
Он возвысил голос: «Эй, кто там играет на Генджо! Император Тенно ищет инструмент с тех пор, как он пропал. Я знаю, что ты здесь, я следовал за тобой от самого дворца!»
Музыка остановилась, что-то упало сверху и повисло в проходе. Хиромаса отшатнулся - он думал, что это демон. Но сверху на верёвке свисала лютня Генджо.
Император был очень рад возвращению Генджо, ни у кого не было сомнений, что именно демон похитил сокровище, а потом отдал. Хиромаса был щедро вознаграждён.
Генджо до сих пор находится в императорском дворце. Это не просто лютня, это нечто живое со своим характером. Если её берёт в руки неумелый музыкант, она не издаёт ни звука.
Однажды во дворце случился пожар. Все побежали вон и никто не подумал о том, чтобы спасти Генджо. Но, загадочным образом, она нашлась на лужайке перед дворцом, куда она, очевидно, добралась сама!

Андрей Горохов © 2001 Немецкая волна

Си Цзиньпинь, председатель Китайской народной республики, выступая на симпозиуме, приуроченном к 69-й годовщине победы над японскими захватчиками во время мировой войны, с призывом к Японии более ответственно подходить к оценке...

добавлена: 04 Мар 2014

Национальная японская музыка и инструменты

Страна Восходящего Солнца Япония имеет самобытную и неповторимую культуру. Наследие великой нации тесно связано с музыкой. Национальная японская музыка является таким же самобытным явлением, которое было обусловлено изолированностью страны.

Народ Японии всегда бережно и с уважением относится к памяткам культуры своей родины. Любая музыка невозможна без музыкальных инструментов. Музыкальная культура Японии имеет свой собственный неповторимый жанр. Это объясняет разнообразие инструментов, которые используются для создания музыкальных шедевров.

Известные музыкальные инструменты

Одним из наиболее известных японских музыкальных инструментов является сямисен , который является аналогом лютни. Он принадлежит к разряду трехструнных щипковых инструментов. Он произошел от сансина , который, в свою очередь, произошел от сансяня , родиной которого является Китай.

Японские музыка и танцы не обходятся без сямисена, который и на сегодняшний день почитается на Японских островах и часто используется в японском театре Бунраку и Кабуки . Важен, также, тот факт, что игра на сямисене входит в программу обучения для гейш — майко.

Национальная японская музыка, также, неразрывно связанна с флейтами. Музыкальный инструмент фуе принадлежит к семейству флейт, которые известны своим высоким звучанием. Их делают из бамбука. Эта флейта появилась из китайской свирели — «пайсяо «.

Самой известной флейтой из семейства фуе является сякухати , которая используется как музыкальный инструмент дзен буддийских монахов. По легенде, сякухати изобрел обычный крестьянин. Когда он перевозил бамбук, то услышал дивную мелодию, которая исходила из бамбука когда в него дул ветер.

Флейту фуэ, также как и сямисен, часто используют для аккомпанемента в театрах Банраку и Кабуки, и разного рода ансамблях. Отдельные из фуэ могут быть настроенными на западный лад, и таким образом становиться солирующими. Интересно, что ранее игра на фуэ была характерной только для японских бродячих монахов.

Суйкинкуцу

Еще одним инструментом, который представляет японскую культуру является суйкинкуцу . Он имеет форму перевернутого кувшина, сверху над которым течет вода. Попадая во внутрь через определенные отверстия она заставляет инструмент издавать звук, который очень похож на звон колокольчика. На этом инструменте играют перед чайной церемонией, а также используют в качестве атрибута традиционного японского сада.

Кстати говоря, чайная церемония для удобства может проходить именно в саду. Звук инструмента повергает человека в необъяснимое чувство релаксации, создает созерцательное настроение. Подобное состояние очень подходит для погружения в дзен, поскольку отдых в саду во время чайной церемонии является частью дзен традиций.

Более понятным для нашего восприятия является инструмент тайко , что в переводе на русский обозначает «барабан». Тайко прославился в военном деле, кстати говоря, также, как и его аналоги в других странах. Как говорится, в хрониках Гундзи Есю девять по девять ударов обозначало призыв к бою, а в свою очередь девять по три означало, что врага необходимо преследовать.

Необходимо учитывать, что во время выступления барабанщика, обращают внимание на эстетичность предлагаемого им представления, поскольку важны не только мелодия и ритм исполнения, но и внешний вид инструмента на котором воспроизводится мелодия.

Жанры японской музыки

Народная музыка Японии прошла довольно долгий путь своего развития. У ее истоков были магические песни, позже на развитие и становление музыкального жанра повлияли конфуцианство и буддизм. Таким образом, японская музыка, так или иначе, связанна с обрядами, традиционными праздниками, представлениями театра и прочими действиями. Японская этническая музыка, слушать онлайн которую, в современном мире, можно в любое время суток и в любом месте стала важной частью культурного наследия страны.

Существуют два основных наиболее популярных вида национальной японской музыки.

• Первый это сёмё , который представляет собой буддийские песнопения.
• Второй — гагаку , который представляет собой оркестровую придворную музыку.

Но, также, существуют и такие жанры, которые не имеют древних корней. К ним принадлежат ясуги буси и энка .

Наиболее популярным жанром народных японских песен является ясуги буси , который назван в честь города Ясуги. Тематика жанра связанна с древней историей и мифо-поэтическими сказаниями. Но ясуги буси это не только песни, но и танец додзё сукуи , а также искусство жонглирования под музыку дзени дайко , в котором как музыкальный инструмент используются стебли бамбука, которые наполнены монетами.

Энка , как жанр, возник сравнительно недавно, в послевоенное время. В нем народные японские мотивы переплетаются с джазовой и блюзовой музыкой. Таким образом, японская музыка имеет свои национальные особенности, и, таким образом, отличается от других музыкальных жанров других стран. Так, существуют музыкальные инструменты, которые называют как поющие колодцы, которые вы не увидите нигде на земле, разве что на Тибете.

Японская музыка характеризуется постоянно меняющимся темпом и ритмом. Часто в ней отсутствует размер. Японская музыка приближена к звукам природы, что делает ее еще более загадочной и необычной.

Видео: Японская музыка онлайн

Музыкальный инструмент: Лютня

В век сверхзвуковых скоростей и нанотехнологий иногда очень хочется расслабиться, отрешится от всей мирской суеты и оказаться в каком-нибудь другом мире, где нет современной суматохи, например, в романтичной эпохе Ренессанса. В нынешнее время для этого не надо изобретать машину времени, а достаточно просто посетить концерт аутентичной музыки где-нибудь в Измайловском кремле или Шереметьевском дворце. Там вы не только услышите прекрасные мелодии, мысленно переносящие в прошлые времена, но и познакомитесь с интересными музыкальными инструментами, на которых несколько столетий назад музицировали наши далекие предки. Интерес к старинной музыке сегодня все больше возрастает, современные исполнители с увлечением осваивают инструменты прошедших эпох, к которым относятся траверс-флейта, виола да гамба , требл виола, барочный контрабас-виолон, клавесин и, несомненно, лютня - инструмент привилегированных сословий и заслуживающий особого внимания. Её арабы в средние века по праву называли королевой музыкальных инструментов.

Звук

Лютня относится к семейству струнно-щипковых инструментов, по характеру своего звучания немного напоминает гитару, тем не менее, её голос гораздо мягче и нежнее, а тембр - бархатный и трепетный, так как более насыщен обертонами. Источник звука на лютне – парные и одинарные струны, которые исполнитель правой рукой защипывает, а левой прижимает к ладам, изменяя их длину, тем самым меняя звуковысотность.

Музыкальный текст для инструмента записывался при помощи букв на шестилинеечной строчке, а длительность звуков обозначалась нотами, поставленными над буквами. Диапазон инструмента около 3-х октав. Определенной стандартной настройки инструмент не имеет.

Фото :

Интересные факты

• У многих народов изображение лютни служило символом гармонии, молодости и любви. У китайцев она означала мудрость, а также согласованность в семье и обществе. У буддистов – гармонию в мире богов, у христиан - лютня в руках ангелов знаменовала красоту небес и примирение природных сил. В искусстве эпохи Возрождения она символизировала Музыку, а инструмент с оборванными струнами указывал на несогласие и разлад.
• Лютня являлась эмблемой - символическим изображением влюбленных.
• Лютня в эпоху Возрождения очень часто отображалась на живописных полотнах, даже Орфея и Аполлона художники того времени рисовали не с лирой, а с лютней. А более гармоничной композиции, чем девушка или юноша с этим романтичным инструментом и представить нельзя.
• В свое время лютня, являвшееся весьма популярной, считалась привилегированным инструментом светского круга, знати и особ королевской крови. На Востоке её называли султаном инструментов, а в европейских странах бытовало высказывание, что орган «Король всех инструментов», а лютня «инструмент всех королей».
• Великий английский поэт и драматург У. Шекспир очень часто упоминал лютню в своих произведениях. Он восхищался её звучанием, приписывая ей способность доводить слушателей до экстазного состояния.
• Величайший итальянский скульптор, художник, поэт и мыслитель Микеланджело Буонарроти, восхищаясь исполнением известного лютниста Франческо да Милано говорил, что он был божественно вдохновлен музыкой и все его мысли в это время были обращены к небесам.
• Исполнителя на лютне называют лютнист, а мастера, который изготавливает инструменты – лютье.
• Инструменты болонских мастеров - лютье Л. Малера и Г. Фрея, а также представителей мастерового семейства Тиффенбрукеров из Венеции и Падуи, созданные в 17-18 веках, стоили по тем меркам астрономических денег.
• На лютне научиться играть было не так сложно, а вот настраивать инструмент, у которого было много струн, изготавливаемых из натуральных материалов, но плохо державших строй из-за перепадов температур и влажности, было проблематично. Очень известной была шутка: музыкант, играющий на лютне, две трети времени занимается тем, что настраивает инструмент, а одну треть музицирует на не настроенном инструменте.

Конструкция

Весьма элегантная конструкция лютни включает в себя корпус и гриф, заканчивающийся колковым блоком. Корпус, имеющий грушевидную форму, включает в себя деку и кузов, который выполняет роль резонатора.

• Кузов изготавливается из выгнутых, образующих полусферическую форму, сегментов, производимых из твердых пород древесины: черного дерева, палисандра, вишни или клена.
• Дека – это лицевая часть корпуса, закрывающая кузов. Она плоская, имеет форму овала и обычно изготавливается из резонаторной ели. На деке в нижней части располагается подставка, а в средней имеется звуковое отверстие в виде изящного замысловатого узора или красивого цветка.

Сравнительно широкий, но короткий гриф лютни прикрепляется к корпусу на одном уровне с декой. На него приклеивается накладка из черного дерева, а также привязываются кетгутовые разграничители ладов. В верхней части грифа находится порожек, влияющий на высоту натяжения струн.

Колковый блок лютни, на котором находятся регулировочные штифты для натяжения струн, также имеет свою отличительную особенность. Она заключается в том, что блок располагается по отношению к шейке грифа под достаточно большим, почти прямым углом.

Количество парных струн на разных лютнях очень сильно варьируется: 5 до 16, а иногда и 24.

Вес инструмента весьма небольшой и составляет приблизительно 400 гр., длина инструмента – около 80 см.

Разновидности

Лютня в свое время, пользующееся большой популярностью, эволюционировала весьма интенсивно. Музыкальные мастера постоянно экспериментировали с её формой, количеством струн и настройкой. В результате возникло довольно значительное количество разновидностей инструмента. Например, ренессансные лютни кроме традиционных инструментов, включающих в себя инструменты с различным количеством парных струн - хоров, заимели виды различных размеров, которые были аналогичны регистрам человеческого голоса: малую октавную, малую дискантную, дискантную, альтовую, теноровую, басовую и октавную басовую. Кроме этого, в лютневое семейство входит барочная лютня, аль-уд, архилютня, торбан, кобза, теорба, киттарон, цитра, бандора, лютня кантабиле, орфарион, лютня вандерфогель, мандора, мандола.

Применение

Искусствоведы считают лютню не только одним из самых интересных, но и принципиально важным инструментом в истории Европейской музыки 16-17 веков. Она получила признание у представителей различных слоев общества, от простолюдинов до королевских особ, и использовалась как аккомпанирующий, солирующий и ансамблевый инструмент. Быстро растущая популярность лютни постоянно требовала пополнения и обновления репертуара. Очень часто сочинители произведений были одновременно и исполнителями, поэтому в европейских странах появилась целая плеяда замечательных композиторов-лютнистов. В Италии – Ф. Спиначино, Ф. Милано, В. Галилей, А. Риппе, Г. Морлей, В. Капирола, А. Пиччинини. В Испании – Л. Милан, М. Фуэнльяна. В Германии – Х. Нойзидлер, М. Нойзидлер, И. Капсбергер, С. Вайс, В. Лауффенштайнер. В Англии – Д. Дауленд, Д. Джонсон, Ф. Каттинг, Ф. Россетер, Т. Кампион. В Польше – В. Длугорай, Я. Рейс, Д. Като, К. Клабон. Во Франции – Э. Готье, Д. Готье, Ф. Дюфау, Р. Визе. Необходимо также отметить, что даже такие величайшие мэтры как И.С. Бах , А. Вивальди , Г. Гендель , Й. Гайдн уделяли лютне внимание, обогащая её репертуар своими произведениями.

В нынешнее время интерес к старинной музыке, а вместе с этим и к лютне, не ослабевает. Её звук все чаще можно услышать на сценах концертных залов. Среди современных композиторов, которые сегодня сочиняют для инструмента, немало интересных произведений следует отметить И. Давида, В. Вавилова, Ш. Каллоша, Ш. Лундгрена, Т. Сато, Р. МакФарлена, П. Гальвао, Р. МакКиллопа, Й. Виссемса, А. Данилевского, Р. Туровского-Савчука, М. Звонарёва.

Известные исполнители

Необычайно модная в эпоху Ренессанса и Барокко, но вытесненная другими инструментами и несправедливо забытая, лютня сегодня вновь вызывает большую заинтересованность, и не только у музыкантов-аутентистов. Её звук теперь всё чаще можно услышать на разных концертных площадках, причем не только соло, но и в ансамбле с другими прекрасными старинными музыкальными инструментами. В XXI веке наиболее известными исполнителями-виртуозами, которые много делают для популяризации инструмента, являются В. Каминик (Россия), П. О"Детт (США), О. Тимофеев (Россия), А. Крылов (Россия, Канада), А. Суетин (Россия), Б. Ян (Китай), Я. Имамура (Япония), Р. Лислеванд (Норвегия), Э. Карамазов (Хорватия), Й. Хелд (Германия), Л. Кирххоф (Германия), Э. Эгуэз (Аргентина), Х. Смит (США), Я. Линдберг (Швеция), Р. Барто (США), М. Лоу (Англия), Н. Норт (Англия), Й. ван Леннеп (Нидерланды) и многие другие.

История

Всю историю возникновения лютни, которая в восточных странах считалась одним из самых совершенных инструментов, проследить невозможно. Подобные инструменты уже четыре тысячелетия назад были широко распространены во многих странах мира. На них музицировали в Египте, Месопотамии, Китае, Индии, Персии, Ассирии, Древней Греции и Риме. Тем не менее, ученые-искусствоведы предполагают, что у лютни был непосредственный предшественник - это уд - инструмент к которому на Ближнем Востоке до сих пор относятся с особым почитанием, утверждая, что он является результатом творения внука Пророка. Уд имел грушевидный корпус, который изготавливали из орехового или грушевого дерева, деку из сосны, короткую шейку и выгнутую назад головку. Звук извлекали при помощи плектра.

Покорение Европы лютня начала в 8 веке с Испании и Каталонии, после того как мавры завоевали Пиренейский полуостров. Инструмент не только очень быстро влился в культуры этих стран, но также, вследствие крестовых походов, стал стремительно распространяться по другим европейским странам: Италии. Франции, Германии, вытесняя другие бытовавшие в то время инструменты, такие как цистра и пандура. Набирающая популярность лютня постоянно подвергалась различным усовершенствованиям. Мастера вносили изменения в конструкцию инструмента, модифицировали корпус и гриф, прибавляли струны. Если изначально он имел от 4 - 5 парных струн - хоров, то впоследствии количество постепенно увеличилось. К 14 веку лютня в Европе не только полностью сформировалась, но и стала одним из самых востребованных инструментов не только в придворном, но и домашнем музицировании. Её использовали уже не только как аккомпанирующий, но и как солирующий инструмент. Для лютни сочиняли много разнохарактерной музыки, делали переложения не только популярных песен и танцев, но и духовной музыки. В 15 веке популярность инструмента ещё больше возрастает, живописцы часто изображают его на своих художественных полотнах. Композиторы продолжают интенсивно обогащать репертуар. Исполнители отказываются от плектра, отдавая предпочтение пальцевому способу извлечения, что значительно расширяло технические возможности, позволяя исполнение, как гармонического аккомпанемента, так и полифонической музыки. Лютни продолжали совершенствоваться, и наиболее востребованными стали инструменты с шестью спаренными струнами.

В 16 веке популярность лютни достигла своего апогея. Она доминировала как у профессиональных музыкантов, так и у любителей. Инструмент звучал во дворцах королей и высшей знати, а также в домах простых горожан. На нем исполняли сольные и ансамблевые произведения, аккомпанировали вокалистам и хорам и, кроме этого, вводили в состав оркестров. В разных странах создавались школы по производству лютневых инструментов, самая известная из них находилась в Италии в г. Болонье. Инструменты постоянно модифицировались, увеличилось количество парных струн: сначала десять, затем четырнадцать, а впоследствии их число достигало 36, что соответственно требовало изменений в конструкцию инструмента. Разновидностей лютни было много, среди них было семь, которые соответствовали тесситуре человеческого голоса, от дисконта до баса.

К концу 17 века популярность лютни стала заметно падать, так как её постепенно вытесняли такие инструменты, как гитара , клавесин , а несколько позже и фортепиано. В 18 веке она фактически уже не употреблялась, за исключением нескольких разновидностей, которые бытовали в Швеции, Украине и Германии. И лишь на рубеже 19 и 20 веков, из-за возникшего вновь интереса к старинным инструментам английских энтузиастов во главе с инструментальным мастером, профессиональным музыкантом и музыковедом Арнольдом Долмичем внимание к лютне вновь сильно возросло.

Лютня – старинный изящный музыкальный инструмент с красивым нежным голосом, который в свое время был вытеснен из обихода и несправедливо забыт. Прошло время, музыканты вспомнили о нём, заинтересовались и вновь вывели на концертную сцену покорять слушателей утонченным звучанием. Сегодня лютня часто является участницей концертов аутентичной музыки, выступающий как солирующий, так и ансамблевый инструмент.

Видео: слушать лютню

Дутар. Ду - два. Тар - струна. Инструмент с навязными ладами и двумя струнами из жил. Думаете, чем меньше струн, тем проще играть?

Ну, тогда послушайте игру одного из лучших мастеров игры на дутаре - Абдурахима Хаита, уйгура из Синьцзяня, Китай.
Бывает еще туркменский дутар. Струны и лады у туркменского дутара металлические, корпус долбленный, из цельного куска дерева, звук очень яркий, звонкий. Туркменский дутар один из моих самых любимых инструментов на протяжении последних трех лет, а дутар, изображенный на фото, мне привезли из Ташкента совсем недавно. Восхитительный инструмент!

Азербайджанский саз. Девять струн разбиты на три группы, каждая из которых настроена в унисон. Аналогичный инструмент в Турции называется баглама.

Обязательно послушайте, как звучит этот инструмент в руках мастера. Если мало времени, то посмотрите хотя бы начиная с 2:30.
От саза и багламы произошел греческий инструмент бузуки и его ирландский вариант.

Уд или аль-уд, если называть этот инструмент по-арабски. Именно от арабского названия этого инструмента произошло название европейской лютни. Аль-уд - лют, лютня - слышите? Обычный уд не имеет ладов - лады на данном экземпляре из моей коллекции появились по моей инициативе.

Послушайте, как играет на уде мастер из Марокко.

От китайской двухструнной скрипки эрху с простеньким корпусом-резонатором и маленькой мембраной из кожи произошел среднеазиатский гиджак, который на Кавказе и в Турции получил название кеманча.

Послушайте, как звучит кеманча, когда на ней играет Имамйар Хасанов.

Рубаб имеет пять струн. Первые четыре из них сдвоены, каждая пара настроена в унисон, а басовая струна одна. Длинный гриф имеет лады в соответствии с хроматическим звукорядом почти на две октавы и небольшой резонатор с кожаной мембраной. Как вы думаете, что означают загнутые вниз рога, исходящие из грифа по направлению к инструменту? Его форма не напоминает вам баранью голову? Но ладно форма - какой звук! Вы бы слышали, какой звук у этого инструмента! Он вибрирует и дрожит даже своим массивным грифом, он заполняет своим звуком все пространство вокруг.

Послушайте звучание кашгарского рубаба. Но мой рубаб звучит лучше, честное слово.

Иранский тар имеет двойной долбленый корпус из цельного куска дерева и мембрану из тонкой рыбьей кожи. Шесть парных струн: две стальные, далее идет комбинация стальной и тонкой медной, а следующая пара настраивается в октаву - толстая медная струна настраивается октавой ниже тонкой стальной. У иранского тара навязные лады из жил.

Послушайте, как звучит иранский тар.
Иранский тар - предок нескольких инструментов. Один из них индийский сетар (се - три, тар - струна), а о двух других я расскажу ниже.

Азербайджанский тар имеет не шесть, а одиннадцать струн. Шесть таких же, как и у иранского тара, еще одна дополнительная басовая и четыре струны, на которых не играют, но они резонируют во время игры, дополняя звук эхом и делая звучание более продолжительным. Тар и кеманча, пожалуй, два главных инструмента азербайджанской музыки.

Послушайте несколько минут, начиная с 10:30 или хотя бы начиная с 13:50. Вы такого никогда не слышали и не могли предположить, что на этом инструменте возможно такое исполнение. Это играет брат Имамйара Хасанова - Руфат.

Есть гипотеза, что тар является родоначальником современной европейской гитары.

Недавно, когда я рассказывал об электроказане, меня упрекали - мол, я вынимаю душу из казана. Наверное, примерно то же самое говорили человеку, который 90 лет назад догадался поставить звукосниматель на акустическую гитару. Примерно тридцать лет спустя были созданы лучшие образцы электрогитар, остающиеся стандартом до сегодняшнего дня. Спустя еще десятилетие появились Битлз, Роллинг Стоунз, а следом за ними Пинк Флойд.
И весь этот прогресс никак не помешал производителям акустических гитар и исполнителям на классической гитаре.

Но не всегда музыкальные инструменты распространялись с востока на запад. Например, гармонь стала необычайно популярным инструментом в Азербайджане в 19-м веке, когда там появились первые немецкие переселенцы.

Мою гармонь изготовил тот же самый мастер, который создавал инструменты для Афтандила Исрафилова. Послушайте, как звучит такой инструмент.

Мир восточных музыкальных инструментов велик и разнообразен. Я не показал вам даже и части своей коллекции, а она далеко не полная. Но еще о двух инструментах я должен рассказать обязательно.
Дудочка с раструбом, что наверху, называется зурна. А инструмент под ним называется дудук или балабан.

Со звуков зурны на Кавказе, в Турции и Иране начинаются торжества и свадьбы.

Вот как выглядит аналогичный инструмент в Узбекистане.

В Узбекистане и Таджикистане зурну называют сурнай. В Средней Азии и Иране, к звукам сурная и бубнов обязательно добавляют протяжные звуки другого инструмента - карнай. Карнай-сурнай - устойчивое словосочетание, обозначающее начало праздника.

Интересно, что родственный карнаю инструмент существует в Карпатах, а название его знакомо многим - трембита.

А вторая дудочка, изображенная на моей фотографии, называется балабан или дудук. В Турции и Иране этот инструмент называют еще и мей.

Послушайте, как играет на балабане Алихан Самедов.

Мы еще вернемся к балабану, а пока я хочу рассказать о том, что я видел в Пекине.
Насколько вы поняли, я коллекционирую музыкальные инструменты. И как только во время поездки в Пекин у меня выдалась свободная минутка, я немедленно отправился в магазин музыкальных инструментов. Что я купил себе в этом магазине, я еще расскажу в другой раз. А сейчас о том, что я не купил и о чем страшно жалею.
На витрине стояла дудочка с раструбом, конструкцией в точности напоминавшая зурну.
- Как это называется? - спросил я через переводчицу.
- Сона, - ответили мне.
- До чего похоже на "сорна - сурнай - зурна" - подумал я вслух. А переводчица подтвердила мою догадку:
- Китайцы не произносят букву р в середине слова.

Подробнее о китайской разновидности зурны можете
Но, вы знаете, зурна и балабан ходят рука об руку. В их конструкции много общего - может быть, поэтому. И что вы себе думаете? Рядом с инструментом сона стоял другой инструмент - гуань или гуаньцзи. Вот как он выглядел:

Вот, как он выглядит. Ребята, товарищи, господа, да ведь это дудук и есть!
А когда он попал туда? В восьмом веке. Следовательно, можно предположить, что попал из Китая - сроки и география совпадают.
Пока документально известно только то, что этот инструмент распространялся на восток со стороны Синьцзяня. Ну а как в современном Синьцзяне, играют на этом инструменте?

Смотрите и слушайте с 18-й секунды! Вы только послушайте, какой роскошный звук у уйгурского баламана - да, здесь он называется точно так же, как в азербайджанском языке (существует и такое произношение названия).

А давайте поищем дополнительную информацию в независимых источниках, например, в энциклопедии Ираника:
BĀLĀBĀN
CH. ALBRIGHT
a cylindrical-bore, double-reed wind instrument about 35 cm long with seven finger holes and one thumb hole, played in eastern Azerbaijan in Iran and in the Republic of Azerbaijan.

Или Ираника симпатизирует азербайджанцам? Хорошо, вот БСЭ тоже говорит, что слово дудук имеет тюркское происхождение.
Азербайджанцы и узбеки подкупили составителей?
Ну, хорошо, вот болгар в симпатии к туркам точно не заподозришь!
на весьма серьезном болгарском сайте по слову дудук:
дудук, дюдюк; дудук, дюдюк (от тур. düdük), пищялка, сворче, гласник, доп - Народен дървен музикален инструмент от типа на аерофоните, полузатворени тръби.
Опять указывают на турецкое происхождение слова и называют его своим народным инструментом.
Распространен этот инструмент, как выяснилось, преимущественно среди тюркских народов, либо среди народов, контактировавших с тюрками. И каждый народ обоснованно считает его своим народным, национальным инструментом. Но только один приписывает себе его создание.

Ведь только ленивый не слышал, что "дудук - древний армянский инструмент". При этом намекают, что дудук был создан три тысячи лет назад - то есть, в недоказуемом прошлом. А факты и элементарная логика показывают, что это не так.

Вернитесь к началу этой статьи и еще раз посмотрите на музыкальные инструменты. Почти на всех этих инструментах играют и в Армении тоже. Но совершенно понятно, что все эти инструменты появились у гораздо более многочисленных народов с ясной и понятной историей, среди которых как раз и жили армяне. Представьте себе небольшой народ, живущий в рассеянии среди других народов, имеющих собственные государства и империи. Станет такой народ создавать полный набор музыкальных инструментов для целого оркестра?
Я, признаться, тоже думал: "Ладно, то были большие и сложные инструменты, оставим их в стороне. Но хоть дудочку армяне могли придумать?" А выясняется, что нет, не придумали. Если бы придумали, то у этой дудки было бы чисто армянское название, и не поэтическо-метафорическое циранопох (душа абрикосового дерева), а что ни будь попроще, понароднее, с одним корнем, либо и вовсе звукоподражательное. Пока же все источники указывают на тюркскую этимологию названия этого музыкального инструмента, а география и даты распространения показывают, что свое распространение дудук начал из Средней Азии.
Ну хорошо, давайте сделаем еще одно допущение и скажем, что дудук попал в Синьцзянь из древней Армении. Но каким образом? Кто принес его туда? Какие народы переселялись с Кавказа в Среднюю Азию на рубеже первого тысячелетия? Нет таких народов! А вот тюрки постоянно двигались из Средней Азии на запад. Они вполне могли распространить этот инструмент и на Кавказе, и на территории современной Турции и даже в Болгарии, на что указывают документы.

Я предвижу еще один аргумент защитников версии армянского происхождения дудука. Мол, настоящий дудук делается только из абрикосового дерева, которое на латыни называется Prúnus armeniáca. Но, во-первых, абрикосы в Средней Азии распространены ничуть не меньше, чем на Кавказе. Латинское название не указывает на то, что это дерево распространилось по миру с территории местности, носящей географическое название Армения. Просто именно оттуда оно проникло в Европу и было описано ботаниками примерно триста лет назад. Напротив, есть версия, что абрикос распространился с Тянь-Шаня, часть которого находится в Китае, а часть - в Средней Азии. Во-вторых, опыт весьма талантливых народов показывает, что этот инструмент можно изготовить даже из бамбука. А мой любимый балабан изготовлен из тутовника и звучит намного лучше абрикосовых, которые у меня тоже есть и произведены как раз в Армении.

Послушайте, как я научился играть на этом инструменте за пару лет. В записи участвовал народный артист Туркменистана Гасан Мамедов (скрипка) и народный артист Украины, мой земляк по Фергане, Энвер Измайлов (гитара).

При всем при этом я хочу отдать дань уважения великому армянскому исполнителю на дудуке Дживану Гаспаряну. Именно этот человек сделал дудук известным во всем мире инструментом, благодаря его труду в Армении возникла замечательная школа игры на дудуке.
Но говорить "армянский дудук" правомерно только о конкретных инструментах, если они изготовлены в Армении, либо о типе музыки, возникшей благодаря Дж.Гаспаряну. Указывать на армянское происхождение дудука могут только те люди, которые позволяют себе бездоказательные утверждения.

Прошу заметить, что я сам не указываю ни точного места, ни точного времени появления дудука. Вероятно, это уже невозможно установить и прообраз дудука древнее любого из ныне живущих народов. Но я строю свою гипотезу о распространении дудука, опираясь на факты и элементарную логику. Если кто-то пожелает возразить мне, то я хочу заранее попросить: пожалуйста, при построении гипотез точно так же опирайтесь на доказуемые и проверенные факты из независимых источников, не чурайтесь логики и попытайтесь найти иное внятное объяснение перечисленным фактам.

С помощью которого японские сказители или певцы аккомпанировали себе во время представления. Ближайший европейский аналог сямисэна - . Сямисэн наряду с флейтами хаяси и сякухати, барабаном цудзуми и . Относится к традиционным музыкальным японским инструментам.

Название контрастирует с жанром музыки для бунраку и кабуки – нагаута (длинная песня). Самый известный и самый сложный из стилей исполнения – гидаю, названный в честь Такэмото Гидаю (1651-1714), деятеля кукольного театра бунраку из Осака. Инструменты и плектры гидаю самые большие, а сам гидаю является одновременно и певцом и комментатором происходящего на сцене. Работа сказителя настолько сложна, что в середине представления гидаю сменяется. Сказитель должен абсолютно точно знать текст и мелодию. С XIX века появились и онна-гидаю, женщины-сказительницы.

Происхождение

Сямисэн в своём первородном виде зародился в глубинах Западной Азии, оттуда попал в Китай (XIII в.), где получил название «саньсянь», затем перебрался на о-ва Рюкю (современная Окинава) и только оттуда попал в Японию. Это событие весьма чётко обозначено в истории – в отличие от времени появления других музыкальных инструментов – и датируется 1562 годом.

Предшественник сямисена – сансин, на котором играли в королевстве Рюкю, в то время ставшем префектурой. Сансин, в свою очередь, происходит от китайского инструмента санцзянь, эволюционировавшего из центральноазиатских инструментов.

Сямисэн также был важнейшим инструментом для странствующих слепых музыкантов годзэ, которые появились в начале правления сёгуната Токугава.

В отличие от Европы, где традиционные/старинные инструменты не пользуются большим вниманием, сямисэн и другие национальные инструменты в Японии широко известны и любимы. Популярность обусловлена не только уважением японцев к своей культуре и истории, но и использованием национальных инструментов, в частности - сямисэна, в традиционном японском театре - прежде всего в театре Кабуки и Бунраку.

Наибольшее распространение сямисэн получил в эпоху Токугава, а навык игры на нём входил в обязательную программу подготовки майко – учениц гейш. Именно поэтому «весёлые кварталы» нередко называли «кварталами, где не умолкает сямисэн».

Разновидности и применение

Существуют несколько разновидностей инструмента которые отличаются друг от друга толщиной грифа.

Инструменты с узким грифом называются хосодзао и используются в основном в музыке нагаута .

Инструменты с грифом средней толщины называются тюдзао и используются в таких музыкальных жанрах как киёмото , токивадзу , дзиута и т. д.

На севере Японии, особенно в районе Цугару (западная часть преф. Аомори) используется отдельная разновидность сямисэна с толстым грифом — цугарудзямисэн , игра на котором требует особой виртуозности. Цугарудзямисэн с самым толстым грифом называется футодзао и используется в дзёрури .

Устройство

Корпус сямисэна представляет собой деревянный каркас, туго обтянутый шкурой. На о-вах Рюкю, к примеру, использовалась змеиная кожа, а в самой Японии для этой цели использовали кожу кошек или собак. Корпус обтягивается кожей с двух сторон, плюс небольшой кусок кожи приклеивается на переднюю мембрану, чтобы защитить её от ударов плектра (бати).

Три струны различной толщины натягиваются между колками и нижним концом грифа, который выступает в центре нижней части корпуса. Струны изготавливаются из шелка, нейлона и тетлона. Длина сямисэна составляет около 100 см.

Играют на сямисэне большим плектром «бати», который изготовляется из таких материалов как: дерево, слоновая кость, панцирь черепахи, буиволинный рог, пластик. Бати для нагаута и дзиута — почти правильные треугольники, с очень острыми краями.

Цугарудзямисэн предполагает меньший по размерам плектр, более напоминающий лист дерева гинкго.

Техника игры на сямисэне

Сформировалось три стиля игры на сямисэне:

Ута-моно – песенный стиль. Один из основных жанров музыкального сопровождения представлений театра Кабуки . Этот жанр представлен продолжительными музыкальными интерлюдиями, которые играет ансамбль хаяси (этот ансамбль обычно сопровождает спектакли театра, он и состоит из флейты и трёх видов барабанов).

Катари-моно – сказовый стиль. Наиболее характерен для японской традиционной музыки и представлен специфическим типом пения.

Миньё – народная песня.

Когда сямисэн только появился в Японии, струны перебирали маленьким медиатором (юбикакэ) и только с течением времени музыканты стали пользоваться плектром, что значительно расширило тембральные возможности инструмента. Всякий раз, когда защипывается нижняя струна, в дополнение к её звучанию слышатся призвуки и лёгкий шум, это явление получило название «савари» («прикасаться»). Савари появляются также, когда другие струны резонируют с нижней струной, особенно, когда интервал тона между струнами составляет октаву (две октавы, три, квинту и т.д.). Умение пользоваться этим дополнительным звучанием является признаком высокого мастерства исполнителя, а сам акустический эффект жёстко контролируется мастерами по изготовлению сямисэнов.

Плектр держат в правой руке, а в нужный момент звучание струн останавливается тремя пальцами левой руки на безладовом грифе. Большой палец и мизинец в игре не используются. Наиболее характерным приемом игры на сямисэне является одновременный удар плектра по мембране и по струне. Помимо этого, существует масса других важных факторов, определяющих специфику звучания, например, толщина струн, грифа, мембраны, место, где плектр ударяет по струнам и т.д. Также на сямисэне можно перебирать струны левой рукой, получая более изящный тембр. Эта возможность изменять тембр является одной из отличительных черт сямисэна.

Помимо способа игры тембр инструмента можно изменить, варьируя длину струны, шейку или плектр, а также их размеры, толщину, вес, материал – показателей масса! Существует чуть ли не два десятка сямисэнов, отличающихся друг от друга высотой тона и тембром, и музыканты подбирают тот инструмент, который наиболее точно соответствует их жанру музыки, или же перенастраивают его непосредственно перед представлением.

В музыке для сямисэна линия голоса практически совпадает с той, что играется на инструменте: голос лишь немного опережает мелодию, что позволяет расслышать и понять текст, а также подчёркивает контраст между звучанием голоса и сямисэна.

Сямисэн в современной музыке

Сямисэн из-за специфического звучания часто используется для усиления «национального» звучания в некоторых японских фильмах и аниме (примерно как в России ). Так, сямисэн звучит в звуковом сопровождении аниме-сериала Naruto, Puni Puni Poemi.

Агацума Хиромицу играет в стиле New Age.

Его используют представители европейского музыкального авангарда (например, Анри Пуссёр).

Довольно популряны композиции в исполнении Братьев Ёсида, сямисэн у них звучит как .

Митиро Сато исполняет на сямисене импровизации, а джазовый пианист Гленн Хориути вставлял в свои композиции фрагменты игры на сямисэне.

Гитарист Кевин Кметц возглавляет калифорнийскую группу Бог сямисэна, в которой играет на цугарудзямисэне.

Видео: Сямисэн на видео + звучание

Благодаря этим видео Вы можете ознакомиться с инструментом, посмотреть реальную игру на нём, послушать его звучание, ощутить специфику техники:

Продажа: где купить/заказать?

В энциклопедии пока ещё нет информации о том, где можно купить или заказать этот инструмент. Вы можете это изменить!